Mindig is vonzódtál az animációhoz? Van olyan történetötleted, ami szerinted tökéletes lenne egy animációs filmhez? Egyszerűen csak úgy találod, hogy az élőszereplős projekted nem tud előrehaladni, és szeretnéd megnézni, hogy az animációs filmbe illene-e?
Az animáció hihetetlenül jó abban, hogy nem csak egy újabb filmes műfaj (sőt, valójában egyáltalán nem is kellene filmes műfajnak tekinteni), hanem egy teljesen más médium, amelyen keresztül el lehet mesélni egy vizuális történetet.
Ez magában foglalja a hagyományos animációs módszereket, mint a kézzel rajzolt 2D animáció vagy a 3D számítógépes animáció, de magában foglalhatja a stop-motion animációt, valamint a bábokat is.
Összegyűjtöttünk néhány dolgot, amit érdemes figyelembe venni, ha egy animációs film megírásának útjára készülsz. Megkérdezzük:
- Megfelel a történetötleted az animációhoz?
- Hogyan írj animációs filmforgatókönyvet?
- Mi a Storyboarding jelentősége?
- Hogyan tartsd szem előtt a közönségedet?
- És milyen egy forgatókönyvírónak animációs filmet írni?
A történetötletednek animációra van szüksége?
Az animációban az a nagyszerű, hogy a forgatókönyv szabványos formátumát használod. Szóval ott nincs meglepetés! De tisztázzuk: nem minden történetet kell animációba átültetni. A médiumnak illeszkednie kell a tartalomhoz.
Szóval fontold meg, hogy a forgatókönyved megfelel-e ezeknek a feltételeknek:
a) Konkrét jelenetek és karakterek jobbak lesznek animációval
Specifikus jelenetekre vagy karakterekre van szükséged, amelyek nagy hasznát vennék az animációnak (ha pitchelsz, mindenképpen emeld ki ezt). Akár esztétikai, akár karakteralapú, érvelésre van szükséged.
Gondolj a klasszikus Disney- vagy Pixar-filmekre. Az olyan franchise-ok, mint a Pixar TOY STORY és a CARS nem működhettek volna, ha nem animáltak volna. A játékoknak és az autóknak animáltnak kellett lenniük ahhoz, hogy vonzóak legyenek (különben csak hátborzongatóak lettek volna!). Az animáció lehetővé tette az alkotók számára, hogy olyan egyedi környezetet teremtsenek a karakterek számára, ami a való életben nem létezik.
Emlékszel, milyen furcsán néztek ki a mellékszereplők a Disney nemrég készült, élőszereplős remake-jében, a BEAUTY AND THE BEAST-ben (azaz a háztartási tárgyak, mint Lumiere, Mrs Potts és Cogsworth)? És hogy a kastély nem volt olyan varázslatos? Ez azért van, mert ezek az animációban működtek a legjobban, és sok néző számára furcsa volt őket valósághűbb formában látni.
Az animációban egy olyan karaktert, mint Lumiere ( egy gyertyatartó) eltúlzott arckifejezésekkel és gördülékeny mozgással lehet életre kelteni. Ez bizonyos értelemben irreálisnak van szánva. De realisztikusabb formában ábrázolva Lumiere hátrányosan sokkal hiteltelenebbnek hat. Ugyanolyan furcsán néz ki, mint ahogy egy valódi gyertyatartó nézne ki, ha életre kelne. És ez nem illik bele a történet által megálmodott képzeletbe.
b) A filmműfajod könnyebb vagy jobb lesz animációban
Sok animációs film gyakran alkalmazza a fantasy vagy a sci-fi műfaját, mert ezeket a világokat könnyebb animációval létrehozni. Emellett sok gyermekkönyv vagy képregény is e műfajok valamelyikébe tartozik, és ezeket animációs filmekké adaptálják (tudtad, hogy a HARRY POTTER-filmeket eredetileg animációs filmsorozatként tervezte Steven Spielberg?)
De ez nem jelenti azt, hogy az animációs filmeknek a fantasy vagy a sci-fi műfajába kell tartozniuk, vagy akár antropomorf karakterekkel kell rendelkezniük.
Az animáció szinte bármilyen filmműfajjal vagy alműfajjal átfedésben lehet. És ez előnyére válhat. Megint csak gondolj arra, hogy az animáció mit hoz a történetedbe, amit élőszereplős filmek nem tudnának hozni. Van-e ennek jelentősége a történet és annak célja szempontjából?
c) Nem, az élőszereplős filmedet nem kéne kényelemből animációs filmmé alakítani
Mivel az animáció egyre sokszínűbbé válik, különböző stílusokat és műfajokat használnak (és különösen a felnőtt animáció térnyerésével a tévében), azzal érvelhetsz, hogy bármilyen forgatókönyvből lehet animáció.
De ez nem igaz. Sok filmnek élőszereplősnek kell lennie, mert az lesz a legjobb közeg hozzá.
Igen… ha egy élőszereplős filmből animációs filmet akarsz csinálni, azt bármikor megteheted (nézd meg a THE BLACKLIST animációs epizódját, ami idén jött ki, mert a Covid leállította a gyártást). De ha a projekted jobb lesz élőszereplősként, akkor érdemes megvárnod, hogy valódi színészekkel forgassák le.
Most néhányan rámutathatnak a 2019-es díjnyertes francia animációs filmre, az I LOST MY BODY (Elvesztettem a testem) címűre, és azt mondhatják, hogy az simán lehetett volna élőszereplős. Kortárs, modern környezetben játszódik, és felnőtt emberi karakterek szerepelnek benne.
De volt egy konkrét oka annak, hogy a csapatuk az animációt választotta: a levágott kéz. A történet egy levágott kézről szól, amely visszatalál ahhoz a fiatalemberhez, akiről leválasztották.
Ezt a furcsa figurát még CG-realisztikus formában is borzalmas lett volna nézni. Igen, nincs benne párbeszéd, de nyilvánvalóan kulcsfontosságú a történet szempontjából. És ezért kellett animációs filmet csinálni belőle. Az animáció határozottan azt a célt szolgálta, hogy ízlésesen megvalósítsa a történet egy furcsa és kulcsfontosságú (és egyébként hátborzongató) aspektusát.
A leírásokban részletesnek kell lenned
Az élőszereplős filmekkel ellentétben, ahol egy leírás viszonylag magától értetődő, az animáció valójában több részletet igényel a leírásokban.
Színhelyleírások
Mivel már egész világokat hozol létre, nemcsak egzotikus helyszíneken, például a dzsungelben, a sivatagban, a tundrán vagy egy másik bolygón játszhatod a filmet, hanem könnyen lehet egy rövid vágókép vagy flashback is egy másik egzotikus helyszínre.
Elfelejtheted (nagyrészt) a költségvetési korlátokat és azt, hogy milyen nehéz és költséges lenne a szereplőket és a stábot a világ másik végére juttatni egy 45 másodperces jelenethez. Az animációval bárhova vághatsz, ahova csak akarsz, bármilyen hosszúra. Ez a szabadság a kreativitás szabadságához vezethet.
A FAMILY GUY nagyszerű példa arra, hogy az animáció szabadsága lehetővé teszi, hogy a sorozat komikus céllal mindig nagyon rövid időre átvágjon. Ez mára a sorozat védjegyévé vált, és a komédia jellegzetes stílusát képviseli. Egyesek azt is állítják, hogy a sorozat túlságosan is átvette ezt a stílust, és a komikus ereje eluralkodott a sorozaton.
Szerepleírások
Továbbá, amikor egy autót vagy egy házat írsz be a jeleneteidbe, nem csak egy autót vagy egy házat kapsz, ami létezik valahol a háttérben vagy egy raktárban. A művészek szó szerint bármilyen autót és házat megalkotnak, amit csak el tudsz képzelni. Tehát ezeket a részleteket építsd be az eredeti forgatókönyvedbe.
Az egyes vizuális elemekbe annyi időt és energiát fektetnek, hogy a forgatókönyvben az egyes elemek megjelenésének gondos átgondolása a legjobb módja a forma átvételének.
Karakterleírások
Az animált karakterek ráadásul pontosan ilyenek: “animáltak”. Lehetnek furcsa testalkatúak, különböző színűek, és az arcvonásaik is lehetnek eltúlzottak. Gondoljunk például a Minyonokra a DESPICABLE ME-ből és annak spin-offjából, a MINIONS-ból. Ezek egyedi, páratlan alkotások, és népszerűségük bizonyítja az ilyen alkotások iránti étvágyat.
A hagyományos animáció egyik alapelve továbbá a “squash and stretch”, ami azt jelenti, hogy a karakterek és tárgyak pontosan ezt tehetik az animációban. Nem kell, hogy élethűen mozogjanak, szóval ezt ne felejtsd el, amikor megírod őket. Bár nem te leszel az, aki végső soron a karakterek tervezéséért felel, ne félj attól, hogy egy bizonyos irányba tereled őket.
Most nyilvánvalóan nem akarsz túl részletes lenni, két okból sem:
- Meg kell hagynod némi művészi szabadságot a tehetséges művészeknek, akik rá akarják majd nyomni a saját bélyegüket a filmre.
- Tudomásul kell vennie, hogy bár az animáció technikailag korlátlan médium, vannak költségvetési és időbeli korlátok, amelyeket figyelembe kell vennie.
Minden olyan eszközt (azaz kelléket, tárgyat, személyt) el kell készítenie valakinek, amelyet a forgatókönyvben megemlít. És a legtöbb esetben ez a “valaki” valójában egy egész csapat lesz. Szóval légy gazdaságos abban, hogy mit veszel bele és mit nem.
Az olyan főszereplők vagy díszletek megalkotásakor azonban, amelyeket a film során többször is fel fognak használni, ismerd fel, hogy ezek a művészek is élvezik a kihívást. Adj nekik valamit, amivel igazán megmutathatják a képességeiket. Hozzon létre egy egyedi és kihívást jelentő világot, ezzel kihívás elé állítva az alkotókat, hogy megvalósítsák azt.
3. Az animációs forgatókönyvedet storyboardozzák
Az animáció, különösen játékfilmes formában, iteratív folyamat. A forgatókönyv a befejezés előtt számos különböző fázison és személyen megy keresztül. Röviden, ez egy nagyon együttműködő folyamat. Az egyik ilyen korai fázis a storyboarding.
A “story team”-ként ismert animátorok egy csoportja felelős a forgatókönyvet vizuálisan lefordító storyboardok elkészítéséért (sok élőszereplős akció- és szuperhősfilm használja ezt a folyamatot “previsualizáció” néven).
Ezeket a storyboard-paneleket összevágják, hogy egy nyers, kézzel rajzolt animált jelenetet, az úgynevezett “animatic”-ot hozzanak létre, hogy a csapat érzékelni tudja az időzítést.
Miért fontos a storyboarding?
A storyboarding célja a kitalálás:
- mi működik és mi nem működik vizuálisan
- hogyan lehet a történetet erősebbé tenni
- a felvételek/szögek megtervezése
- hol lehet fizikai humort hozzáadni
- intenzív fókuszálás. a karakterek kifejezéseire vagy mozdulataira
- a felvételek időzítése/animáció készítése
- a rendező elképzelésének minél pontosabb kidolgozása az animáció megkezdése előtt
Azzal legyünk tisztában: A forgatókönyved drasztikusan megváltozhat e folyamat során. De ha nehezen fogadsz el visszajelzéseket, vagy van egy sajátos elképzelésed, amit nem vagy hajlandó feláldozni, akkor nehéz lehet animációs munkára dolgozni.
Azt is vedd figyelembe, hogy egy animációs film elkészítése 2-3 évig tart (lehet, hogy tovább). Ez alatt az idő alatt a történetíró csapat visszajelzései és a gyártási igények miatt előfordulhat, hogy többször (ha nem tucatnyi és tucatnyi) újraírást kell végezned. Ez fárasztónak tűnhet, de próbáljon meg úgy tekinteni rá, mint egy nagyszerű lehetőségre a forgatókönyv tökéletesítésére.
Az animáció általában a családi közönséget célozza meg
Mióta Walt Disney több mint 80 évvel ezelőtt elkészítette az első animációs játékfilmet, a Hófehérke és a hét törpét, az animációs filmek túlnyomó többsége a gyerekeknek szól.
Bár… az év elején Kristine Belson, a Sony Pictures Animation elnöke úgy nyilatkozott, hogy a jövőben több animációs film készül majd a felnőtt közönségnek, és PG-13 vagy R-besorolású témákkal foglalkozik.
Tény, hogy egy olyan film, mint a SAUSAGE PARTY vagy egy olyan tévésorozat, mint a BOJACK HORSEMAN bizonyítja, hogy az animáció is lehet egyenesen a felnőtt közönségnek szól. Ezekben a példákban az animáció döntő szerepet játszik a történet humorában és fantáziájában.
De… az animáció történetét és erősségeit tekintve az animációs filmek többsége továbbra is a gyermekek és a családbarát közönség számára készül. Ahhoz, hogy a “családbarát” formulát kövesse, nagy valószínűséggel a következőkkel fog rendelkezni:
a) A főszereplő gyerek vagy olyan, mint egy gyerek
Ha a filmje családbarát, ez azt jelenti, hogy a főszereplője vagy gyerek, vagy gyermeki tulajdonságokkal vagy szemlélettel rendelkezik. A gyerekeknek azonosulniuk kell a karakterrel, ezért ez fontos.
A főszereplődnek olyan tulajdonságokkal kell rendelkeznie, mint például:
- bizalom mindenki iránt
- elfogadás iránti igény
- kíváncsiság / csodálkozás
- ártatlanság / naivitás
- bizonytalanság önmagukban
- a “felnőtté” válás vágya / céltudatosság
.
A főhősödnek alapvetően olyan szereplőnek kell lennie, akivel egy néző gyermek együtt érezhet. Valaki, akiben magukat látják, akit felismernek, vagy akinek a tulajdonságait felismerik. Shrek például nem egy gyerek. De a magányos kitaszítottként való identitása segít a közönségnek együttérezni vele.
b) Családbarát komédia
Az animáció arról is ismert, hogy komédiákat is tartalmaz. Az elmúlt évtizedekben egy ismert komikus mellékszereplő szerepeltetése sikeresen megvalósította ezt.
Példa erre Robin Williams mint a dzsinn az ALADDIN-ban, vagy Eddie Murphy mint Mushu az eredeti 1998-as MULAN animációs filmben és mint Szamár a SHREK sorozatban. Ez nem csak a komédia megszilárdítását segíti, hanem gyakran egy tudatos kikacsintás is a néző gyerekek szülei felé. Egy jól ismert komikus segít eladni a filmet a felnőtteknek, egy jól jellemzett komikus szerep pedig segít eladni a forgatókönyvet az említett komikusnak.
A forgatókönyvírók gyakran mondják, hogy vígjátékot írni nehezebb, mint drámát írni. A vígjátékban ugyanis nemcsak egy meggyőző cselekményt kell egyensúlyba hozni, hanem azt komikus párbeszédekkel és helyzetekkel is meg kell tölteni. És sok szempontból kétségtelenül nehezebb “családbarát” vígjátékot írni, mint általános vígjátékot.
Nem lehetnek
- káromkodó szavak
- szexuális utalások
- szélsőséges erőszak vagy gyilkosság
Nem lehet.
- slapstick/fizikai humor
- piszkos humor (bizonyos mértékig)
- popkultúrális utalások
- okos és szellemes “családi” humor
- .barátságos’ párbeszédek
Ha valami, a családi közönségnek való írás folyamata erősebb komédiaíróvá tesz, mert elvesz néhány olyan eszközt, amire sok komikus és komédiaíró támaszkodik. Arra kényszerít, hogy megtanuld, hogyan kell okos, minden korosztály számára megfelelő komikus párbeszédeket írni.”
c) Erős kapcsolatok és erkölcsi témák
De ha sok kedvenc animációs filmedre gondolsz, azok nem egyszerűen vígjátékok. Erős és valódi kapcsolatokkal rendelkeznek (hiszen a gyerekek szeretik látni a közösség és a család megerősítését). Emellett szinte mindig erkölcsi témák állnak a középpontjukban (mivel a gyerekek még mindig tanulják, hogy mi a helyes és mi a helytelen).
Egy forgatókönyvíró számára ez fontos. A filmed céljának és üzenetének a történetötleted legelején kell állnia. A legjobb esetben a gyerekeknek szóló animációs filmek segíthetnek tanítani ezeket a gyerekeket egy kulcsfontosságú életkorban.
Az animációs filmek nagy részében visszatérő témákat vehetsz észre: család, szeretet, barátság, hűség, közösség, kedvesség. Az üzenetének nem kell egy jól bevált kategóriába esnie. De a túlzsúfolt piacon a forgatókönyvednek céltudatos és értelmes központi üzenettel kell rendelkeznie.
d) Zene és éneklés
A gyermekek és a felnőttek egyaránt szeretik a zenét. Ezért sok animációs filmben szerepelnek dalok. Így előfordulhat, hogy végül együttműködsz egy zeneszerzővel (vagy ha elég tehetséges vagy, magad írod meg őket).
A zene kulcsfontosságú lehet az akció és a párbeszédek megtörésében. Akinek vannak gyerekei, az tudja, hogy nekik gyakran nem a leghosszabb a figyelmi idejük! A zene és a dalok csak egy módja annak, hogy az animációs filmed cselekményét változatossá tedd. Más tempó, más kontextus, más stílus – ezek mind segítenek abban, hogy megragadják és a képernyőn tartsák a tekinteteket.
Az animációt nemzetközi közönségnek fogják forgalmazni
Szinkronizálás
A nemzetközi forgalmazáshoz a filmet több nyelvre kell szinkronizálni (néha még a szereplők szájának animációját is meg kell változtatni). Gondoljunk csak a Disney FROZEN filmjére, és arra, hogy hány különböző nyelvű változata volt a “Let It Go”-nak. Több mint 40 különböző verzió volt, 40 különböző énekes énekelte 40 különböző nyelven.
Nem, nem kell a forgatókönyvet tucatnyi más nyelvre lefordítani. De kell, hogy legyenek ötleteid arról, hogy bizonyos jeleneteket hogyan lehetne könnyen módosítani a nemzetközi közönségnek megfelelően. Néhány kulturális utalást egyszerűen nem lehet lefordítani, úgyhogy legyél vele tisztában.
Vegyük például a Disney ZOOTOPIA című filmjét. A híradós jeleneteknél valóban másképp animálták a különböző országok/nyelvek számára. Különböző állatokat használtak különböző szinkronszínészekkel (a legtöbb tényleges híradós az adott országból). Az ehhez hasonló ötleteket a forgatókönyvírónak nagyszerű ötlet lenne a fejlesztési szakaszban felvetni.
De a legfontosabb, hogy a képlékenység a kulcs. Nem fogják elvárni tőled, hogy felvázold, hogyan lehetne egy jelenet 40 különböző piacra másképp. De ha a forgatókönyvben helyet hagy a rugalmasságnak, az segít kiszélesíteni a potenciális vonzerőt.
Marketing + franchise
Néhány nagy animációs film a globális közönségnek szól, és célja, hogy globális franchise legyen (azaz több film és esetleg spin-off tévésorozat). Ha egy stúdióval dolgozol, ez magában foglalja a nemzetközi marketing- és reklámkampányokat, a rövid formátumú digitális tartalmakat és a fogyasztói termékek (pl. játékok, ágyneműk, ruhák stb.) létrehozását.
Nem, még egyszer mondom, mindezekért nem te leszel felelős. De ezek további tényezők, amelyeket figyelembe kell venned írás közben. A stúdiók akarnak majd pénzt költeni a karaktereid marketingjére?
Filmforgatókönyvírói szempontból milyen tulajdonságokkal rendelkeznek a karaktereid, amelyek megkülönböztethetővé teszik őket? Mi az, ami a történeted világában olyan, ami visszahozza a közönséget?
Fontos, hogy ne szaladjon előre, és ne gondolkodjon folytatásokon, mielőtt még befejezte volna például az első rész forgatókönyvét. Azonban az, hogy az alapelemeid vonzerejére és megkülönböztethetőségére már a megalkotásukkor gondolsz, szélesebb potenciált adhat nekik a későbbiekben.
Az animációs forgatókönyvíróknak kevesebb joguk van az ingatlanhoz, mint egy élőszereplős forgatókönyvírónak
Ha az Egyesült Királyságban élsz, a WGGB (Writers Guild of Great Britain) szerencsére az élőszereplős és az animációs filmekre egyaránt kiterjed (részleteket lásd itt).
Ha azonban az USA-ban élsz, akkor tudod, hogy a WGA (Writers Guild of America) a domináns írói szakszervezet.
Az animáció világában azonban, bár a céh lefed néhány sok felnőtt animációs tévéműsort, köztük a THE SIMPSONS, a BOJACK HORSEMAN és a BIG MOUTH sorozatokat, a legtöbb animációs projektre, különösen az animációs játékfilmekre nem terjed ki.
WGA vs. The Animation Guild
Az animációs ipar legtöbb tagját (beleértve az írókat is) inkább a The Animation Guild (I.A.T.S.E. Local 839) képviseli. Ez sok animációs írót és minden animációs művészt is magában foglal (de tudd, hogy a WGA-nak és az Animation Guildnek is lehetsz tagja!).
Az Animation Guilddel szemben a WGA írói, akik animációs filmekhez írnak, kapnak:
- maradékot
- potenciális részesedést a merchandising bevételekből és a Broadway jegyeladásokból
Az Animation Guild írói megpróbálhatnak tárgyalni ezekről… de ez nem garantált. Például az eredeti 1994-es THE LION KING animációs film írói egyáltalán nem kaptak semmit a legutóbbi élőszereplős remake-ért.
Miért van megosztva?
Ez az animáció történetére vezethető vissza. Mint már említettem, a storyboarding volt az, ahogyan a történeteket felépítették az animációhoz éveken keresztül. Tekintettel arra, hogy ezt animátorok végezték, volt értelme, hogy az animációs “írók” az Animációs Céh alá tartozzanak. Bár ez a 90-es évek végén és a 2000-es évek elején megváltozott, a forgatókönyvírók még mindig megosztottak.
Hogyan hozhatom ki a legtöbbet az animációs szerződésemből?
Ha elsősorban élőszereplős író vagy, természetesen megpróbálhatsz munkát kapni az animációban. Az animáció iránti megnövekedett érdeklődés miatt (különösen a Covid-19-járvány fényében) a WGA nyilatkozatot tett az íróknak. Hangsúlyozták, hogy amikor egy animációs projekt megírásáról tárgyalnak, a WGA tagjainak:
- meg kell győződniük arról, hogy mind a tagnak, mind az ügynöküknek/menedzserüknek állást kell foglalnia, hogy munkájukat a WGA
- biztosítaniuk kell, hogy WGA szerződést használjanak, mivel ez biztosítja számukra a maradványdíjakat, a forgatókönyvi díjakat, a kreditvédelmet és a WGA nyugdíj& egészségügyi pénztárba való hozzájárulást.
Összefoglalva:
Győződj meg róla, hogy az animáció a legjobb forma, amit a történeted felvehet. Egyértelmű célnak kell állnia a döntés mögött, hogy animációs filmet írj. Fogadja el a képzelet szabadságát, amit az animációs film nyújt, és használja ki azt a forgatókönyve hangvételének, stílusának, történetének és karaktereinek alakítására.
Legyen részletes a leírásokban. Ne feledd, hogy egy egyedi és sajátos világot hozol létre, és hogy a forgatókönyved az első lépés egy animátorok és tervezők csapatait felölelő folyamatban. Engedje szabadjára a fantáziáját, de legyen hatékony és világos abban, ahogyan ezt a fantáziát közvetíti.
Egy animációs film hosszú, kimerítő folyamat, és a storyboarding kulcsfontosságú ebben a folyamatban, mivel a forgatókönyvet vizuális lépésekre bontja. Forgatókönyvíróként ez nem feltétlenül a te feladatod lesz. De fontos lépés, hogy ne feledje, amikor animációs film forgatókönyvét írja, mivel az, ahogyan ír, hatással lesz a storyboarding folyamatára.
Fókuszálj a történeted fő üzenetére és céljára, és bízz minden közönségben. Ne lekezeljen egy fiatalabb közönséget, de ne is hízelegjen egy felnőtt közönség után.
Mindenekelőtt gondoljon az összképre. Egy animációs filmnek megvan a lehetősége arra, hogy könnyen elérje az egész világot. Próbáld meg, ahol csak lehet, felkészíteni a forgatókönyvedet egy ilyen eshetőségre.
Mivel a forgatókönyvíró csak egy fogaskerék a sok közül egy animációs film összeállításában, gyakran úgy érezheti, hogy háttérbe szorul a folyamatban. Ha belevágsz egy animációs film megírásába, ne légy naiv az animációs film készítésének általános folyamatát és a létező hierarchiákat illetően.