No início da adaptação de Hollywood da cinematografia digital, havia aqueles artistas, como Michael Mann e o cineasta Dion Bebe, ou David Fincher e Harris Savides, que exploraram as propriedades únicas do meio, em vez de simplesmente tentar fazer com que parecesse celuloide. Mesmo em 1080 filmes HD-shot como “Zodiac”, vimos como, em cenários nocturnos e com pouca luz, podíamos espreitar para esta margem de exposição de baixo contraste. Enquanto o digital não podia, e ainda não se aproxima do incrível alcance dinâmico que o negativo do filme pode produzir ao arredondar os destaques de uma imagem, havia uma latitude incrível que os cineastas podiam encontrar no “dedo do pé” de exposição de um arquivo digital.
Há um cineasta, em particular, que não só continuou a explorar as bordas escuras da imagem digital, mas a usou como tela para pintar. O notável corpo de trabalho de Bradford Young nesta década começou a filmar, dificilmente um meio que ele jurava não ser, com índios de aparência impressionante como “Ain’t Them Bodies Saints” de David Lowery e “Pariah” de Dee Rees. Era o retrato de Rees de uma afro-americana de 17 anos abraçando sua identidade como lésbica, onde vemos como Young ganha vida à noite – não de uma forma “Blade Runner” iluminada por neon ou com baixo contraste noir, mas em profundidade, cor e textura. Em ambos os filmes, Young se esforçou para experimentar filtros de subexposição e de baixo conteúdo, procurando seu próprio sabor dos negros leitosos do melhor trabalho de Savides. É um olhar que muitos DPs tentaram imitar, especialmente em comerciais, mas poucos o fizeram como Young.
Em “Mother of George”, devido a restrições orçamentárias, ele se viu filmando na câmera do Red One. Um dos filmes mais marcantes e com um aspecto único de baixo orçamento já feito, Young tentou fazer algumas das mesmas coisas, mas com um esquema de iluminação incrível ele encontrou maneiras de fazer as cores estourarem e a pele escura brilhar. A beleza brilhante e a vida radiante de dentro da escuridão da luta dos personagens imigrantes foi pura Young.
Young falou sobre como fotografar digital lhe deu a confiança para ir mais longe, tendo um monitor calibrado e cuidadosamente pré-planejado LUT ele sabe até onde ele pode empurrá-lo e gravar bolsos brilhantes de luz. Em muitos aspectos, o digital tornou-se tanto uma mentalidade como um meio para ele.
Donald Glover observou como muitas vezes nos sets de filmagem há uma desconexão entre o que se experimenta no set com as luzes brilhantes do cinema, e o que acaba na câmera, em que ponto, olhando para a imagem final, aquele mundo artificialmente iluminado em retrospectiva faz sentido. No entanto, quando Glover caminhou para o set de Young pela primeira vez, o mundo parecia “a vida real” para ele. O que é notável é que o set foi “Solo”, um filme da Guerra das Estrelas.
A prática evolutiva de Young significou tirar, tanto quanto possível, o aparelho de fazer cinema do palco – se os atores entrarem e saírem do set muitas vezes praticamente iluminado, assim seja. No entanto, enquanto o set de “Solo” pode ter se sentido realisticamente iluminado, há uma infinidade de bolsas de luz que dão ao filme uma sensação de maravilha noturna no cenário, de resto sombrio. As imagens dos jovens podem ser escuras, tanto no olhar, como por vezes no conteúdo emocional, mas estão vivas. Aqueles bolsos brilhantes que ele e seu colorista de longa data Joe Gawler aprenderam que podem gravar de um arquivo digital RAW.
“Eu diria que Brad tem o negativo mais comprometido de qualquer DP com o qual eu posso trabalhar, não há muita latitude, mas ele e eu encontramos este espaço divertido para brincar no escuro que a maioria das pessoas não vai”, disse Gawler ao IndieWire. “As pessoas que estão familiarizadas com meu trabalho com Brad vêm até mim, ‘Oh, eu quero que você faça o que você faz com Brad’, e eu começo a ir lá nas filmagens deles e todos eles ficam assustados. Eles não conseguem fazer isso e acabam por recuar. Brad não tem medo de nada, então ele faz essas escolhas ousadas, mas como uma peça geral, todos respondem a isso. É um presente.”
Essa ousadia não é simplesmente estética, é pessoal. Young está comprometido com a visão de colaboradores de longa data como Ava DuVernay (“Selma”, “When They See Us”) e Andrew Dosunmu (“Mother of George”, “Where Is Kyra?”), mas mais do que a maioria dos cineastas, ele não esconde que sua cinematografia é uma forma de auto-expressão. Por exemplo, o único apartamento iluminado pela luz em que somos obrigados a procurar Kyra (Michelle Pfeiffer) é tanto sobre Young criando “uma relação mais antagônica com o sistema” em um momento escuro na América, como foi a exploração de Dosunmu de como o sistema desgastou seu protagonista deprimido.
“Há algo em seu trabalho, há uma espiritualidade nele e no que ele está tentando comunicar, no que ele está tentando criar como artista”, disse Dosunma ao IndieWire. “Brad entrou nisto porque queria usar essas ferramentas para expressar algo pessoal para ele. Ele é muito inflexível sobre estar em um trabalho ou filmar coisas que ele é capaz de comunicar com sua comunidade de cineastas e além, é absolutamente necessário para ele”
Para Young, o primeiro afro-americano a ser indicado para Melhor Cinematografia por seu trabalho sobre “Arrival”, seu trabalho não é simplesmente expressão artística, mas exploração da forma e como tem sido usado para retratar minorias por uma cultura branca dominante. Sua prática, no momento, não é simplesmente encontrar um estilo no lado obscuro do digital, mas desconstruir e reestruturar o poder extremo, que tem sido usado historicamente tanto para o bem como para o mal, das ferramentas do seu ofício. -Chris O’Falt