Au début de l’adaptation de la cinématographie numérique par Hollywood, il y avait ces artistes, comme Michael Mann et le directeur de la photographie Dion Bebe, ou David Fincher et Harris Savides, qui ont exploré les propriétés uniques du support, plutôt que d’essayer simplement de le faire ressembler au celluloïd. Même dans des films tournés en HD 1080 comme « Zodiac », nous avons vu comment, en basse lumière et dans un décor nocturne, nous pouvions observer ce bord d’exposition à faible contraste. Alors que le numérique ne pouvait pas, et ne peut toujours pas, approcher l’incroyable gamme dynamique que le négatif de film peut produire en arrondissant les hautes lumières d’une image, il y avait une incroyable latitude que les cinéastes pouvaient trouver dans le « bout » d’exposition d’un fichier numérique.
Il y a un directeur de la photographie, en particulier, qui a non seulement continué à explorer les bords sombres de l’image numérique, mais l’a utilisé comme une toile à peindre. L’œuvre remarquable de Bradford Young au cours de cette décennie a débuté sur pellicule, un support qu’il n’a pas renié, avec des films indépendants à l’allure stupéfiante comme « Ain’t Them Bodies Saints » de David Lowery et « Pariah » de Dee Rees. C’est dans le portrait de Rees d’une Afro-Américaine de 17 ans qui assume son identité de lesbienne que l’on voit comment Young prend vie dans la nuit – non pas à la manière d’un néon à la Blade Runner ou d’un contraste noir discret, mais en profondeur, en couleur et en texture. Dans les deux films, Young s’est efforcé d’expérimenter la sous-exposition et les filtres à faible contraste, cherchant sa propre saveur des noirs laiteux des meilleurs travaux de Savides. C’est un look que tant de directeurs de la photographie ont essayé d’imiter, notamment dans les publicités, mais peu l’ont fait leur comme Young.
Sur « Mother of George », en raison de contraintes budgétaires, il s’est retrouvé à tourner sur la caméra Red One. L’un des films à petit budget les plus frappants et les plus uniques jamais réalisés, Young a essayé de faire un peu la même chose, mais grâce à un incroyable système d’éclairage par le haut, il a trouvé le moyen de faire ressortir les couleurs et de faire briller les peaux sombres. La beauté lumineuse et la vie qui rayonnaient à l’intérieur de l’obscurité de la lutte des personnages immigrés étaient du pur Young.
Young a parlé de la façon dont le tournage numérique lui a donné la confiance nécessaire pour aller plus loin, ayant un moniteur calibré et une LUT soigneusement pré-planifiée, il sait juste jusqu’où il peut le pousser et graver des poches de lumière lumineuses. À bien des égards, le numérique est devenu pour lui autant un état d’esprit qu’un moyen d’expression.
Donald Glover a fait remarquer que, si souvent, sur les plateaux de tournage, il y a une déconnexion entre ce que l’on vit sur le plateau avec les lumières vives du cinéma, et ce qui se retrouve sur la caméra, à un moment où, en regardant l’image finale, ce monde artificiellement éclairé prend rétrospectivement un sens. Pourtant, lorsque Glover est entré sur le plateau de Young pour la première fois, le monde lui a semblé être la « vraie vie ». Ce qui est remarquable, c’est que ce plateau était celui de « Solo », un film de la Guerre des étoiles.
L’évolution de la pratique de Young a consisté à retirer, autant que possible, l’appareil cinématographique de la scène – si les acteurs tombent dans et hors du plateau souvent éclairé de façon pratique, qu’il en soit ainsi. Pourtant, si le décor de « Solo » peut sembler éclairé de façon réaliste, il y a une infinité de poches de lumière qui donnent au film un sentiment d’émerveillement nocturne dans un décor autrement morne. Les images de Young sont peut-être sombres, tant par leur aspect que par leur contenu émotionnel, mais elles sont vivantes. Ces poches lumineuses, lui et son coloriste de longue date Joe Gawler ont appris qu’ils pouvaient les graver à partir d’un fichier numérique RAW.
« Je dirais que Brad a le négatif le plus engagé de tous les DP avec lesquels j’ai l’occasion de travailler, il n’y a pas beaucoup de latitude, mais lui et moi avons trouvé cet espace amusant pour jouer dans l’obscurité où la plupart des gens ne vont pas », a déclaré Gawler à IndieWire. Les gens qui connaissent mon travail avec Brad viennent me voir et me disent : » Oh, je veux que vous fassiez ce que vous faites avec Brad « , et je commence à aller sur leurs images et ils ont tous peur. Ils ne peuvent pas le faire et finissent par reculer. Brad n’a peur de rien, alors il fait ces choix audacieux, mais en tant que pièce globale, tout le monde y répond. C’est un cadeau. »
Cette audace n’est pas simplement esthétique, elle est personnelle. Young est attaché à la vision de collaborateurs de longue date comme Ava DuVernay (« Selma », « When They See Us ») et Andrew Dosunmu (« Mother of George », « Where Is Kyra ? »), mais plus que la plupart des directeurs de la photographie, il ne cache pas que sa cinématographie est une forme d’expression personnelle. Par exemple, l’appartement éclairé par une seule ampoule dans lequel nous sommes obligés de chercher Kyra (Michelle Pfeiffer) dans le cadre est autant le fait de Young créant « une relation plus antagoniste avec le système » à une époque sombre de l’Amérique, que l’exploration par Dosunmu de la façon dont le système a usé son protagoniste dépressif.
« Il y a quelque chose dans son travail, il y a une spiritualité et ce qu’il essaie de communiquer, ce qu’il essaie de créer en tant qu’artiste », a déclaré Dosunma à IndieWire. « Brad s’est lancé dans cette aventure parce qu’il voulait utiliser ces outils pour exprimer quelque chose de personnel pour lui. Il est très catégorique sur le fait d’être sur un travail ou de tourner des choses qu’il est capable de communiquer avec sa communauté de cinéastes et au-delà, c’est absolument nécessaire pour lui. »
Pour Young, le premier afro-américain à être nommé pour la meilleure cinématographie pour son travail sur « Arrival », son travail n’est pas simplement une expression artistique, mais une exploration de la forme et de la façon dont elle a été utilisée pour dépeindre les minorités par une culture blanche dominante. Pour l’instant, sa pratique ne consiste pas simplement à trouver un style dans le côté obscur du numérique, mais à déconstruire et à réaffecter l’extrême puissance des outils de son métier, qui ont été utilisés historiquement à la fois pour le bien et le mal. -Chris O’Falt