Nie da się ukryć, że rock’n’roll – muzyka oparta na egocentrycznych celebracjach wolności osobistej – wygląda obecnie nieco podejrzanie w rękach białych facetów o cisgenderze, niezależnie od tego, jak bardzo są „obudzeni”. I szczerze mówiąc, to pasuje, biorąc pod uwagę haniebną historię muzyki, w której niesprawiedliwie wynagradzano czarnych artystów, a także osadzoną kulturę gwałtu, która jeszcze nie została w pełni zgłębiona w erze #MeToo po Weinsteinie. Jak więc w 2018 roku można być zarówno rockowym bohaterem, jak i międzykulturowym sojusznikiem? David Byrne, jasnoskóry Szkot-Amerykanin, który nigdy nie stawiał wyraźnego aktywizmu w centrum swojej twórczości, zaoferował ostatnio kilka solidnych przykładów: tournee po świecie z zespołem w tęczowych kolorach, cover hymnu Janelle Monáe #BlackLivesMatter „Hell You Talmbout”, wzięcie sobie do serca dobrze wymierzonej krytyki w mediach społecznościowych i przeprowadzenie projektu zaangażowania obywatelskiego, który ma na celu zwalczanie rozpaczy. Ale jest to pytanie, na które każdy artysta musi odpowiedzieć sobie sam.
Jack White wydaje się zmagać z tym pytaniem na Boarding House Reach – niechlujnym, rozległym, pstrokatym, wyjącym zestawie, który brzmi duchowo, kolektywnie i, co pouczające, trochę zagubiony. To jego najdziwniejsza płyta, ale jak zwykle pokazuje jego ciągłe oddanie mrocznym sztukom rocka: splątanym korzeniom kulturowym, „błędnym” tradycjom nagrywania, samospełniającej się furii i fetchingly-deranged megalomanii.
Popularne w Rolling Stone
Okładka, rodzaj portretu artysty jako młodej osoby trans, sygnalizuje pojęcie artystycznej tożsamości jako płynnego terytorium. To oczywisty ukłon w stronę historii rocka (wraz z optyką, na której White nigdy nie śpi), w stronę Transformera Lou Reeda, Bowiego i The New York Dolls, a także w stronę niebinarnej natury muzyki, pochodzący od faceta, który uczynił mieszane płciowo kolaboracje regułą w praktycznie wszystkich swoich pracach. W świetle ostatnich wypowiedzi („Nie czuję się ani mężczyzną, ani kobietą”, powiedział White magazynowi Uncut), może to również sugerować duchową solidarność ze społecznością transseksualistów, chociaż można by go oskarżyć o wyzyskującą współpracę z nimi.
Boarding House Reach wydaje się również zastanawiać nad rasową płynnością rocka. Co znamienne, nie patrzy na miasto Jacka White’a, Nashville, ale na jego rodzinne Detroit, przemysłowego giganta i magnes Wielkiej Migracji, który ukształtował Arethę Franklin, George’a Clintona i Juana Atkinsa, obok Stooges, MC5 i Lestera Bangsa. Nie wspominając już o raperach o bladych twarzach, którzy z zaangażowania w kulturę o czarnych korzeniach uczynili czasami problematyczny przemysł chałupniczy, w tym Eminem (którego sojusznicze podejście obejmuje jego pro-Colin Kaepernick, pro-militarny wirusowy „freestyle” na zeszłorocznej BET Hip-Hop Awards) i Kid Rock (którego ostatni liberalny badziew obejmuje sprzedaż koszulek „GOD GUNS & TRUMP” na jego stronie internetowej). White wspomniał, że na „Boarding House Reach” miał na myśli bohaterów z Motor City – Funkadelic, a także dżemy Milesa Davisa z lat siedemdziesiątych i to jest widoczne w brzmieniu. LP odchodzi również od hip-hopowego acid funku, który White wykuł na wydanym w 2014 roku Lazaretto (utwór tytułowy, instrumentalny singiel „High Ball Stepper”), z przebłyskami Paul’s Boutique i złotej ery Bomb Squad.
Podobnie jak na większości „rockowych” płyt z notatkami w ostatnim czasie, elektronika odgrywa znaczącą rolę, ale w zaskakujący sposób. Tryptyk centralny „Hypermisophoniac”, „Ice Station Zebra” i „Over and Over and Over” to trzy-fer groove burza z state-of-the-digital art Critter & Guitari synth squalls, heavy metal blast bity, chore wycieczki gitarowe, old-school rap przepływów i jazz fortepian asides. Rzucają się w oczy rapsy gościa, którego brak zainteresowania hip-hopem jest odnotowany, choć może przesadzony w publicznym odbiorze, zwłaszcza jak na gościa, który współpracował z raperami jeszcze przed przerwaniem współpracy z Jayem-Z. Przeważnie White brzmi jak zgarbiony, abstrakcyjnie nastawiony do lat 80-tych bitewny rymer, który prawdopodobnie nie wygrał zbyt wielu bitew. Gdzie indziej eksperymentalne objazdy prowadzą w ślepy zaułek: „Everything You’ve Ever Learned” czuje się jak bezcelowy twaddle z nowo rozpakowanymi cyfrowymi zabawkami.
Ale w najlepszym przypadku, duch freaky free-play jest porywający i
odświeżający, godny cel sam w sobie, szczególnie biorąc pod uwagę kaliber graczy
(perkusiści MVP Carla Azar i Louis Cato, multiinstrumentaliści DJ Harrison i
Neal Evans). Jak prawie wszystkie prace White’a, udaje mu się czuć świeżość, oryginalność, a jednocześnie głębokie zakorzenienie w historii. Na „Ice Station Zebra,”
nazwany dla filmu szpiegowskiego z 1968 roku, w którym wystąpił biały idol z balu maturalnego (Rock Hudson)
i czarny bohater futbolu (Jim Brown), White rymuje „yo” i „Caravaggio”
aby wygłosić kazanie o tym, jak twórczy wpływ i muzyczna wymiana mają miejsce. „Everyone
creating is a member of the family/Passing down genes and ideas in harmony/The
players and the cynics might be thinking its strange/ But if you rewind the tape we’re
all copying god,” he flows. Być może samolubne, a być może wyraźnie sprzeczne z jego niedawną krytyką DJ Khaleda za skopiowanie „Maria Maria” Santany na „Wild
Thoughts”. Ale spójność filozoficzna to jedno, sztuka to drugie, a
w zamkniętym obiegu piosenki, White przedstawia argumenty za kosmiczną jednością tak
logiczne i prawdziwe dla groovy Detroit we’reall-in-this-mess-together
tradition jak wszystko na Cosmic Slop Funkadelic. Power to him.