Comment écrire un film d’animation : 6 étapes vitales pour le scénario d’une animation

Avez-vous toujours eu une affinité pour l’animation ? Vous avez une idée d’histoire qui, selon vous, serait parfaite pour un film d’animation ? Vous trouvez simplement que votre projet d’action en direct ne peut pas aller de l’avant, et vous voulez voir s’il pourrait correspondre à l’animation ?
L’animation est incroyable en ce sens qu’elle n’est pas simplement un autre genre de film (en fait, elle ne devrait vraiment pas être considérée comme un genre de film du tout), mais c’est un support entièrement différent à travers lequel raconter une histoire visuelle.

Cela inclut les méthodes d’animation traditionnelles comme l’animation 2D dessinée à la main ou l’animation 3D générée par ordinateur, mais peut aussi inclure l’animation stop-motion ainsi que les marionnettes.
Nous avons compilé quelques éléments à prendre en compte si vous êtes sur le point de vous lancer dans l’écriture d’un film d’animation. Nous vous demanderons :

• L’idée de votre histoire convient-elle à l’animation ?
• Comment écrire un scénario de film d’animation ?
• Quelle est l’importance du scénarimage ?
• Comment garder votre public à l’esprit ?
• Et à quoi ressemble l’écriture d’un film d’animation pour un scénariste ?

Votre idée d’histoire a besoin d’animation ?

Ce qui est génial avec l’animation, c’est que vous utiliserez le format standard d’un scénario. Donc pas de surprise de ce côté-là ! Mais soyons clairs : toutes les histoires ne doivent pas être traduites en animation. Le support doit s’adapter au contenu.

Considérez donc si votre scénario répond à ces qualifications :

a) Des scènes et des personnages spécifiques seront meilleurs avec l’animation

Vous devez avoir des scènes ou des personnages spécifiques qui bénéficieront grandement d’une animation (si vous faites un pitch, assurez-vous de le souligner). Que ce soit sur le plan esthétique ou sur celui des personnages, vous devez avoir un raisonnement.

Pensez aux films classiques de Disney ou de Pixar. Des franchises comme TOY STORY et CARS de Pixar n’auraient pas pu fonctionner si elles n’avaient pas été animées. Les jouets et les voitures devaient être animés pour être attrayants (sinon, ils auraient été simplement effrayants !). L’animation a permis aux créateurs de créer des décors individualisés pour les personnages, qui n’existent pas dans la vie réelle.

Souvenez-vous à quel point les personnages secondaires du récent remake en live-action de la BELLE ET LA BÊTE paraissent bizarres (c’est-à-dire les objets domestiques comme Lumière, Mme Potts et Cogsworth) ? Et comment le château n’était pas aussi magique ? C’est parce qu’ils avaient mieux fonctionné dans l’animation, et les voir sous une forme plus réaliste semblait étrange pour de nombreux spectateurs.

En animation, un personnage tel que Lumière ( un chandelier) peut être amené à la vie avec des expressions exagérées et des mouvements fluides. C’est, en un sens, censé être irréaliste. Mais représenté sous une forme plus réaliste, Lumière n’est pas convaincant. Elle semble aussi bizarre qu’un chandelier réel s’il prenait vie. Et cela ne semble pas correspondre à l’imagination voulue par l’histoire.

b) Votre genre cinématographique sera plus facile ou meilleur en animation

De nombreux films d’animation emploient souvent le genre fantastique ou le genre de la science-fiction, car il est plus facile de créer ces mondes en utilisant l’animation. En outre, de nombreux livres pour enfants ou bandes dessinées relèvent de l’un de ces genres et sont adaptés en films d’animation (saviez-vous que les films HARRY POTTER ont été initialement présentés comme une série de films d’animation par Steven Spielberg ?)

Mais cela ne signifie pas que les films d’animation doivent être dans le genre fantastique ou de science-fiction, ou même avoir des personnages anthropomorphes.
L’animation peut chevaucher presque tous les genres ou sous-genres de films. Et cela peut jouer en votre faveur. Encore une fois, réfléchissez à ce que l’animation apporte à votre histoire qui ne pourrait pas être apporté par la prise de vue réelle. Cela a-t-il un rapport avec l’histoire et son objectif ?

c) Non, votre film en prises de vues réelles ne devrait pas être transformé en film d’animation par commodité

Vu la diversité de l’animation, avec différents styles et genres utilisés (et surtout avec la montée de l’animation pour adultes à la télévision), vous pourriez faire valoir que n’importe quel scénario pourrait devenir une animation.

Mais ce n’est pas vrai. De nombreux films devraient être en live-action, parce que ce sera le meilleur support pour eux.

Oui… si vous voulez transformer un film en live-action en un film d’animation, vous pouvez toujours le faire (regardez l’épisode animé de THE BLACKLIST qui est sorti cette année en raison de l’arrêt de la production de Covid). Mais si votre projet sera meilleur en tant que live-action, vous pouvez attendre qu’il soit filmé avec de vrais acteurs.

Maintenant, certains peuvent pointer du doigt le film d’animation français I LOST MY BODY, récompensé en 2019, et dire que cela aurait pu facilement être du live-action. Il se situe dans un cadre moderne contemporain et met en scène des personnages humains adultes.
Mais il y a une raison spécifique pour laquelle leur équipe a choisi l’animation : la main coupée. L’histoire est celle d’une main coupée qui retrouve le chemin du jeune homme dont elle a été détachée.
Ce curieux personnage aurait été épouvantable à regarder, même sous une forme CG-réaliste. Oui, il n’a pas de dialogue, mais il est évidemment crucial pour l’histoire. Ils ont donc dû en faire un film d’animation. L’animation a servi un objectif distinct en réalisant de manière appétissante un aspect excentrique et crucial (et autrement macabre) de l’histoire.

Vous devez être détaillé dans vos descriptions

Contrairement à l’action réelle, où une description est relativement explicite, l’animation exige en fait plus de détails dans vos descriptions.

Descriptions de scènes

Etant donné que vous créez déjà des mondes entiers, vous pouvez non seulement situer le film dans des lieux exotiques comme la jungle, le désert, la toundra ou une autre planète, mais vous pouvez aussi facilement avoir un bref plan de coupe ou un flash-back dans un autre lieu exotique.

Vous pouvez (largement) oublier les contraintes budgétaires et combien il serait difficile et coûteux de faire venir les acteurs et l’équipe à l’autre bout du monde pour une scène de 45 secondes. Avec l’animation, vous pouvez couper où vous voulez pendant la durée que vous voulez. Cette liberté peut conduire à une liberté de créativité.

FAMILY GUY est un excellent exemple de la façon dont la liberté de l’animation permet à l’émission de couper tout le temps pour de très brèves périodes de temps à des fins comiques. C’est maintenant la signature de la série et cela représente son style de comédie distinctif. Certains diront même que l’émission a adopté ce style avec trop de cœur et que sa puissance comique en est venue à submerger l’émission.

Prop Descriptions

De plus, lorsque vous inscrivez une voiture ou une maison dans vos scènes, vous n’obtiendrez pas simplement une voiture ou une maison qui existe quelque part sur le backlot ou dans un entrepôt. Vous aurez des artistes qui créeront littéralement tous les types de voitures et de maisons que vous pouvez imaginer. Mettez donc ces détails dans votre scénario original.

Tant de temps et d’efforts seront consacrés à chaque élément visuel que le fait de considérer soigneusement l’aspect et la sensation de chaque élément dans le scénario est la meilleure façon d’embrasser la forme.

Descriptions des personnages

De plus, les personnages animés sont exactement cela : « animés ». Ils peuvent avoir des formes corporelles bizarres, se décliner en différentes couleurs, et les traits de leur visage peuvent être exagérés. Par exemple, pensez aux Minions de DESPICABLE ME et à leur spin-off MINIONS. Ce sont des créations uniques, sans équivalent, et leur popularité prouve l’appétit pour de telles créations.

Aussi, l’un des principes de l’animation traditionnelle est « écraser et étirer », ce qui signifie que les personnages et les objets peuvent faire exactement cela en animation. Ils n’ont pas besoin de se déplacer de manière réaliste, alors n’oubliez pas cela lorsque vous les écrivez. Bien que vous ne serez pas celui qui sera finalement en charge de la conception des personnages, n’ayez pas peur de les orienter dans une direction particulière.

Maintenant, évidemment, vous ne voulez pas être trop détaillé pour deux raisons :

1. Vous devez laisser une certaine licence artistique aux artistes talentueux, qui voudront mettre leur propre empreinte sur le film.
2. Vous devez reconnaître que, bien que l’animation soit techniquement un médium sans limites, il existe des contraintes budgétaires et de temps dont vous devrez tenir compte.

Quelqu’un devra fabriquer chaque actif (ie accessoire, objet, personne) que vous mentionnez dans votre scénario. Et dans la plupart des cas, ce « quelqu’un » sera en fait une équipe entière. Soyez donc économique dans ce que vous incluez et ce que vous ne faites pas.

Mais en créant des personnages ou des décors principaux, qui seront utilisés plusieurs fois dans le film, reconnaissez que ces artistes aiment aussi les défis. Donnez-leur quelque chose pour qu’ils puissent vraiment montrer leurs compétences. Créez un monde unique et stimulant, mettant ainsi les créateurs au défi de le réaliser.

3. Votre scénario animé sera scénarisé

L’animation, surtout sous forme de long métrage, est un processus itératif. Le scénario passera par de nombreuses phases et personnes différentes avant d’être achevé. En bref, c’est un processus très collaboratif. L’une de ces premières phases sera le storyboarding.

Un groupe d’animateurs connu sous le nom de « story team » sera chargé de créer des storyboards qui traduisent visuellement le scénario (de nombreux films d’action en direct et de super-héros utilisent maintenant ce processus en « prévisualisation »).

Ces panneaux de storyboard seront montés ensemble pour faire une scène animée brute dessinée à la main appelée « animatic », afin que l’équipe puisse avoir une idée du timing.

Pourquoi le storyboard est-il important ?

Le but du storyboarding est de comprendre :

• ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas visuellement
• comment rendre l’histoire plus forte
• planifier les plans/angles
• où ajouter de l’humour physique
• se concentrer intensivement. sur les expressions ou les mouvements des personnages
• chronométrer les plans / créer une animatique
• affiner la vision du réalisateur autant que possible avant le début de l’animation

Soyez donc conscient : votre scénario peut changer radicalement au cours de ce processus. Mais si vous avez du mal à accepter les commentaires, ou si vous avez une vision spécifique que vous n’êtes pas prêt à sacrifier, il peut être difficile de travailler pour l’animation.

Réalisez également qu’il faudra 2 à 3 ans pour réaliser un film d’animation (peut-être plus). Pendant cette période, en raison des retours de l’équipe de l’histoire et des besoins de la production, vous pourriez avoir à faire de multiples (voire des dizaines et des dizaines) de réécritures. Cela peut sembler fastidieux, mais essayez de voir cela comme une grande chance de perfectionner le scénario.

L’animation est généralement destinée à un public familial

Depuis que Walt Disney a créé le premier long métrage d’animation SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS il y a plus de 80 ans, la grande majorité des films d’animation ont été destinés aux enfants.

Alors que… plus tôt cette année, Kristine Belson, la présidente de Sony Pictures Animation, a fait un commentaire selon lequel davantage de longs métrages d’animation à l’avenir seront réalisés pour un public adulte, et traiteront de sujets classés PG-13 ou R.

En effet, un film comme SAUSAGE PARTY ou une série télévisée comme BOJACK HORSEMAN prouvent que l’animation peut s’adresser carrément à un public adulte. Dans ces exemples, l’animation est cruciale pour l’humour et l’imagination de l’histoire.

Mais… étant donné l’histoire de l’animation, et ses points forts, la majorité des films d’animation continueront à être destinés aux enfants et à un public familial. Pour suivre la formule  » adaptée aux familles « , vous aurez très probablement les éléments suivants :

a) Le personnage principal est un enfant ou ressemble à un enfant

Si votre film est adapté aux familles, cela signifie que votre personnage principal sera soit un enfant, soit aura une qualité ou une perspective semblable à celle d’un enfant. Les enfants ont besoin de s’identifier au personnage, c’est donc important.

Votre personnage principal devrait avoir des qualités comme :

• la confiance en tout le monde
• le besoin d’être accepté
• la curiosité / l’émerveillement
• l’innocence / la naïveté
• l’insécurité en soi

.

• un désir d’être un  » adulte  » / d’avoir un but

Votre protagoniste doit essentiellement être un personnage avec lequel un enfant qui le regarde pourrait avoir de l’empathie. Quelqu’un dans lequel ils se reconnaissent, quelqu’un qu’ils reconnaissent ou quelqu’un avec des caractéristiques qu’ils reconnaissent. Par exemple, Shrek n’est pas un enfant. Mais son identité de paria solitaire aide le public à avoir de l’empathie pour lui.

b) Comédie adaptée à la famille

L’animation est également bien connue pour inclure la comédie. Au cours des dernières décennies, la mise en vedette d’un comique bien connu comme personnage secondaire a permis d’atteindre cet objectif avec succès.

Les exemples incluent Robin Williams dans le rôle du génie dans ALADDIN, ou Eddie Murphy dans le rôle de Mushu dans le film d’animation original de 1998 MULAN et dans le rôle de l’âne dans la série SHREK. Non seulement cela contribue à renforcer la comédie, mais c’est souvent un clin d’œil aux parents des enfants qui regardent le film. Un comédien connu aidera à vendre le film aux adultes et un rôle comique bien caractérisé aidera à vendre le scénario audit comédien.
Les scénaristes disent souvent que l’écriture d’une comédie est plus difficile que celle d’un drame. Dans la comédie, vous devez non seulement équilibrer une intrigue captivante, mais vous devez également l’infuser avec des dialogues et des situations comiques. Et à bien des égards, écrire une comédie  » familiale  » est sans doute plus difficile que la comédie générale.

Vous ne pouvez pas avoir

• des mots maléfiques
• des références sexuelles
• des violences extrêmes ou des meurtres

Vous pouvez avoir avoir

• un humour physique/à gifles
• un humour potache (jusqu’à un certain point)
• des références à la culture pop
• un dialogue « familial » intelligent et plein d’esprit
• un dialogue « familial ».familial

Si quelque chose, le processus d’écriture pour un public familial fera de vous un auteur de comédie plus fort, car il vous prive de certains des outils sur lesquels de nombreux humoristes et auteurs de comédie s’appuient. Cela vous obligera à apprendre comment créer des dialogues comiques intelligents qui conviennent à tous les âges.

c) Relations fortes et thèmes moraux

Mais si vous pensez à plusieurs de vos films d’animation préférés, ils ne sont pas simplement des comédies. Ils ont des relations fortes et authentiques (car les enfants aiment voir le renforcement de la communauté et de la famille). Ils auront également presque toujours des thèmes moraux au cœur (car les enfants apprennent encore ce qui est bien et ce qui est mal).

Pour un scénariste, c’est important. Le but et le message de votre film doivent être à la genèse même de votre idée d’histoire. Au mieux, les films d’animation pour enfants peuvent aider à enseigner ces enfants à un âge charnière.

Vous remarquerez des thèmes récurrents dans de nombreux films d’animation – famille, amour, amitié, loyauté, communauté, gentillesse. Votre message ne doit pas nécessairement entrer dans une catégorie éprouvée. Mais dans un marché surpeuplé, votre scénario doit avoir un message de base utile et significatif.

d) Musique et chant

Les enfants comme les adultes aiment la musique. C’est pourquoi de nombreux films d’animation comporteront des chansons. Vous pouvez donc finir par collaborer avec un compositeur (ou si vous êtes assez talentueux, les écrire vous-même).

La musique peut être essentielle pour aider à briser l’action et le dialogue. Ceux qui ont des enfants savent qu’ils n’ont pas souvent la plus longue capacité d’attention ! La musique et les chansons ne sont qu’un moyen de donner de la variété à l’action de votre film d’animation. Un tempo différent, un contexte différent, un style différent – tout cela aide à capter et à garder les yeux sur l’écran.

L’animation sera distribuée à des publics internationaux

Dubbing

La distribution internationale nécessitera de doubler le film en plusieurs langues (parfois même de changer l’animation de la bouche des personnages). Pensez au film FROZEN de Disney et au nombre de versions linguistiques différentes de  » Let It Go « . Il y avait plus de 40 versions différentes, chantées par 40 chanteurs différents, dans 40 langues différentes.

Non, vous n’êtes pas obligé de traduire votre scénario dans des dizaines d’autres langues. Mais vous devriez avoir des idées sur la façon dont certaines scènes pourraient être facilement modifiées pour s’adapter au public international. Certaines références culturelles ne seront tout simplement pas traduites, alors soyez-en conscient.

Prenez par exemple ZOOTOPIA de Disney. Pour leurs scènes de présentateurs de journaux, ils ont en fait animé différemment pour les différents pays/langues. Ils ont utilisé différents animaux avec différents acteurs vocaux (la plupart des vrais présentateurs de journaux télévisés de ces pays). Des idées comme celle-ci seraient une excellente idée pour le scénariste à mettre en avant au stade du développement.

Mais surtout, être malléable est la clé. On n’attendra pas de vous que vous décriviez comment une scène pourrait être différente pour 40 marchés différents. Mais laisser de la place à la flexibilité dans le scénario contribuera à élargir son attrait potentiel.

Marketing + Franchises

De nombreux grands films d’animation sont destinés à un public mondial, et avec l’objectif de devenir une franchise mondiale (c’est-à-dire avoir plusieurs films et potentiellement des séries télévisées dérivées). Si vous travaillez avec un studio, cela comprendra des campagnes internationales de marketing et de publicité, du contenu numérique de courte durée et la création de produits de consommation (c’est-à-dire des jouets, de la literie, des vêtements, etc.).

Non, encore une fois, vous ne serez pas responsable de tout cela. Mais ce sont des facteurs supplémentaires à prendre en compte lorsque vous écrivez. Les studios voudront-ils dépenser de l’argent pour commercialiser vos personnages ?

En termes de scénarisation, quelles sont les caractéristiques de vos personnages qui les rendent distinctifs ? Qu’est-ce qui, dans l’univers de votre histoire, ramènera les spectateurs vers lui ?

Il est important de ne pas prendre de l’avance, en pensant à des suites avant même d’avoir terminé le scénario du premier volet, par exemple. Cependant, penser à l’attrait et à la distinction de vos éléments de base au moment de leur création, pourrait leur donner un potentiel plus large plus tard.

Les scénaristes d’animation ont moins de droits sur la propriété qu’un scénariste d’action réelle

Si vous êtes au Royaume-Uni, la WGGB (Writers Guild of Great Britain) couvre heureusement de manière égale l’action réelle et l’animation (voir les détails ici).

En revanche, si vous êtes aux États-Unis, vous savez que la WGA (Writers Guild of America) est le syndicat d’auteurs dominant.

Mais dans le monde de l’animation, si la guilde couvre quelques nombreuses séries télévisées animées pour adultes, notamment THE SIMPSONS, BOJACK HORSEMAN et BIG MOUTH, elle ne couvre pas la plupart des projets d’animation, notamment les longs métrages d’animation.

WGA vs The Animation Guild

Au contraire, la plupart des membres de l’industrie de l’animation (y compris les scénaristes) sont représentés par The Animation Guild (I.A.T.S.E. Local 839). Cela inclut de nombreux scénaristes d’animation ainsi que tous les artistes d’animation (mais sachez que vous pouvez être à la fois membre de la WGA et de l’Animation Guild !).
Par rapport à la Guilde de l’animation, les scénaristes de la WGA qui écrivent pour l’animation recevront :

• des résiduels
• une participation potentielle aux recettes de merchandising et aux ventes de billets pour Broadway

Les scénaristes de la Guilde de l’animation peuvent essayer de les négocier… mais ce n’est pas garanti. Par exemple, les scénaristes du film d’animation original de 1994 LE ROI LION n’ont absolument rien reçu pour le récent remake en prises de vues réelles.

Pourquoi est-il divisé ?

Cela remonte à l’histoire de l’animation. Comme dit précédemment, le storyboarding était la façon dont les histoires étaient construites pour l’animation pendant des années. Étant donné que cela était fait par des animateurs, il était logique que les « écrivains » de l’animation soient couverts par la Guilde de l’animation. Bien que cela ait changé à la fin des années 90 et au début des années 2000, les scénaristes sont toujours divisés.

Comment puis-je tirer le meilleur parti de mon contrat pour l’animation ?

Si vous êtes principalement un écrivain d’action directe, vous pouvez certainement essayer d’obtenir des emplois dans l’animation. En raison de l’intérêt accru pour l’animation (notamment à la lumière de la pandémie de Covid-19), la WGA a fait une déclaration à ses scénaristes. Ils ont souligné que lors de la négociation pour écrire un projet d’animation, les membres de la WGA devraient :

• s’assurer que le membre et son agent/manager prennent position sur le fait que leur travail sera couvert par la WGA
• s’assurer qu’un contrat de la WGA est utilisé, car il garantira qu’ils reçoivent des résidus, des honoraires de script, des protections de crédit et des contributions aux fonds de pension &de santé de la WGA.

En résumé :

Écrire un film d’animation peut sembler être l’option facile, éliminant les complications de la réalisation de films en prises de vues réelles. Mais les complexités de donner vie à un scénario demeurent, que l’on travaille avec des humains ou des dessins animés.