Näin kirjoitat animaatioelokuvan: 6 elintärkeää askelta animaation käsikirjoittamiseen

Oletko aina ollut kiinnostunut animaatiosta? Onko sinulla tarinaidea, joka mielestäsi sopisi täydellisesti animaatioelokuvaan? Oletko yksinkertaisesti huomannut, että live-action-projektisi ei pääse etenemään, ja haluat nähdä, sopisiko se animaatioon?
Animaatio on uskomaton siinä mielessä, että se ei ole vain yksi elokuvan lajityyppi (itse asiassa sitä ei oikeastaan pitäisi pitää elokuvan lajityyppinä lainkaan), vaan se on täysin erilainen väline, jonka avulla visuaalinen tarina voidaan kertoa.

Tämä käsittää perinteiset animaatiomenetelmät, kuten käsin piirretyn 2D-animaation tai tietokoneella luodun 3D-animaation, mutta siihen voi kuulua myös stop-motion-animaatio sekä nuket.
Olemme koonneet yhteen muutamia asioita, joita kannattaa ottaa huomioon, jos olet aikeissa ryhtyä kirjoittamaan animaatioelokuvaa. Kysymme:

• Päteekö tarinaideasi animaatioon?
• Miten kirjoitat animaatioelokuvan käsikirjoituksen?
• Mikä on storyboardingin merkitys?
• Miten pidät yleisön mielessäsi?
• Ja millaista animaatioelokuvan käsikirjoittaminen on käsikirjoittajalle?

Tarinan ideasi tarvitsee animaation?

Animaatiossa on hienoa se, että käytät käsikirjoituksen vakiomuotoa. Ei siis mitään yllätyksiä siellä! Tehdään kuitenkin selväksi: jokaista tarinaa ei kannata kääntää animaatioksi. Välineen on sovittava sisältöön.

Harkitse siis, täyttääkö käsikirjoituksesi nämä vaatimukset:

a) Erityiset kohtaukset ja hahmot olisivat parempia animaation avulla

Sinulla on oltava erityisiä kohtauksia tai hahmoja, jotka hyötyisivät suuresti animaatiosta (jos esittelet käsikirjoitustasi, varmista, että korostat tätä). Olipa kyse sitten esteettisistä tai hahmoihin liittyvistä seikoista, sinulla on oltava perustelut.

Ajattele klassisia Disney- tai Pixar-elokuvia. Pixarin TOY STORYn ja CARSin kaltaiset franchising-elokuvat eivät olisi voineet toimia, jos niitä ei olisi animoitu. Lelujen ja autojen piti olla animoituja ollakseen houkuttelevia (muuten ne olisivat olleet vain karmivia!). Animaatio mahdollisti sen, että tekijät pystyivät luomaan hahmoille yksilöllisiä puitteita, joita ei ole olemassa tosielämässä.

Muistatteko, miten oudoilta sivuhahmot näyttivät Disneyn hiljattain ilmestyneessä Kaunotar ja hirviö -elokuvan live-action-uudelleenfilmatisoinnissa (ts. kotitalousesineet, kuten Lumiere, rouva Potts ja Cogsworth)? Ja miten linna ei vain ollut aivan yhtä maaginen? Tämä johtuu siitä, että ne olivat toimineet parhaiten animaatiossa, ja niiden näkeminen realistisemmassa muodossa tuntui monista katsojista oudolta.

Animaatiossa Lumièren ( kynttilänjalka) kaltainen hahmo voidaan herättää henkiin liioitelluilla ilmeillä ja sujuvilla liikkeillä. Sen on tavallaan tarkoitus olla epärealistista. Mutta realistisemmassa muodossa kuvattuna Lumiere tuntuu haitallisen epäuskottavammalta. Se näyttää yhtä oudolta kuin oikea kynttilänjalka näyttäisi, jos se heräisi henkiin. Eikä se tunnu sopivan tarinan tarkoittamaan mielikuvitukseen.

b) Elokuvan lajityyppi on helpompi tai parempi animaatiossa

Monissa animaatioelokuvissa käytetään usein fantasia- tai scifi-genreä, koska näiden maailmojen luominen animaation avulla on helpompaa. Myös monet lastenkirjat tai sarjakuvat kuuluvat johonkin näistä genreistä, ja ne sovitetaan animaatioelokuviksi (tiesitkö, että Steven Spielberg suunnitteli HARRY POTTER -elokuvat alun perin animaatioelokuvasarjaksi?)

Mutta tämä ei tarkoita, että animaatioelokuvien olisi pakko kuulua fantasia- tai tieteiselokuvagenreen tai että niissä pitäisi olla antropomorfisia hahmoja.
Animaatioelokuvissa voi olla päällekkäisyyksiä melkeinpä minkä tahansa elokuvan tyylilajin kanssa. Ja se voi toimia eduksesi. Mieti jälleen kerran, mitä animaatio tuo tarinaan sellaista, mitä live action ei voisi tuoda. Onko tällä merkitystä tarinan ja sen tarkoituksen kannalta?

c) Ei, live-action-elokuvastasi ei pitäisi tehdä animaatioelokuvaa mukavuussyistä

Kun otetaan huomioon, miten monipuoliseksi animaatio on muuttumassa ja miten erilaisia tyylejä ja genrejä käytetään (ja erityisesti aikuisten animaatioiden yleistyminen televisiossa), voisi väittää, että mistä tahansa käsikirjoituksesta voisi tulla animaatio.

Mutta se ei ole totta. Monen elokuvan pitäisi olla live-action, koska se on sille paras media.

Joo… jos haluaa tehdä live-action-elokuvasta animaation, sen voi aina tehdä (katsokaa vaikka THE BLACKLISTin animaatiojaksoa, joka ilmestyi tänä vuonna Covidin lopetettua tuotantonsa). Mutta jos projektisi on parempi live-actionina, kannattaa ehkä odottaa, että se kuvataan oikeiden näyttelijöiden kanssa.

Jotkut saattavat nyt viitata vuonna 2019 palkittuun ranskalaiseen animaatioelokuvaan I LOST MY BODY ja sanoa, että se olisi helposti voinut olla live-action. Se sijoittuu nykyaikaiseen moderniin ympäristöön ja siinä esiintyy aikuisia ihmishahmoja.
Mutta heidän tiiminsä valitsi animaation erityisestä syystä: irtileikatun käden. Tarina kertoo siitä, kuinka irrotettu käsi tekee tiensä takaisin nuoren miehen luo, josta se irrotettiin.
Tämä outo hahmo olisi ollut kammottavaa katsottavaa, jopa CG-realistisessa muodossa. Joo, sillä ei ole mitään dialogia, mutta se on ilmeisen tärkeä tarinan kannalta. Ja siksi siitä piti tehdä animaatioelokuva. Animaatiolla oli selkeä tarkoitus toteuttaa tarinan omituinen ja ratkaiseva (ja muuten karmea) osa-alue maukkaasti.

Kuvauksissa on oltava yksityiskohtaisia

Toisin kuin elävässä elokuvassa, jossa kuvaus on suhteellisen itsestään selvä, animaatio vaatii itse asiassa enemmän yksityiskohtia kuvauksissa.

Kohtauskuvaukset

Koska luot jo kokonaisia maailmoja, voit paitsi sijoittaa elokuvan eksoottisiin paikkoihin, kuten viidakkoon, aavikolle, tundralle tai toiselle planeetalle, myös helposti tehdä lyhyen leikkauskuvan tai takauman toiseen eksoottiseen paikkaan.

Voit (suurelta osin) unohtaa budjettirajoitukset ja sen, kuinka vaikeaa ja kallista olisi saada näyttelijät ja kuvausryhmä toiselle puolelle maapalloa 45 sekuntia kestävää kohtausta varten. Animaation avulla voit leikata minne haluat kuinka pitkäksi aikaa tahansa. Tämä vapaus voi johtaa luovuuden vapauteen.

FAMILY GUY on loistava esimerkki siitä, miten animaation vapaus antaa sarjan leikata koko ajan hyvin lyhyitä jaksoja komediallisiin tarkoituksiin. Se on nyt sarjan tunnusmerkki ja edustaa sen omaleimaista komediantyyliä. Jotkut jopa väittävät, että sarjassa omaksuttiin tämä tyyli liian täydestä sydämestä ja että sen koominen voima alkoi hukuttaa sarjan.

Prop-kuvaukset

Kun kirjoitat kohtauksiisi auton tai talon, et myöskään saa vain autoa tai taloa, joka on olemassa jossain backlotissa tai varastossa. Sinulla on taiteilijoita, jotka kirjaimellisesti luovat minkä tahansa auton ja talon, jonka voit kuvitella. Laita siis nämä yksityiskohdat alkuperäiseen käsikirjoitukseesi.

Kunkin visuaalisen elementin eteen käytetään niin paljon aikaa ja vaivaa, että jokaisen elementin ulkoasun ja tunnelman huolellinen pohtiminen käsikirjoituksessa on paras tapa omaksua muoto.

Hahmojen kuvaukset

Lisäksi animoidut hahmot ovat juuri sitä: ”animoituja”. Niillä voi olla outoja vartalonmuotoja, ne voivat olla erivärisiä ja niiden kasvonpiirteet voivat olla liioiteltuja. Ajattele esimerkiksi DESPICABLE ME -elokuvasta tuttuja kätyreitä ja niiden spin-offia MINIONS. Ne ovat ainutlaatuisia, vertaansa vailla olevia luomuksia, ja niiden suosio osoittaa, että tällaisia luomuksia halutaan.

Yksi perinteisen animaation periaatteista on myös ”squash and stretch”, eli hahmot ja esineet voivat tehdä animaatiossa juuri näin. Niiden ei tarvitse liikkua realistisesti, joten muistakaa se kirjoittaessanne. Vaikka et olekaan se, joka viime kädessä vastaa hahmojen suunnittelusta, älä pelkää ohjata heitä tiettyyn suuntaan.

Nyt et tietenkään halua olla liian yksityiskohtainen kahdesta syystä:

1. Sinun on jätettävä jonkin verran taiteellista vapautta lahjakkaille taiteilijoille, jotka haluavat antaa elokuvalle oman leimansa.
2. On tunnustettava, että vaikka animaatio on teknisesti rajaton väline, on olemassa budjettija aikarajoituksia, jotka on otettava huomioon.

Jonkun on tehtävä jokainen käsikirjoituksessasi mainitsemasi hyödyke (eli rekvisiitta, esine, henkilö). Ja useimmissa tapauksissa tuo ”joku” on itse asiassa kokonainen tiimi. Ole siis taloudellinen siinä, mitä otat mukaan ja mitä et.

Mutta luodessasi päähenkilöitä tai puitteita, joita käytetään useita kertoja elokuvan aikana, myönnä, että nämä taiteilijat nauttivat myös haasteesta. Anna heille jotain, missä he voivat todella näyttää taitonsa. Luokaa ainutlaatuinen ja haastava maailma, mikä haastaa tekijät toteuttamaan sen.

3. Animaatiokäsikirjoituksestasi tehdään storyboard

Animaatio, erityisesti pitkänä elokuvana, on iteratiivinen prosessi. Käsikirjoitus käy läpi monia eri vaiheita ja henkilöitä ennen valmistumistaan. Lyhyesti sanottuna se on hyvin yhteistoiminnallista. Yksi näistä varhaisista vaiheista on storyboarding.

Ryhmä animaattoreita, jotka tunnetaan nimellä ”tarinatiimi”, on vastuussa käsikirjoitusta visuaalisesti kuvaavien storyboardien luomisesta (monissa live-action- ja supersankarielokuvissa hyödynnetään nykyään tätä prosessia ”ennakkovisualisoinnissa”).

Nämä storyboard-paneelit leikataan yhteen ja niistä tehdään karkea käsin piirretty animaatiokohtaus, jota kutsutaan ’animaatioksi’, jotta tiimi saa käsityksen ajoituksesta.

Miksi storyboarding on tärkeää?

Tarinallistamisen tarkoituksena on selvittää:

• mikä toimii ja mikä ei toimi visuaalisesti
• miten tarinasta saadaan vahvempi
• kaappausten/kulmien suunnittelu
• missä lisätään fyysistä huumoria
• intensiivinen keskittyminen
• . hahmojen ilmeisiin tai liikkeisiin
• laukausten ajoittaminen / animaation luominen
• ohjaajan näkemyksen hiominen mahdollisimman pitkälle ennen animaation aloittamista

Ole siis tietoinen: Käsikirjoituksesi voi muuttua radikaalisti tämän prosessin aikana. Mutta jos sinulla on vaikeuksia ottaa vastaan palautetta tai sinulla on tietty visio, josta et ole valmis tinkimään, voi olla vaikeaa työskennellä animaation parissa.

Tiedä myös, että animaatioelokuvan tekeminen kestää 2-3 vuotta (ehkä pidempäänkin). Sinä aikana tarinatiimin palautteen ja tuotannon tarpeiden vuoksi saatat joutua tekemään useita (ellei jopa kymmeniä ja kymmeniä) uudelleenkäsikirjoituksia. Se voi tuntua ikävältä, mutta yritä nähdä se loistavana mahdollisuutena viimeistellä käsikirjoitusta.

Animaatio on yleensä suunnattu perheyleisölle

Sen jälkeen, kun Walt Disney yli 80 vuotta sitten loi ensimmäisen animaatioelokuvan SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS, valtaosa animaatioelokuvista on ollut suunnattu lapsille.

Vaikka… aiemmin tänä vuonna Sony Pictures Animationin johtaja Kristine Belson kommentoi, että tulevaisuudessa enemmän animaatioita tehdään aikuisyleisölle ja niissä käsitellään PG-13- tai R-luokituksen aiheita.

Todellakin SAUSAGE PARTYn kaltainen elokuva tai BOJACK HORSEMANin kaltainen tv-sarja todistavat, että animaatio voi olla täysin aikuisyleisölle suunnattu. Näissä esimerkeissä animaatio on ratkaisevassa asemassa tarinan huumorin ja mielikuvituksen kannalta.

Mutta… animaation historian ja sen vahvuudet huomioon ottaen suurin osa animaatioelokuvista on jatkossakin suunnattu lapsille ja perheystävälliselle yleisölle. Jos haluat noudattaa ”perheystävällisen” kaavaa, sinulla on todennäköisesti seuraavat asiat:

a) Päähenkilö on lapsi tai on kuin lapsi

Jos elokuvasi on perheystävällinen, tämä tarkoittaa, että päähenkilösi on joko lapsi tai hänellä on lapsen kaltainen ominaisuus tai näkökulma. Lasten täytyy samaistua hahmoon, joten tämä on tärkeää.

Päähenkilölläsi tulisi olla sellaisia ominaisuuksia kuin:

• luottavainen kaikkia kohtaan
• hyväksynnän tarve
• uteliaisuus / ihmetys
• viattomuus / naiivius
• epävarmuus itsestään

.

• halu olla ”aikuinen” / saada jokin tarkoitus

Päähenkilösi on oltava pohjimmiltaan hahmo, johon katsova lapsi voisi samaistua. Joku, jossa he näkevät itsensä, jonkun, jonka he tunnistavat tai jolla on ominaisuuksia, jotka he tunnistavat. Esimerkiksi Shrek ei ole lapsi. Mutta hänen identiteettinsä yksinäisenä hylkiönä auttaa yleisöä eläytymään häneen.

b) Perheystävällinen komedia

Animaatio tunnetaan myös siitä, että se sisältää komediaa. Viime vuosikymmeninä tunnetun koomikon esittäminen sivuhenkilönä on onnistunut tässä menestyksekkäästi.

Esimerkkeinä tästä ovat Robin Williams henki ALADDINissa tai Eddie Murphy Mushuna alkuperäisessä vuoden 1998 animaatioelokuvassa MULAN ja Aasina SHREK-sarjassa. Tämä ei ainoastaan auta vakiinnuttamaan komediaa, vaan se on usein myös tietoinen silmänisku katsovien lasten vanhemmille. Tunnettu koomikko auttaa myymään elokuvan aikuisille, ja hyvin luonnehdittu koominen rooli auttaa myymään käsikirjoituksen kyseiselle koomikolle.
Käsikirjoittajat sanovat usein, että komedian kirjoittaminen on vaikeampaa kuin draaman kirjoittaminen. Komediassa ei ole vain tasapainotettava pakottavaa juonta, vaan siihen on myös lisättävä koomista dialogia ja tilanteita. Ja monin tavoin ”perheystävällisen” komedian kirjoittaminen on epäilemättä vaikeampaa kuin yleisen komedian.

Sinussa ei voi olla

• kirosanoja
• seksuaalisia viittauksia
• ylivoimaista väkivaltaa tai murhaa

Voit olla

• slapstick/fyysistä huumoria
• huumoria (jossain määrin)
• pop-kulttuuriviittauksia
• nokkelaa ja nokkelaa ’perhettä-ystävällinen’ dialogi

Jos jotain, perheyleisölle kirjoittamisen prosessi tekee sinusta vahvemman komediankirjoittajan, koska se ottaa pois joitakin työkaluja, joihin monet koomikot ja komediankirjoittajat luottavat. Se pakottaa sinut oppimaan, miten luoda nokkelaa komediallista dialogia, joka sopii kaikenikäisille.

c) Vahvat ihmissuhteet ja moraaliset teemat

Mutta jos ajattelet monia suosikki animaatioelokuviasi, ne eivät ole pelkkää komediaa. Niissä on vahvoja ja aitoja ihmissuhteita (sillä lapset pitävät yhteisöllisyyden ja perheen vahvistamisesta). Niiden ytimessä on myös lähes aina moraalisia teemoja (koska lapset oppivat edelleen, mikä on oikein ja mikä väärin).

Käsikirjoittajalle tämä on tärkeää. Elokuvasi tarkoituksen ja sanoman on oltava tarinaideasi alkulähteillä. Parhaimmillaan lapsille suunnatut animaatioelokuvat voivat auttaa opettamaan näitä lapsia ratkaisevassa iässä.

Havaitset monissa animaatioelokuvissa toistuvia teemoja – perhe, rakkaus, ystävyys, uskollisuus, yhteisöllisyys, ystävällisyys. Viestisi ei tarvitse kuulua mihinkään hyväksi havaittuun kategoriaan. Mutta ylikuormitetuilla markkinoilla käsikirjoituksellasi on oltava tarkoituksenmukainen ja merkityksellinen ydinviesti.

d) Musiikki ja laulaminen

Sekä lapset että aikuiset rakastavat musiikkia. Tästä syystä monet animaatioelokuvat sisältävät lauluja. Saatat siis päätyä tekemään yhteistyötä säveltäjän kanssa (tai jos olet tarpeeksi lahjakas, säveltämään ne itse).

Musiikki voi olla avainasemassa toiminnan ja dialogin rikkomisessa. Ne, joilla on lapsia, tietävät, että heidän huomiokykynsä ei useinkaan ole kaikkein pisin! Musiikki ja laulut ovat vain yksi tapa antaa vaihtelua animaatioelokuvasi toimintaan. Erilainen tempo, erilainen konteksti, erilainen tyyli – nämä kaikki auttavat kiinnittämään katseet valkokankaalle ja pitämään ne siellä.

Animaatiota levitetään kansainväliselle yleisölle

Dubbaaminen

Kansainvälinen levitys edellyttää elokuvan dubbaamista useille kielille (joskus jopa hahmojen suun animaation muuttamista). Ajattele Disneyn FROZENia ja sitä, kuinka monta eri kieliversiota ”Let It Go” -kappaleesta oli. Siitä oli yli 40 eri versiota, joita lauloi 40 eri laulajaa 40 eri kielellä.

Ei, sinun ei tarvitse kääntää käsikirjoitustasi kymmenille eri kielille. Mutta sinulla pitäisi olla ideoita siitä, miten tiettyjä kohtauksia voisi helposti muokata kansainväliselle yleisölle sopiviksi. Joitakin kulttuuriviittauksia ei yksinkertaisesti käännetä, joten ole tietoinen.

Voi ottaa esimerkiksi Disneyn elokuvan ZOOTOPIA. Heidän uutisankkurikohtauksensa animoitiin itse asiassa eri maita/kieliä varten eri tavalla. He käyttivät eri eläimiä eri ääninäyttelijöiden kanssa (useimmat todelliset uutisankkurit kyseisistä maista). Tällaisia ideoita olisi hyvä esittää käsikirjoittajalle kehitysvaiheessa.

Mutta ennen kaikkea muokattavuus on avainasemassa. Sinun ei odoteta hahmottelevan, miten kohtaus voisi olla erilainen 40 eri markkinoilla. Mutta se, että käsikirjoituksessa jätetään tilaa joustavuudelle, auttaa laajentamaan sen potentiaalista vetovoimaa.

Markkinointi + franchising

Monet suuret animaatioelokuvat on suunnattu maailmanlaajuiselle yleisölle, ja niiden tavoitteena on tulla maailmanlaajuisiksi franchising-elokuviksi (eli saada useita elokuvia ja mahdollisesti spin-off-televisiosarjoja). Jos työskentelet studion kanssa, tähän sisältyy kansainvälisiä markkinointi- ja mainoskampanjoita, lyhytkestoista digitaalista sisältöä ja kuluttajatuotteiden (eli lelujen, vuodevaatteiden, vaatteiden jne.) luomista.

Ei, jälleen kerran et ole vastuussa kaikesta tästä. Mutta nämä ovat lisätekijöitä, jotka kannattaa ottaa huomioon kirjoittaessasi. Haluavatko studiot käyttää rahaa hahmojesi markkinointiin?

Käsikirjoituksellisesti: mitä ominaisuuksia hahmoillasi on, jotka tekevät heistä erottuvia? Mikä tarinamaailmassasi on sellaista, joka saa yleisön palaamaan sinne?

On tärkeää, ettet mene asioiden edelle ja mieti jatko-osia, ennen kuin olet esimerkiksi saanut ensimmäisen osan käsikirjoitusta valmiiksi. Kuitenkin se, että mietit keskeisten elementtiesi vetovoimaa ja erottuvuutta niiden luomisvaiheessa, saattaa antaa niille laajemman potentiaalin myöhemmässä vaiheessa.

Animaatiokäsikirjoittajilla on vähemmän oikeuksia omaisuuteen kuin live-action-käsikirjoittajalla

Jos olet Isossa-Britanniassa, WGGB (Writers Guild of Great Britain, Ison-Britannian käsikirjoittajakuningasliitto) kattaa onneksi yhtä lailla sekä live-action- että animaatiokäsikirjoittajat (katso tarkemmat yksityiskohdat täältä).

Jos kuitenkin olet USA:ssa, tiedäthän, että Yhdysvaltain käsikirjoittajakuntien liitto WGA (Writers Guild of America, Amerikan käsikirjoittajakuningasliitto) edustaa hallitsevaa kirjoittajia.

Mutta animaatiomaailmassa, vaikka kilta kattaa joitakin monia aikuisten animaatio-TV-sarjoja, kuten THE SIMPSONS, BOJACK HORSEMAN ja BIG MOUTH, se ei kata suurinta osaa animaatioprojekteista, varsinkaan animaatioelokuvia.

WGA vs. The Animation Guild

Pikemminkin suurinta osaa animaatioteollisuuden toimijoista (käsikirjoittajat mukaan luettuina) edustaa The Animation Guild (The Animation Guild, eli The Animation Guild -järjestö) (I.A.T.T.S.E:n paikallisyhdistys, paikallisyhdistys I.A.T.S.E:n paikallisjärjestö, Local 839, mukaan lukien. Siihen kuuluvat monet animaatiokirjailijat sekä kaikki animaatiotaiteilijat (mutta muista, että voit olla sekä WGA:n että The Animation Guildin jäsen!).
Verrattuna Animation Guildiin, WGA:n käsikirjoittajat, jotka kirjoittavat animaatioihin, saavat:

• jäännöspalkkioita
• potentiaalista osallistumista merchandising-tuloihin ja Broadwayn lipunmyyntiin

Animation Guildin käsikirjoittajilla on mahdollisuus yrittää neuvotella näistä… mutta se ei ole taattu. Esimerkiksi vuoden 1994 alkuperäisen animaatioelokuvan THE LION KING käsikirjoittajat eivät saaneet yhtään mitään äskettäisestä live-action-remake-versiosta.

Miksi se on jaettu?

Tämä juontaa juurensa animaation historiaan. Kuten sanottu, storyboarding oli vuosikausia se tapa, jolla tarinat rakennettiin animaatiota varten. Koska tämän tekivät animaattorit, oli järkevää, että animaation ”käsikirjoittajat” kuuluivat Animaatiokillan piiriin. Vaikka tämä muuttui 90-luvun lopulla ja 2000-luvun alussa, käsikirjoittajat ovat edelleen jakautuneet.

Miten saan parhaan mahdollisen hyödyn sopimuksestani animaation parissa?

Jos olet ensisijaisesti live-action-käsikirjoittaja, voit toki yrittää saada töitä animaation parissa. Koska kiinnostus animaatioita kohtaan on lisääntynyt (erityisesti Covid-19-pandemian valossa), WGA antoi lausunnon käsikirjoittajilleen. He korostivat, että neuvotellessaan animaatioprojektin kirjoittamisesta WGA:n jäsenten tulisi:

• varmistaa, että sekä jäsenen että hänen agenttinsa/managerinsa tulisi ottaa kantaa siihen, että heidän työnsä kuuluu WGA:n piiriin
• varmistaa, että käytetään WGA:n sopimusta, sillä se varmistaa, että he saavat jäännöspalkkioita, käsikirjoituspalkkioita, luottosuojaa ja maksuja WGA:n eläke-&terveysrahastoon.

Yhteenvetona:

Animaatioelokuvan kirjoittaminen saattaa tuntua helpolta vaihtoehdolta, jossa elävän elokuvan tekemisen komplikaatiot jäävät pois. Mutta käsikirjoituksen elävöittämisen monimutkaisuus säilyy riippumatta siitä, työskenteletkö ihmisten vai piirrettyjen kanssa.