En los primeros días de la adaptación de Hollywood a la cinematografía digital, hubo artistas, como Michael Mann y el director de fotografía Dion Bebe, o David Fincher y Harris Savides, que exploraron las propiedades únicas del medio, en lugar de limitarse a intentar que pareciera celuloide. Incluso en películas rodadas en 1080 HD, como «Zodiac», vimos cómo, con poca luz y en un entorno nocturno, podíamos asomarnos a este borde de exposición de bajo contraste. Aunque el digital no podía, y sigue sin poder, acercarse al increíble rango dinámico que el negativo de película puede producir para redondear las luces de una imagen, había una increíble latitud que los cineastas podían encontrar en la «punta» de la exposición de un archivo digital.
Hay un director de fotografía, en particular, que no sólo ha seguido explorando los bordes oscuros de la imagen digital, sino que la ha utilizado como un lienzo para pintar. La notable obra de Bradford Young en esta década comenzó rodando en película, un medio al que no ha renunciado, con indies de aspecto asombroso como «Ain’t Them Bodies Saints», de David Lowery, y «Pariah», de Dee Rees. Fue en el retrato de Rees de una afroamericana de 17 años que abraza su identidad como lesbiana, donde vemos cómo Young cobra vida en la noche, no de una forma iluminada por el neón de «Blade Runner» o un contraste noir de bajo perfil, sino en profundidad, color y textura. En ambas películas, Young se esforzó por experimentar con la subexposición y los filtros de baja intensidad, buscando su propio sabor de los negros lechosos de los mejores trabajos de Savides. Es un aspecto que muchos directores de fotografía intentaron imitar, especialmente en los anuncios, pero pocos lo hicieron suyo como Young.
En «Mother of George», debido a las limitaciones de presupuesto, se encontró rodando con la cámara Red One. En una de las películas de bajo presupuesto más llamativas y con un aspecto único, Young intentó hacer algunas de las mismas cosas, pero con un increíble esquema de iluminación superior encontró la manera de hacer que los colores resaltaran y la piel oscura brillara. La belleza y la vida que irradian desde el interior de la oscuridad de la lucha de los personajes inmigrantes era puro Young.
Young ha hablado de cómo el rodaje en digital le ha dado la confianza necesaria para ir más allá, ya que al tener un monitor calibrado y una LUT cuidadosamente planificada, sabe hasta dónde puede llegar y sacar focos de luz brillantes. En muchos sentidos, lo digital se ha convertido para él tanto en una mentalidad como en un medio.
Donald Glover ha comentado que a menudo en los platós de cine existe una desconexión entre lo que se experimenta en el plató con las brillantes luces del cine y lo que acaba saliendo en la cámara, momento en el que, al ver la imagen final, ese mundo artificialmente iluminado cobra sentido en retrospectiva. Sin embargo, cuando Glover entró en el plató de Young por primera vez, el mundo le pareció la «vida real». Lo sorprendente es que ese plató era «Solo», una película de La Guerra de las Galaxias.
La evolución de la práctica de Young ha supuesto sacar, en la medida de lo posible, el aparato de rodaje del escenario: si los actores entran y salen del plató, a menudo prácticamente iluminado, que así sea. Sin embargo, aunque el plató de «Solo» pueda parecer iluminado de forma realista, hay un sinfín de focos de luz que dan a la película una sensación de maravilla nocturna en un escenario por lo demás sombrío. Las imágenes de Young pueden ser oscuras, tanto en su aspecto como en su contenido emocional, pero están vivas. Esos focos de luz que él y su veterano colorista Joe Gawler han aprendido a sacar de un archivo digital RAW.
«Diría que Brad tiene el negativo más comprometido de todos los directores de fotografía con los que he trabajado, no hay mucha libertad, pero él y yo hemos encontrado un espacio divertido para jugar en la oscuridad al que la mayoría de la gente no llega», dijo Gawler a IndieWire. «La gente que está familiarizada con mi trabajo con Brad viene a mí, ‘Oh, quiero que hagas lo que haces con Brad’, y empiezo a ir allí en su metraje y todos se asustan. No pueden hacerlo y acaban retrocediendo. Brad no tiene miedo de nada, así que toma estas decisiones audaces, pero como pieza global todo el mundo responde a ella. Es un regalo»
Esa audacia no es simplemente estética, es personal. Young está comprometido con la visión de colaboradores de larga data como Ava DuVernay («Selma», «When They See Us») y Andrew Dosunmu («Mother of George», «Where Is Kyra?»), pero más que la mayoría de los directores de fotografía no oculta que su cinematografía es una forma de autoexpresión. Por ejemplo, el apartamento iluminado con una bombilla en el que nos vemos obligados a buscar a Kyra (Michelle Pfeiffer) en el encuadre tiene tanto que ver con la creación por parte de Young de «una relación más antagónica con el sistema» en un momento oscuro de Estados Unidos, como con la exploración de Dosunmu de cómo el sistema ha desgastado a su deprimida protagonista.
«Hay algo en su trabajo, hay una espiritualidad en él y en lo que está tratando de comunicar, en lo que está tratando de crear como artista», dijo Dosunma a IndieWire. «Brad se metió en esto porque quería utilizar esas herramientas para expresar algo personal para él. Para Young, el primer afroamericano nominado a la mejor fotografía por su trabajo en «La llegada», su trabajo no es simplemente una expresión artística, sino una exploración de la forma y de cómo ha sido utilizada para retratar a las minorías por una cultura blanca dominante. Su práctica, por el momento, no consiste simplemente en encontrar un estilo en el lado oscuro del digital, sino en deconstruir y reutilizar el poder extremo, que se ha utilizado históricamente tanto para bien como para mal, de las herramientas de su oficio. -Chris O’Falt