¿Siempre has tenido afinidad por la animación? ¿Tienes una idea para una historia que crees que sería perfecta para una película de animación? ¿Simplemente te das cuenta de que tu proyecto de acción real no puede avanzar y quieres ver si podría encajar con la animación?
La animación es increíble en el sentido de que no es un género cinematográfico más (de hecho, realmente no debería considerarse un género cinematográfico en absoluto), sino que es un medio totalmente diferente a través del cual contar una historia visual.
Esto incluye métodos de animación tradicionales como la animación 2D dibujada a mano o la animación 3D generada por ordenador, pero también puede incluir la animación stop-motion así como las marionetas.
Hemos recopilado algunas cosas a tener en cuenta si estás a punto de embarcarte en el viaje de escribir una película de animación. Le preguntaremos:
- ¿Su idea de historia se adapta a la animación?
- ¿Cómo se escribe el guión de una película de animación?
- ¿Cuál es la importancia del storyboard?
- ¿Cómo tener en cuenta al público?
- ¿Y cómo es escribir una película de animación para un guionista?
¿Tu idea de la historia necesita animación?
Lo bueno de la animación es que utilizarás el formato estándar de un guión. Así que no hay sorpresas. Pero seamos claros: no todas las historias deben trasladarse a la animación. El medio debe ajustarse al contenido.
Así que considera si tu guion cumple con estos requisitos:
a) Escenas y personajes específicos quedarán mejor con la animación
Tienes que tener escenas o personajes específicos que se beneficiarán mucho de ser animados (si estás lanzando, asegúrate de destacar esto). Ya sea desde el punto de vista estético o de los personajes, necesitas tener un razonamiento.
Piensa en las películas clásicas de Disney o Pixar. Franquicias como TOY STORY y CARS de Pixar no podrían haber funcionado si no hubieran sido animadas. Los juguetes y los coches tenían que estar animados para ser atractivos (si no, habrían sido simplemente espeluznantes). La animación permitió a los creadores crear escenarios individualizados para los personajes, que no existen en la vida real.
¿Recuerdas lo raros que parecían los personajes secundarios en el reciente remake de acción real de BEAUTY AND THE BEAST de Disney (es decir, los objetos domésticos como Lumiere, la señora Potts y Cogsworth)? ¿Y cómo el castillo no era tan mágico? Esto se debe a que habían funcionado mejor en la animación, y verlos de forma más realista resultaba extraño para muchos espectadores.
En la animación, un personaje como Lumiere (un candelabro) puede cobrar vida con expresiones exageradas y movimientos fluidos. En cierto sentido, se pretende que sea poco realista. Pero representado de una forma más realista, Lumiere resulta más poco convincente. Parece tan extraño como lo sería un candelabro real si cobrara vida. Y eso no se siente en consonancia con la imaginación que la historia pretende.
b) Su género cinematográfico será más fácil o mejor en la animación
Muchas películas de animación suelen emplear el género fantástico o el de ciencia ficción, porque es más fácil crear esos mundos utilizando la animación. Además, muchos libros infantiles o cómics pertenecen a uno de estos géneros y se adaptan a películas de animación (¿sabías que las películas de HARRY POTTER fueron planteadas originalmente como una serie de películas de animación por Steven Spielberg?)
Pero esto no significa que las películas de animación tengan que pertenecer al género de la fantasía o la ciencia ficción, o incluso tener personajes antropomórficos.
La animación puede solaparse con casi cualquier género o subgénero cinematográfico. Y eso puede jugar a su favor. De nuevo, piensa en lo que la animación aporta a tu historia que no podría aportar la acción real. ¿Tiene esto relevancia para la historia y su propósito?
c) No, tu película de acción real no debería convertirse en una película de animación por conveniencia
Dado lo diversa que se está volviendo la animación, con diferentes estilos y géneros que se utilizan (y especialmente con el aumento de la animación para adultos en la televisión), se podría argumentar que cualquier guión podría convertirse en animación.
Pero eso no es cierto. Muchas películas deberían ser de acción real, porque será el mejor medio para ello.
Sí… si quieres convertir una película de acción real en una de animación, siempre puedes hacerlo (mira el episodio animado de LA LISTA NEGRA que salió este año debido a que Covid cerró su producción). Pero si tu proyecto va a ser mejor como live-action, quizás quieras esperar a que se filme con actores reales.
Ahora bien, algunos pueden señalar la película de animación francesa ganadora de un premio 2019, I LOST MY BODY, y decir que podría haber sido fácilmente de acción real. Está en un escenario moderno contemporáneo y cuenta con personajes humanos adultos.
Pero había una razón específica por la que su equipo eligió la animación: la mano cortada. La historia es la de una mano cortada que regresa al joven del que se desprendió.
Ese extraño personaje habría sido espantoso de ver, incluso en forma de CG-realista. Sí, no tiene ningún diálogo, pero obviamente es crucial para la historia. Y por eso tuvieron que hacer una película de animación. La animación sirvió para realizar de forma palpable un aspecto peculiar y crucial (y por lo demás horripilante) de la historia.
Hay que ser detallado en las descripciones
A diferencia de lo que ocurre en la acción real, donde una descripción se explica por sí misma, la animación requiere más detalles en sus descripciones.
Descripciones de escenas
Dado que ya está creando mundos enteros, no sólo puede ambientar la película en lugares exóticos como la selva, el desierto, la tundra u otro planeta, sino que también puede tener fácilmente un breve plano de corte o un flashback a otro lugar exótico.
Puedes olvidarte (en gran medida) de las limitaciones presupuestarias y de lo difícil y costoso que sería llevar al reparto y al equipo al otro lado del mundo para una escena de 45 segundos. Con la animación puedes cortar donde quieras y durante el tiempo que quieras. Esta libertad puede dar lugar a una libertad de creatividad.
FAMILY GUY es un gran ejemplo de cómo la libertad de la animación permite al programa hacer cortes todo el tiempo durante breves períodos de tiempo con fines cómicos. Ahora es la firma del programa y representa su estilo distintivo de comedia. Algunos argumentan que la serie adoptó este estilo con demasiado entusiasmo y que su poder cómico llegó a abrumar a la serie.
Descripciones de los fondos
Además, cuando se escribe un coche o una casa en las escenas, no se obtiene simplemente un coche o una casa que existe en algún lugar en el backlot o en un almacén. Tendrás a los artistas creando literalmente cualquier tipo de coche y casa que puedas imaginar. Así que pon esos detalles en tu guión original.
Se dedicará tanto tiempo y esfuerzo a cada elemento visual que considerar cuidadosamente el aspecto de cada elemento en el guión es la mejor manera de adoptar la forma.
Descripciones de personajes
Además, los personajes animados son exactamente eso: ‘animados’. Pueden tener formas corporales extrañas, venir en diferentes colores, y sus rasgos faciales pueden ser exagerados. Por ejemplo, piensa en los Minions de DESPICABLE ME y su spin-off MINIONS. Son creaciones únicas e inigualables y su popularidad demuestra el apetito por este tipo de creaciones.
Además, uno de los principios de la animación tradicional es «aplastar y estirar», lo que significa que los personajes y los objetos pueden hacer exactamente eso en la animación. No tienen que moverse de forma realista, así que recuérdalo cuando los escribas. Aunque no serás tú quien se encargue en última instancia del diseño de los personajes, no temas dirigirlos en una dirección concreta.
Ahora, obviamente, no querrás ser demasiado detallista por dos razones:
- Debes dejar cierta licencia artística a los talentosos artistas, que querrán poner su propio sello en la película.
- Tienes que reconocer que, aunque la animación es técnicamente un medio ilimitado, hay limitaciones presupuestarias y de tiempo que tendrás que considerar.
Alguien tendrá que hacer cada activo (es decir, prop, objeto, persona) que usted menciona en su guión. Y en la mayoría de los casos, ese «alguien» será en realidad todo un equipo. Así que sé económico en lo que incluyes y en lo que no.
Pero al crear personajes principales o escenarios, que se utilizarán varias veces a lo largo de la película, reconoce que estos artistas también disfrutan de un reto. Dales algo para que muestren realmente sus habilidades. Cree un mundo único y desafiante, retando así a los creadores a realizarlo.
3. Su guion de animación se convertirá en un storyboard
La animación, especialmente en forma de largometraje, es un proceso iterativo. El guión pasará por muchas fases e individuos diferentes antes de su finalización. En resumen, se trata de un proceso muy colaborativo. Una de estas primeras fases será el storyboard.
Un grupo de animadores conocido como el «equipo de la historia» se encargará de crear guiones gráficos que traduzcan visualmente el guión (muchas películas de acción en vivo y de superhéroes utilizan ahora este proceso de «previsualización»).
Estos paneles del storyboard se editarán juntos para crear una escena animada dibujada a mano llamada «animatic», para que el equipo pueda tener una idea del tiempo.
¿Por qué es importante el storyboard?
El propósito del storyboard es averiguar:
- qué funciona y qué no visualmente
- cómo hacer más fuerte la historia
- planificar planos/ángulos
- dónde añadir humor físico
- enfocarse intensamente en las expresiones o movimientos de los personajes
- calculando las tomas/creando un animatic
- refinando la visión del director tanto como sea posible antes de comenzar la animación
Así que ten en cuenta: tu guion puede cambiar drásticamente durante este proceso. Pero si te cuesta aceptar la retroalimentación, o tienes una visión específica que no estás dispuesto a sacrificar, puede ser difícil trabajar para la animación.
También ten en cuenta que tardarás entre 2 y 3 años en hacer una película de animación (quizás más). Durante ese tiempo, debido a la retroalimentación del equipo de la historia y a las necesidades de producción, es posible que tengas que hacer múltiples (si no docenas y docenas) de reescrituras. Puede parecer tedioso, pero intente verlo como una gran oportunidad para perfeccionar el guión.
La animación suele estar dirigida al público familiar
Desde que Walt Disney creara el primer largometraje de animación BLANCA NIEVE Y LOS SIETE GUERROS hace más de 80 años, la gran mayoría de las películas de animación han estado dirigidas a los niños.
Aunque… a principios de este año, Kristine Belson, la presidenta de Sony Pictures Animation, comentó que en el futuro se harán más largometrajes de animación para el público adulto, y que tratarán temas de categoría PG-13 o R.
De hecho, una película como SAUSAGE PARTY o una serie de televisión como BOJACK HORSEMAN demuestran que la animación puede dirigirse directamente al público adulto. En estos ejemplos, la animación es crucial para el humor y la imaginación de la historia.
Pero… dada la historia de la animación, y sus puntos fuertes, la mayoría de las películas de animación seguirán siendo para niños y público familiar. Para seguir la fórmula «para toda la familia», lo más probable es que tenga lo siguiente:
a) El personaje principal es un niño o es como un niño
Si su película es para toda la familia, esto significará que su personaje principal será un niño, o tendrá una cualidad o perspectiva similar a la de un niño. Los niños necesitan relacionarse con el personaje, así que esto es importante.
Su personaje principal debe tener cualidades como:
- confianza en todo el mundo
- necesidad de aceptación
- curiosidad / asombro
- inocencia / ingenuidad
- inseguridad en sí mismos
- el deseo de ser un «adulto» / tener un propósito
.
Tu protagonista tiene que ser esencialmente un personaje con el que un niño que lo vea pueda empatizar. Alguien en quien se vean reflejados, alguien que reconozcan o alguien con características que reconozcan. Por ejemplo, Shrek no es un niño. Pero su identidad como marginado solitario ayuda al público a empatizar con él.
b) Comedia familiar
La animación también es conocida por incluir comedia. En las últimas décadas, presentar a un conocido cómico como personaje secundario lo ha conseguido con éxito.
Ejemplos de ello son Robin Williams como el genio de ALADDIN, o Eddie Murphy como Mushu en la película de animación original de 1998 MULAN y como Burro en la serie SHREK. Esto no sólo ayuda a consolidar la comedia, sino que a menudo es un guiño a los padres de los niños que la ven. Un cómico conocido ayudará a vender la película a los adultos y un papel cómico bien caracterizado ayudará a vender el guión a dicho cómico.
Los guionistas suelen decir que escribir una comedia es más difícil que escribir un drama. En la comedia, no sólo hay que equilibrar un argumento convincente, sino que también hay que infundirle diálogos y situaciones cómicas. Y en muchos sentidos, escribir comedia «familiar» es sin duda más difícil que la comedia general.
No puedes tener
- palabras malditas
- referencias sexuales
- violencia extrema o asesinatos
Puedes tener
- humor físico/de bofetadas
- humor soez (hasta cierto punto)
- referencias a la cultura popular
- diálogo ingenioso y «familiar».familiares
En todo caso, el proceso de escribir para el público familiar te convertirá en un escritor de comedia más fuerte, porque te quita algunas de las herramientas en las que muchos cómicos y escritores de comedia confían. Te obligará a aprender a crear diálogos cómicos inteligentes que sean apropiados para todas las edades.
c) Relaciones fuertes y temas morales
Pero si piensas en muchas de tus películas de animación favoritas, no son simplemente comedia. Tienen relaciones fuertes y genuinas (ya que a los niños les gusta ver el refuerzo de la comunidad y de la familia). También tienen casi siempre temas morales en su corazón (ya que los niños siguen aprendiendo sobre lo que está bien y lo que está mal).
Para un guionista esto es importante. El propósito y el mensaje de la película deben estar en la génesis misma de la idea de la historia. En el mejor de los casos, las películas de animación para niños pueden ayudar a enseñar a esos niños en una edad crucial.
Verás que hay temas recurrentes en muchas películas de animación: la familia, el amor, la amistad, la lealtad, la comunidad, la bondad. Su mensaje no tiene por qué encajar en una categoría ya probada. Pero en un mercado superpoblado, tu guión debe tener un mensaje central que tenga sentido.
d) Música y canto
Tanto a los niños como a los adultos les gusta la música. Por este motivo, muchas películas de animación incluirán canciones. Así que puede que acabes colaborando con un compositor (o si tienes el suficiente talento, escribirlas tú mismo).
La música puede ser clave para ayudar a romper la acción y el diálogo. Los que tengan hijos sabrán que no suelen tener la capacidad de atención más larga. La música y las canciones son una forma de dar variedad a la acción de tu película de animación. Un ritmo diferente, un contexto diferente, un estilo diferente… todo ello ayuda a captar y mantener la atención en la pantalla.
La animación se distribuirá al público internacional
Doblaje
La distribución internacional requerirá doblar la película a varios idiomas (a veces incluso cambiando la animación de la boca de los personajes). Piensa en FROZEN de Disney y en la cantidad de versiones en diferentes idiomas de ‘Let It Go’ que había. Hubo más de 40 versiones diferentes, cantadas por 40 cantantes diferentes, en 40 idiomas diferentes.
No, no estás obligado a traducir tu guión a docenas de otros idiomas. Pero deberías tener ideas de cómo ciertas escenas podrían modificarse fácilmente para adaptarse al público internacional. Algunas referencias culturales simplemente no se traducirán, así que tenlo en cuenta.
Toma como ejemplo ZOOTOPIA de Disney. Para las escenas de los locutores, animaron de forma diferente para los distintos países e idiomas. Utilizaron diferentes animales con diferentes actores de voz (la mayoría de los locutores reales de esos países). Ideas como ésta serían una gran idea para el guionista en la fase de desarrollo.
Pero lo más importante es ser maleable. No se espera que se esboce cómo una escena podría ser diferente para 40 mercados diferentes. Pero dejar espacio en el guión para la flexibilidad ayudará a ampliar su potencial atractivo.
Marketing + Franquicias
Muchas de las principales películas de animación están dirigidas a un público global, y con el objetivo de convertirse en una franquicia global (es decir, tener varias películas y potencialmente series de televisión derivadas). Si trabaja con un estudio, esto incluirá campañas internacionales de marketing y publicidad, contenidos digitales de corta duración y la creación de productos de consumo (es decir, juguetes, ropa de cama, prendas de vestir, etc.).
No, una vez más, usted no será responsable de todo eso. Pero son factores adicionales que hay que tener en cuenta a la hora de escribir. ¿Querrán los estudios gastar dinero en la comercialización de tus personajes?
En términos de escritura de guiones, ¿qué características tienen tus personajes que los hacen distintivos? ¿Qué hay en el mundo de tu historia que hará que el público vuelva a él?
Es importante no adelantarse, pensando en secuelas antes de haber terminado el guión de la primera entrega, por ejemplo. Sin embargo, pensar en el atractivo y la distinción de tus elementos centrales en su punto de creación, podría darles un potencial más amplio más adelante.
Los guionistas de animación tienen menos derechos sobre la propiedad que los guionistas de acción real
Si estás en el Reino Unido, el WGGB (Writers Guild of Great Britain) afortunadamente cubre tanto la acción real como la animación por igual (ver detalles aquí).
Sin embargo, si estás en los EE.UU., sabes que el WGA (Writers Guild of America) es el sindicato de guionistas dominante.
Pero en el mundo de la animación, aunque el gremio cubre algunos programas de televisión de animación para adultos, como Los Simpson, BOJACK HORSEMAN y BIG MOUTH, no cubre la mayoría de los proyectos de animación, especialmente los largometrajes de animación.
WGA vs The Animation Guild
En cambio, la mayoría de los miembros de la industria de la animación (incluidos los guionistas) están representados por The Animation Guild (I.A.T.S.E. Local 839). Esto incluye a muchos guionistas de animación, así como a todos los artistas de animación (¡pero sepa que puede ser miembro tanto de la WGA como de The Animation Guild!)
En comparación con el Gremio de la Animación, los guionistas de la WGA que escriben para la animación recibirán:
- residuos
- participación potencial en los ingresos por merchandising y en la venta de entradas de Broadway
Los guionistas del Gremio de la Animación pueden intentar negociarlos… pero no está garantizado. Por ejemplo, los guionistas de la película animada original de 1994 EL REY LEÓN no recibieron absolutamente nada por el reciente remake de acción real.
¿Por qué se divide?
Esto se remonta a la historia de la animación. Como se ha dicho antes, el storyboard era la forma en que se construían las historias para la animación durante años. Dado que esto lo hacían los animadores, tenía sentido que los «escritores» de animación estuvieran cubiertos por el Gremio de Animación. Aunque esto cambió a finales de los 90 y principios de los 2000, los guionistas siguen estando divididos.
¿Cómo puedo aprovechar al máximo mi contrato para la animación?
Si eres un guionista principalmente de acción real, sin duda puedes intentar conseguir trabajos en la animación. Debido al creciente interés por la animación (especialmente a la luz de la pandemia de Covid-19), el WGA hizo una declaración a sus guionistas. Hicieron hincapié en que, al negociar para escribir un proyecto de animación, los miembros de la WGA deberían:
- asegurarse de que tanto el miembro como su agente/gestor adopten la postura de que su trabajo estará cubierto por la WGA
- asegurarse de que se utiliza un contrato de la WGA, ya que garantizará que reciban los residuos, los honorarios de los guiones, las protecciones de los créditos y las contribuciones a los fondos de salud de las pensiones de la WGA&.
En resumen:
Asegúrese de que la animación es la mejor forma que puede adoptar su historia. Tiene que haber un propósito claro detrás de la elección de escribir una película de animación. Aproveche la libertad de imaginación que ofrece una película de animación y utilícela para dar forma al tono, el estilo, la narrativa y los personajes de su guión.
Sea detallado en sus descripciones. Recuerde que está creando un mundo único y específico y que su guión es el primer paso de un proceso que abarca a equipos de animadores y diseñadores. Deje volar su imaginación, pero sea eficiente y claro en la forma de transmitir esa imaginación.
Una película de animación es un proceso largo y exhaustivo y el storyboard es clave en este proceso, ya que descompone el guión en pasos visuales. Como guionista, esto no será necesariamente tu responsabilidad. Pero es un paso importante que debes recordar cuando escribas un guión para una película de animación, ya que la forma en que escribas afectará al proceso de creación del guión gráfico.
Manténgase centrado en el mensaje central y el propósito de su historia y confíe en cualquier público. No sea condescendiente con el público más joven, pero no se deje llevar por el público adulto.
Además, piense en el panorama general. Una película de animación tiene el potencial de llegar fácilmente a todo el mundo. Intente, en la medida de lo posible, preparar su guión para esa eventualidad.
Debido a que el guionista es sólo un engranaje de los muchos que hay en la creación de una película de animación, a menudo puede parecer que se le deja de lado en el proceso. Si te embarcas en la escritura de una película de animación, no seas ingenuo en cuanto al proceso general de realización de una película de animación y las jerarquías que existen.