Hoe schrijf je een animatiefilm: 6 essentiële stappen voor het schrijven van een animatiescript

Heb je altijd al affiniteit gehad met animatie? Heeft u een idee voor een verhaal waarvan u denkt dat het perfect zou zijn voor een animatiefilm? Vind je gewoon dat je live-action project niet verder kan, en wil je zien of het een match zou kunnen zijn voor animatie?
Animatie is ongelooflijk in die zin dat het niet zomaar een ander filmgenre is (in feite zou het eigenlijk helemaal niet als filmgenre beschouwd moeten worden), maar het is een heel ander medium om een visueel verhaal mee te vertellen.

Dit omvat traditionele animatiemethoden zoals handgetekende 2D-animatie of 3D-computergegenereerde animatie, maar kan ook stop-motion animatie en marionetten omvatten.
We hebben een paar dingen verzameld om te overwegen als je op het punt staat om aan de reis van het schrijven van een animatiefilm te beginnen. We vragen:

• Past uw verhaalidee bij animatie?
• Hoe schrijf je een animatiefilm script?
• Wat is het belang van Storyboarding?
• Hoe houd je je publiek voor ogen?
• En hoe is het schrijven van een animatiefilm voor een scenarioschrijver?

Heeft je verhaalidee animatie nodig?

Het mooie van animatie is dat je het standaard format voor een scenario zult gebruiken. Dus geen verrassingen daar! Maar laten we duidelijk zijn: niet elk verhaal moet in animatie worden vertaald. Het medium moet bij de inhoud passen.

Bedenk dus of je script aan deze kwalificaties voldoet:

a) Specifieke scènes en personages komen beter tot hun recht met animatie

Je moet specifieke scènes of personages hebben die veel baat hebben bij animatie (als je aan het pitchen bent, moet je dit zeker benadrukken). Of het nu esthetisch is of op karakter gebaseerd, je moet een redenering hebben.

Denk aan klassieke Disney of Pixar films. Franchises zoals Pixar’s TOY STORY en CARS zouden niet hebben kunnen werken als ze niet waren geanimeerd. Het speelgoed en de auto’s moesten geanimeerd zijn om aantrekkelijk te zijn (anders zouden ze gewoon griezelig zijn geweest!). Animatie stelde de makers in staat om geïndividualiseerde omgevingen voor de personages te creëren, die in het echte leven niet bestaan.

Herinner je je hoe vreemd de ondersteunende personages in Disney’s recente live-action remake van BEAUTY AND THE BEAST eruit zagen (d.w.z. de huishoudelijke voorwerpen zoals Lumiere, Mrs Potts, en Cogsworth)? En hoe het kasteel gewoon niet zo magisch was? Dat komt omdat ze het best tot hun recht kwamen in de tekenfilm, en ze in een meer realistische vorm te zien, voelde voor veel toeschouwers vreemd aan.

In animatie kan een personage als Lumiere (een kandelaar) tot leven worden gebracht met overdreven uitdrukkingen en vloeiende bewegingen. Het is, in zekere zin, bedoeld om onrealistisch te zijn. Maar afgebeeld in een meer realistische vorm voelt Lumiere juist minder overtuigend aan. Hij ziet er net zo vreemd uit als een echte kandelaar als die tot leven zou komen. En dat past niet bij de verbeelding die het verhaal beoogde.

b) Het genre van je film wordt gemakkelijker of beter in animatie

Veel animatiefilms maken vaak gebruik van het fantasy- of sciencefictiongenre, omdat het gemakkelijker is om die werelden te creëren met behulp van animatie. Ook veel kinderboeken of strips vallen in een van deze genres, en worden bewerkt tot animatiefilms (wist je dat de HARRY POTTER-films oorspronkelijk door Steven Spielberg als tekenfilmserie werden gemaakt?)

Maar dit betekent niet dat animatiefilms in het fantasy- of sciencefictiongenre hoeven te vallen, of zelfs antropomorfe karakters hoeven te hebben.
Animatie kan overlappen met bijna elk filmgenre of subgenre. En dat kan in je voordeel werken. Nogmaals, denk na over wat animatie aan je verhaal toevoegt dat niet door live action kon worden gebracht. Is dit relevant voor het verhaal en het doel ervan?

c) Nee, van je live-actionfilm moet je voor het gemak geen animatiefilm maken

Gezien hoe divers animatie aan het worden is, met verschillende stijlen en genres die worden gebruikt (en vooral met de opkomst van animatie voor volwassenen op tv), zou je kunnen stellen dat elk script animatie kan worden.

Maar dat is niet waar. Veel films zouden live-action moeten zijn, omdat dat het beste medium ervoor zal zijn.

Ja… als je van een live-action film een animatiefilm wilt maken, kan dat altijd (kijk maar naar de geanimeerde aflevering van THE BLACKLIST die dit jaar uitkwam omdat Covid hun productie stopzette). Maar als je project beter zal zijn als live-action, wil je misschien wachten tot het gefilmd is met echte acteurs.

Nu zullen sommigen misschien wijzen naar de 2019 Award-winnende Franse animatiefilm I LOST MY BODY, en zeggen dat dat makkelijk live-action had kunnen zijn. De film speelt zich af in een moderne setting en bevat volwassen menselijke personages.
Maar er was een specifieke reden waarom hun team voor animatie koos: de afgehakte hand. Het verhaal gaat over een afgehakte hand die zijn weg terug vindt naar de jongeman van wie hij was losgeraakt.
Dat vreemde personage zou afschuwelijk zijn geweest om naar te kijken, zelfs in een CG-realistische vorm. Ja, het heeft geen dialoog, maar het is duidelijk cruciaal voor het verhaal. En dus moesten ze er een tekenfilm van maken. De animatie diende een duidelijk doel om een eigenzinnig en cruciaal (en anders gruwelijk) aspect van het verhaal smaakvol te realiseren.

Je moet gedetailleerd zijn in je beschrijvingen

In tegenstelling tot live-action, waar een beschrijving relatief voor zichzelf spreekt, vereist animatie eigenlijk meer details in je beschrijvingen.

Scènebeschrijvingen

Gezien het feit dat je al hele werelden creëert, kun je de film niet alleen op exotische locaties zoals de jungle, woestijn, toendra of een andere planeet plaatsen, maar je kunt ook gemakkelijk een korte cutaway shot of flashback naar een andere exotische locatie hebben.

Je kunt (grotendeels) de budgetbeperkingen vergeten en hoe moeilijk en duur het zou zijn om cast en crew naar de andere kant van de wereld te krijgen voor een scène van 45 seconden. Met animatie kun je knippen naar waar je maar wilt en hoe lang je maar wilt. Deze vrijheid kan leiden tot een vrijheid van creativiteit.

FAMILY GUY is een goed voorbeeld van hoe de vrijheid van animatie de show de hele tijd laat wegknippen voor zeer korte perioden van tijd voor komische doeleinden. Het is nu de handtekening van de show en vertegenwoordigt zijn kenmerkende stijl van komedie. Sommigen zouden zelfs beweren dat de show deze stijl te zeer heeft omarmd en dat de komische kracht de show ging overweldigen.

Prop Descriptions

Wanneer je een auto of een huis in je scènes opneemt, krijg je bovendien niet zomaar een auto of een huis dat ergens op de backlot of in een opslagplaats bestaat. Je krijgt kunstenaars die letterlijk elke auto en elk huis creëren die je je maar kunt voorstellen. Dus zet die details in je originele scenario.

Zoveel tijd en moeite zal worden gestoken in elk visueel element dat het zorgvuldig overwegen van de look en feel van elk element in het scenario de beste manier is om de vorm te omarmen.

Character Beschrijvingen

Daarnaast zijn geanimeerde karakters precies dat: ‘geanimeerd’. Ze kunnen vreemde lichaamsvormen hebben, in verschillende kleuren verschijnen en hun gelaatstrekken kunnen overdreven zijn. Denk bijvoorbeeld aan de Minions uit DESPICABLE ME en hun spin-off MINIONS. Het zijn unieke, ongeëvenaarde creaties en hun populariteit bewijst de honger naar dergelijke creaties.

Ook is een van de principes van traditionele animatie ‘squash and stretch’, wat betekent dat personages en objecten precies dat kunnen doen in animatie. Ze hoeven niet realistisch te bewegen, dus onthoud dat als je ze schrijft. Hoewel je niet degene zult zijn die uiteindelijk verantwoordelijk is voor het karakterontwerp, moet je niet bang zijn om ze in een bepaalde richting te sturen.

Nu wil je natuurlijk niet te gedetailleerd zijn om twee redenen:

1. Je moet wat artistieke vrijheid overlaten aan de getalenteerde artiesten, die hun eigen stempel op de film zullen willen drukken.
2. Je moet erkennen dat, hoewel animatie technisch een grenzeloos medium is, er budgettaire en tijdsbeperkingen zijn waar je rekening mee moet houden.

Iemand zal elk onderdeel (dus prop, object, persoon) moeten maken dat je in je script noemt. En in de meeste gevallen, zal die ‘iemand’ eigenlijk een heel team zijn. Wees dus zuinig in wat je wel en wat je niet opneemt.

Maar bij het creëren van hoofdpersonen of settings, die meerdere malen in de film gebruikt zullen worden, erken dat deze artiesten ook van een uitdaging houden. Geef ze iets waarmee ze echt kunnen pronken. Creëer een unieke en uitdagende wereld, en daag zo de makers uit om die te realiseren.

3. Uw geanimeerde script wordt in een storyboard gegoten

Animatie, vooral in speelfilmvorm, is een iteratief proces. Het script gaat door veel verschillende fasen en individuen voorafgaand aan de voltooiing. Kortom, het is zeer collaboratief. Een van deze vroege fasen zal storyboarding zijn.

Een groep animatoren, bekend als het ‘story team’, zal verantwoordelijk zijn voor het maken van storyboards die het script visueel vertalen (veel live-action actie en superheldenfilms maken nu gebruik van dit proces in ‘previsualisatie’).

Deze storyboard-panelen worden samengevoegd tot een ruwe, met de hand getekende animatiescène, een ‘animatic’ genaamd, zodat het team een gevoel voor timing kan krijgen.

Waarom is storyboarding belangrijk?

Het doel van storyboarding is uit te zoeken:

• wat werkt en wat niet visueel
• hoe het verhaal sterker te maken
• planning shots/angles
• waar fysieke humor toe te voegen
• intensief focussen op karakteruitdrukkingen of bewegingen
• het timen van de shots / het maken van een animatic
• het zo veel mogelijk verfijnen van de visie van de regisseur voordat de animatie begint

Dus wees ervan bewust: je script kan drastisch veranderen tijdens dit proces. Maar als je moeite hebt om feedback te accepteren, of een specifieke visie hebt die je niet bereid bent op te offeren, kan het moeilijk zijn om voor animatie te werken.

Besef ook dat het 2-3 jaar duurt om een animatiefilm te maken (misschien langer). Gedurende die tijd, als gevolg van feedback van het verhaalteam en productiebehoeften, moet je misschien meerdere (zo niet tientallen) herschrijvingen doen. Dat kan vervelend lijken, maar probeer het te zien als een geweldige kans om het script te perfectioneren.

Animatie is meestal gericht op een familiepubliek

Sinds Walt Disney meer dan 80 jaar geleden de eerste animatiefilm SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS maakte, is de overgrote meerderheid van animatiefilms gericht op kinderen.

Hoewel… eerder dit jaar, Kristine Belson, de president van Sony Pictures Animation, een opmerking maakte dat meer tekenfilms in de toekomst gemaakt zullen worden voor een volwassen publiek, en gaan over PG-13 of R-rated onderwerpen.

Inderdaad bewijzen een film als SAUSAGE PARTY of een tv-serie als BOJACK HORSEMAN dat animatie zich ook op een volwassen publiek kan richten. In deze voorbeelden is animatie van cruciaal belang voor de humor en verbeelding van het verhaal.

Maar… gezien de geschiedenis van animatie en de sterke punten ervan, zal het merendeel van de animatiefilms bestemd blijven voor kinderen en een gezinsvriendelijk publiek. Om de ‘gezinsvriendelijke’ formule te volgen, zul je waarschijnlijk het volgende hebben:

a) Het hoofdpersonage is een kind of lijkt op een kind

Als je film gezinsvriendelijk is, betekent dit dat je hoofdpersonage ofwel een kind zal zijn, ofwel een kinderlijke eigenschap of perspectief zal hebben. Kinderen moeten zich kunnen inleven in het personage, dus dit is belangrijk.

Jouw hoofdpersonage moet kwaliteiten hebben zoals:

• vertrouwen in iedereen
• behoefte aan acceptatie
• nieuwsgierigheid/verwondering
• onschuldigheid/naïviteit
• onzekerheid in zichzelf
• een verlangen om ‘volwassen’ te zijn / een doel te hebben

Jouw hoofdpersoon moet in wezen een personage zijn waarin een kind dat kijkt zich zou kunnen inleven. Iemand in wie ze zichzelf zien, iemand die ze herkennen of iemand met eigenschappen die ze herkennen. Bijvoorbeeld, Shrek is geen kind. Maar zijn identiteit als een eenzame verschoppeling helpt het publiek zich in hem in te leven.

b) Gezinsvriendelijke komedie

Animatie staat ook bekend om de komedie. In de laatste decennia is dit met succes gelukt door een bekende komiek als bijpersonage op te voeren.

Voorbeelden hiervan zijn Robin Williams als de geest in ALADDIN, of Eddie Murphy als Mushu in de originele animatiefilm MULAN uit 1998 en als Donkey in de serie SHREK. Dit helpt niet alleen de komedie te verstevigen, het is vaak ook een knipoog naar de ouders van de kijkende kinderen. Een bekende komiek helpt de film aan volwassenen te verkopen en een goed gekarakteriseerde komische rol helpt het scenario aan die komiek te verkopen.
Scenarioschrijvers zeggen vaak dat komedies schrijven moeilijker is dan drama schrijven. Bij komedie moet je niet alleen een meeslepend plot in balans brengen, maar het ook voorzien van komische dialogen en situaties. En in veel opzichten is het schrijven van ‘gezinsvriendelijke’ komedie zonder twijfel moeilijker dan algemene komedie.

Je kunt geen

• vloekwoorden
• seksuele verwijzingen
• extreem geweld of moord

Je kunt hebben

• slapstick/fysieke humor
• potty humor (tot op zekere hoogte)
• popcultuurreferenties
• grappige en geestige ‘familie-vriendelijke’ dialoog

Als er iets is, het proces van schrijven voor een familiepubliek zal je een sterkere komedieschrijver maken, omdat het een aantal hulpmiddelen wegneemt waar veel komieken en komedieschrijvers op vertrouwen. Het dwingt je om te leren hoe je slimme komische dialogen maakt die geschikt zijn voor alle leeftijden.

c) Sterke relaties en morele thema’s

Maar als je aan veel van je favoriete animatiefilms denkt, dan zijn die niet alleen maar komedie. Ze hebben sterke en echte relaties (omdat kinderen graag versterking van de gemeenschap en van familie zien). Ze hebben ook bijna altijd morele thema’s in hun kern (omdat kinderen nog steeds leren over wat goed is en wat verkeerd).

Voor een scenarioschrijver is dit belangrijk. Het doel en de boodschap van je film moeten aan de basis liggen van je verhaalidee. Op hun best kunnen tekenfilms voor kinderen helpen om die kinderen op een cruciale leeftijd iets te leren.

Je zult terugkerende thema’s in veel animatiefilms opmerken – familie, liefde, vriendschap, loyaliteit, gemeenschap, vriendelijkheid. Uw boodschap hoeft niet in een beproefde categorie te vallen. Maar in een overbevolkte markt moet uw script wel een doelgerichte en zinvolle kernboodschap hebben.

d) Muziek en zang

Zowel kinderen als volwassenen houden van muziek. Daarom zullen veel tekenfilms liedjes bevatten. Het kan dus zijn dat je samenwerkt met een componist (of als je getalenteerd genoeg bent, ze zelf schrijft).

Muziek kan een belangrijke rol spelen bij het onderbreken van actie en dialoog. Wie kinderen heeft, weet dat die vaak niet de langste aandachtsspanne hebben! Muziek en liedjes zijn slechts één manier om de actie van je animatiefilm af te wisselen. Een ander tempo, een andere context, een andere stijl – dit alles helpt om de aandacht vast te houden en op het scherm te houden.

Animation Will Be Distributed to International Audiences

Dubbing

Internationale distributie vereist nasynchronisatie van de film in meerdere talen (soms wordt zelfs de animatie van de monden van de personages veranderd). Denk aan Disney’s FROZEN en hoeveel verschillende taalversies van ‘Let It Go’ er waren. Er waren meer dan 40 verschillende versies, gezongen door 40 verschillende zangers, in 40 verschillende talen.

Nee, je bent niet verplicht om je script in tientallen andere talen te vertalen. Maar je zou ideeën moeten hebben over hoe bepaalde scènes makkelijk aangepast kunnen worden aan een internationaal publiek. Sommige culturele verwijzingen zullen gewoon niet worden vertaald, dus wees je ervan bewust.

Neem bijvoorbeeld Disney’s ZOOTOPIA. Voor hun nieuwsuitzending scènes, ze eigenlijk anders geanimeerd voor verschillende landen / talen. Ze gebruikten verschillende dieren met verschillende stemacteurs (meestal echte nieuwslezers uit die landen). Ideeën als deze zouden een geweldig idee zijn voor de scenarioschrijver om naar voren te brengen in de ontwikkelingsfase.

Maar het belangrijkste is dat je vormbaar bent. Er wordt niet van je verwacht dat je schetst hoe een scène anders zou kunnen zijn voor 40 verschillende markten. Maar ruimte laten in het script voor flexibiliteit zal helpen om de potentiële aantrekkingskracht te vergroten.

Marketing + Franchises

Veel grote animatiefilms zijn gericht op een wereldwijd publiek, en met het doel om een wereldwijde franchise te worden (d.w.z. met meerdere films en mogelijk spin-off tv-series). Als je met een studio werkt, omvat dit internationale marketing- en publiciteitscampagnes, korte digitale content, en de creatie van consumentenproducten (zoals speelgoed, beddengoed, kleding, enz.)

Nee, nogmaals, je zult niet verantwoordelijk zijn voor dat alles. Maar dit zijn extra factoren om te overwegen als je schrijft. Zullen studio’s geld willen uitgeven aan de marketing van je personages?

In scenarioschrijverstermen, welke eigenschappen hebben je personages die hen onderscheidend maken? Wat is het aan je verhaalwereld dat het publiek zal doen terugkeren naar die wereld?

Het is belangrijk om niet op de zaken vooruit te lopen en al aan vervolgen te denken voordat je bijvoorbeeld het scenario voor het eerste deel hebt voltooid. Als je echter aan de aantrekkelijkheid en het onderscheid van je kernelementen denkt op het moment dat ze worden gecreëerd, kunnen ze later een groter potentieel krijgen.

Animatiescenaristen hebben minder rechten op het eigendom dan een live-action scenarist

Als je in het Verenigd Koninkrijk bent, bestrijkt de WGGB (Writers Guild of Great Britain) gelukkig zowel live-action als animatie (zie de details hier).

Als je echter in de Verenigde Staten bent, weet je dat de WGA (Writers Guild of America) de dominante schrijversvakbond is.

Maar in de wereld van animatie, terwijl de gilde wel een aantal volwassen geanimeerde tv-shows dekt, waaronder THE SIMPSONS, BOJACK HORSEMAN en BIG MOUTH, dekt het niet de meeste animatieprojecten, met name animatiefilms.

WGA vs The Animation Guild

In plaats daarvan worden de meeste leden van de animatie-industrie (inclusief schrijvers) vertegenwoordigd door The Animation Guild (I.A.T.S.E. Local 839). Hieronder vallen veel animatieschrijvers en alle animatietekenaars (maar weet dat je lid kunt zijn van zowel WGA als The Animation Guild!).
Vergeleken met de Animation Guild krijgen de WGA-schrijvers die voor animatie schrijven:

• residu’s
• potentiële deelname in merchandising-inkomsten en de verkoop van Broadway-tickets

De Animation Guild-schrijvers kunnen proberen hierover te onderhandelen… maar het is niet gegarandeerd. Bijvoorbeeld, de schrijvers van de originele tekenfilm THE LION KING uit 1994 ontvingen helemaal niets voor de recente live-action remake.

Waarom is het verdeeld?

Dit gaat terug tot de geschiedenis van de animatie. Zoals gezegd, storyboarden was jarenlang de manier waarop verhalen werden opgebouwd voor animatie. Aangezien dit door animatoren werd gedaan, was het logisch dat animatie-‘schrijvers’ onder de Animation Guild vielen. Hoewel dit eind jaren ’90 en begin jaren 2000 veranderde, zijn de scenarioschrijvers nog steeds verdeeld.

Hoe haal ik het meeste uit mijn contract voor animatie?

Als je een voornamelijk live-action schrijver bent, kun je zeker proberen banen in animatie te krijgen. Door de toegenomen belangstelling voor animatie (met name in het licht van de Covid-19 pandemie) heeft de WGA een verklaring aan haar schrijvers afgelegd. Zij benadrukten dat wanneer zij onderhandelen over het schrijven van een animatieproject, WGA-leden:

• ervoor moeten zorgen dat zowel het lid als hun agent/manager het standpunt innemen dat hun werk zal worden gedekt door WGA
• ervoor moeten zorgen dat een WGA-contract wordt gebruikt, omdat dit ervoor zal zorgen dat zij residuen, scriptvergoedingen, kredietbescherming, en bijdragen aan het WGA-pensioen & gezondheidsfondsen ontvangen.

Samengevat:

Het schrijven van een animatiefilm lijkt misschien de gemakkelijke optie, waarbij de complicaties van het live-action filmmaken worden weggenomen. Maar de complexiteit van het tot leven brengen van een scenario blijft bestaan, of je nu met mensen of cartoons werkt.