La musique traditionnelle dans la vie communautaire : Aspects de l’exécution, des enregistrements,. et de la préservation
Comment une communauté maintient-elle une identité ? Qu’est-ce qui motive ses membres à travailler ensemble, à lutter pour des objectifs communs ? Comment ses membres résistent-ils aux changements forcés afin de créer un avenir de leur propre conception ? Bien que les auteurs de livres aient tendance à attribuer l’essentiel de l’importance de la vie sociale et religieuse à des idées exprimées par des mots, de nombreux liens communautaires profonds sont forgés par les sens. Ils sont créés et renouvelés par l’expérience de la vue, des arômes, des goûts, des sensations tactiles et des sons. Les artistes, les cuisiniers, les danseurs et les musiciens le savent – mais leurs arguments les plus convaincants n’utilisent pas du tout de mots.
Les sons répétitifs, structurés, souvent dansés de la musique se retrouvent dans presque toutes les sociétés – tout comme le langage. La musique a quelque chose de profondément humain, mais aussi de profondément culturel, car – comme les langues – il existe de nombreuses formes de musique. Contrairement au langage, cependant, la musique ne nécessite pas de « compréhension ». Les gens peuvent être émus par la musique de peuples dont la langue ne signifie rien pour eux, et la même performance musicale peut signifier différentes choses pour différentes personnes.
Bien que la musique soit populairement associée au divertissement, aux loisirs et à un certain degré d’insignifiance aux États-Unis, elle est rarement « juste » un divertissement. La musique peut émouvoir les gens. Et parce qu’elle peut les émouvoir profondément, les membres des communautés du monde entier utilisent la musique pour créer une identité culturelle et effacer l’identité culturelle des autres, pour créer une unité et la dissoudre. Certains musiciens sont arrêtés, torturés, emprisonnés et parfois tués, tandis que d’autres sont invités aux sièges du pouvoir ; certains événements musicaux sont soutenus et d’autres sont interdits. Depuis les listes noires de l’ère McCarthy qui ont chassé de nombreux artistes de la radio et de la télévision jusqu’au débat sur les paroles de rap et le sampling, des émotions fortes ont été suscitées par les musiciens et leur musique aux États-Unis également.
La technologie transforme la façon dont les gens vivent la musique. Aujourd’hui, la musique peut être enregistrée (l’enregistrement audio a été inventé en 1877), stockée (les premières archives sonores ont été créées en 1899), diffusée sur les ondes radio dans les foyers (les premières stations commerciales américaines en 1920), envoyée par des fils vers des haut-parleurs dans les ascenseurs, les usines et les magasins et, plus récemment, elle peut être captée dans les antennes paraboliques du monde entier. De nos jours, de nombreuses personnes découvrent probablement la musique plus souvent par le biais d’enregistrements que lors de représentations en direct. Par conséquent, les enregistrements (qu’ils soient audio ou vidéo) revêtent une importance personnelle, sociale, politique et économique qui leur est propre. Dans de nombreux endroits, les gens peuvent participer à plus de types de musique qu’à n’importe quelle autre époque de l’histoire de l’humanité – et le choix de ce qu’il faut interpréter ou écouter devient une question de signification culturelle.
Ce numéro de Cultural Survival Quarterly se concentre sur la façon dont la musique est utilisée aujourd’hui pour exprimer et créer une communauté et une identité culturelle dans huit communautés très différentes.
Les Indiens Suyá du Brésil représentent la culture « en danger » classique – une société tribale à petite échelle dans un écosystème fragile faisant face à des menaces très réelles d’une population frontalière beaucoup plus importante. Ils utilisent la musique et les cérémonies pour recréer et célébrer ce qu’ils ont été et établir ce qu’ils souhaitent être. Je me concentre sur les structures sonores spécifiques qu’ils créent, parce que la musique est un son, et que des sons spécifiques portent avec eux une signification spécifique pour leurs interprètes et leurs publics.
Si les villageois croates et les Indiens Suyá sont différents à bien des égards, il existe de réelles similitudes dans l’importance de la performance musicale pour les deux communautés. Tvrtko Zebec décrit comment un groupe de citoyens du village déchiré par la guerre d’Oriovac a écrit de nouvelles paroles pour une ancienne forme de chanson et de danse, et l’a interprétée en tenue de village lors d’un festival folklorique à Zagreb. En retraçant les significations de l’événement, il montre comment la musique à la fois regarde en arrière vers les luttes antérieures et fait une déclaration sur le présent et l’avenir espéré pour les villageois et la nation elle-même.
Adam Novick commence dans un État-nation africain moderne, à l’ombre d’une antenne parabolique, et décrit une tendance rapportée dans le monde entier : la disparition de nombreuses traditions locales plus anciennes et leur remplacement par la musique populaire mondiale. Si le passé est un guide, certains traits musicaux continueront à être simplifiés et beaucoup de répertoires disparaîtront complètement. Les étrangers ne peuvent pas forcer les gens à exécuter ce qu’ils souhaitent abandonner, mais ils peuvent l’enregistrer, célébrer sa beauté, et augmenter le prestige des interprètes somers en rendant leurs traditions locales disponibles à la radio, dans les magasins, et chaque fois que possible par les antennes paraboliques.
Les musiciens traditionnels, les universitaires, les avocats et les organisations culturelles devraient travailler ensemble pour changer les lois sur les droits d’auteur qui favorisent la musique populaire par rapport à la musique traditionnelle, et transformer les pratiques qui tendent à récompenser les compilateurs plutôt que les musiciens traditionnels qu’ils enregistrent. Les enregistrements peuvent constituer un type de revenu raisonnablement utile pour une communauté si celle-ci a le contrôle de ce qui apparaît sur l’enregistrement, si elle reçoit des avances et des redevances appropriées et si elle tire un revenu des licences. Par rapport à la production d’objets artisanaux destinés à la vente – qui modifie souvent les pratiques de travail, met en danger certaines espèces végétales et animales, et affecte la qualité des artefacts eux-mêmes – les enregistrements interfèrent beaucoup moins avec la dynamique interne d’une société.
De nombreux enregistrements de sociétés tribales ont été réalisés par des chercheurs et déposés dans des archives où ils sont présumés n’intéresser que les anti-quariens. Les deux articles suivants illustrent certaines des façons dont les collections d’archives d’enregistrements anciens ont contribué à la survie ou à la croissance des cultures communautaires en Australie et aux États-Unis.
Grace Koch décrit comment des enregistrements de musique aborigène australienne, réalisés à l’origine pour l’érudition, sont maintenant utilisés comme preuves dans des affaires de revendications territoriales pour prouver les droits des Aboritines sur leurs terres traditionnelles. Lorsque les gens déposent des collections dans les musées et les archives, ils ne savent jamais à quelles fins elles peuvent être utilisées. Dans le cas présent, les chansons anciennes contiennent les preuves qui permettront de préserver de vastes étendues de terres aborigènes pour les groupes qui les utilisaient à l’origine. La nouvelle utilisation de la musique autochtone a également transformé l’institution responsable des archives de plusieurs façons importantes.
Judith Gray décrit comment l’American Folklife Center de la Bibliothèque du Congrès a entrepris un vaste projet visant à rendre les premiers enregistrements aux peuples qui les ont interprétés. Ils ont « rapatrié » la musique et la parole enregistrées à l’origine sur de vieux cylindres de cire aux communautés amérindiennes, et ont constaté que toutes les communautés n’étaient pas très intéressées par leurs vieux enregistrements. Pour les groupes qui se sont montrés intéressés, la récupération de la musique que l’on croyait perdue a été un événement émouvant et important.
La discussion de Tom Vennum et Richard LaFernier sur les pow-wow ojibwés dans le Wisconsin au début des années 1990 présente un autre aspect important de la performance musicale presque partout : l’ornementation corporelle et la robe. Les Indiens Suyá étaient de nouveaux ornements et se peignaient avec soin ; les Croates sont fiers de leur tenue locale ; et aux États-Unis, des vêtements spéciaux sont souvent portés lors des spectacles où la musique est à l’honneur – qu’il s’agisse de smoking, de tie-dyes, de funky, de cut-offs ou d’un autre style. Les danseurs de pow-wow attachent non seulement une grande importance à de nombreuses parties de leur tenue, mais les vêtements eux-mêmes peuvent représenter une communauté d’amis et de parents. La description que fait Richard LaFernier de l’origine et de la signification de sa tenue de danse est très spécifique à sa propre famille et à sa communauté, mais elle représente un aspect des spectacles musicaux dans de nombreuses régions du monde.
Ann Olumba et Diana N’Diaye soulignent l’importance des émissions de radio pour les immigrants africains aux États-Unis. Grâce à des programmes radiophoniques bien conçus, les producteurs de deux émissions aident à créer et à maintenir une communauté parmi les immigrants éloignés résidant dans la région de Washington, D.C.. La radio locale est un moyen efficace pour les membres isolés d’une communauté de rester en contact avec le dynamisme de leur culture. Il est toutefois important de noter que les grandes stations de radio commerciales à forte rotation proposent rarement de la musique provenant des communautés d’immigrés et destinée à celles-ci. Les plans initiaux que j’ai vus pour la radio numérique multi-stations manquaient également de diversité. Le rôle de répondre aux intérêts des communautés locales revient aux petites stations à but non lucratif dont le financement est fréquemment menacé.
Amy Horowitz et Reuven Namdar soulèvent une question d’une urgence pressante pour la plupart des États-nations aujourd’hui, y compris tous les pays des contributions précédentes. Au 19e siècle, la plupart des États-nations ont été créés avec une idéologie de singularité culturelle, souvent basée sur la religion, le folklore et les symboles d’une région, ou d’une partie de la population. À la fin du XXe siècle, une telle homogénéité ne se retrouve que dans quelques nations dans le monde. Elle a été remplacée par une multiplicité de peuples, et une multiplicité de cultures au sein de chaque nation. Israël, qui s’est créé en tant que nation avec le retour d’une population de diaspora très éloignée, a également créé son propre concept de « culture nationale ». Mais comme en témoigne Reuven Namdar, l’un des grands auteurs-compositeurs et interprètes d’Israël, il existe encore des ghettos culturels importants.
La plupart des êtres humains vivent aujourd’hui dans des États-nations complexes. Et les peuples et les cultures les plus menacés ne sont pas nécessairement ceux des forêts lointaines – il s’agit souvent d’importants groupes minoritaires au sein des nations qui éclatent soudainement en guerre civile ou en persécution. La musique est l’un des moyens par lesquels les communautés s’établissent et tentent de survivre ; la musique est également l’un des outils que d’autres personnes peuvent utiliser pour tenter de les dominer. Quoi qu’il arrive, la musique est souvent à la fois sérieuse et belle, urgente et transcendante.