Como Escrever um Filme Animado: 6 Passos Vitais para a Animação com Argumento

Tem sempre afinidade pela animação? Você tem uma idéia de história que você acha que seria perfeita para um filme de animação? Você está simplesmente descobrindo que seu projeto de ação ao vivo não pode avançar, e quer ver se ele poderia ser compatível com a animação?
Animação é incrível, pois não é apenas outro gênero de filme (na verdade, não deveria ser considerado um gênero cinematográfico), mas é um meio totalmente diferente através do qual se pode contar uma história visual.

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Isso inclui métodos tradicionais de animação como animação 2D desenhada à mão ou animação 3D gerada por computador, mas também pode incluir animação em stop-motion assim como fantoches.
Compilamos algumas coisas para considerar se você está prestes a embarcar na jornada de escrever um filme animado. Vamos perguntar:

• Faz a sua ideia de animação de animação de fatos?
• Como se escreve um roteiro de filme animado?
• Qual é a Importância do Storyboarding?
• Como você mantém o seu público em mente?
• E o que é escrever um filme animado como para um argumentista?

A sua ideia de história precisa de animação?

O que é fantástico na animação é que vai usar o formato padrão para um guião. Portanto, não há surpresas lá! Mas sejamos claros: nem todas as histórias devem ser traduzidas em animação. O meio precisa de se ajustar ao conteúdo.

Por isso considere se o seu script atende essas qualificações:

a) Cenas e Personagens Específicos Serão Melhores Com Animação

Você precisa ter cenas ou personagens específicos que serão muito beneficiados por serem animados (se você estiver lançando, certifique-se de destacar isso). Seja esteticamente ou com base em personagens, você precisa ter raciocínio.

Pense nos filmes clássicos da Disney ou da Pixar. Franquias como Pixar’s TOY STORY e CARS não poderiam ter funcionado se não tivessem sido animados. Os brinquedos e carros precisavam de ser animados para serem apelativos (caso contrário teriam sido apenas assustadores!). A animação permitiu aos criadores criar cenários individualizados para os personagens, que não existem na vida real.

Lembrar como são estranhos os personagens de suporte do recente remake de ação ao vivo de BELEZA E A BELEZA da Disney (ou seja, os objetos domésticos como Lumiere, Mrs Potts e Cogsworth)? E como o castelo simplesmente não era tão mágico? Isso porque eles tinham trabalhado melhor em animação, e vê-los de uma forma mais realista pareceu estranho para muitas audiências.

Na animação, um personagem como o Lumiere (um castiçal) pode ser trazido à vida com expressões exageradas e movimento fluido. É, de certa forma, destinado a ser irrealista. Mas retratado de uma forma mais realista, Lumiere sente-se de forma adversa, mais pouco convincente. Parece tão estranho como um candelabro de verdade pareceria se ganhasse vida. E isso não parece estar de acordo com a imaginação que a história pretendia.

b) O seu género de filme será mais fácil ou melhor na animação

Muitos filmes de animação empregam frequentemente o género fantasia ou de ficção científica, porque é mais fácil criar esses mundos usando animação. Além disso, muitos livros infantis ou banda desenhada caem num destes géneros, e são adaptados em filmes de animação (sabia que os filmes HARRY POTTER foram originalmente apresentados como uma série de filmes de animação por Steven Spielberg?)

Mas isto não significa que os filmes de animação precisem de estar no género de fantasia ou de ficção científica, ou mesmo que tenham personagens antropomórficos.
Animação pode sobrepor-se a quase qualquer género ou subgénero de filme. E isso pode funcionar a seu favor. Mais uma vez, pense no que a animação traz à sua história que não poderia ser trazida pela ação ao vivo. Isso tem relevância para a história e seu propósito?

c) Não, seu filme de ação ao vivo não deve ser feito em um filme de animação por conveniência

Dado como a animação está se tornando diversificada, com estilos e gêneros diferentes sendo usados (e especialmente com a ascensão da animação para adultos na TV), você poderia argumentar que qualquer roteiro poderia se tornar animação.

Mas isso não é verdade. Muitos filmes devem ser de acção ao vivo, porque esse será o melhor meio para isso.

Sim… se quiser fazer um filme de acção ao vivo num filme de animação, pode sempre fazê-lo (veja o episódio animado de THE BLACKLIST que saiu este ano devido ao encerramento da sua produção pelo Covid). Mas se seu projeto for melhor como live-action, você pode querer esperar que ele seja filmado com atores de verdade.

Agora alguns podem apontar para o premiado filme de animação francês I LOST MY BODY de 2019, e dizer que poderia ter sido facilmente ao vivo. Está num cenário moderno contemporâneo e apresenta personagens humanos adultos.
Mas havia uma razão específica para que sua equipe escolhesse a animação: a mão cortada. A história é de uma mão cortada fazendo seu caminho de volta para o jovem do qual ela foi separada.
Esse personagem estranho teria sido horrível de se ver, mesmo de uma forma CG-realista. Sim, ele não tem nenhum diálogo, mas é obviamente crucial para a história. E por isso eles precisavam de fazer um filme de animação. A animação serviu a um propósito distinto em realizar de forma palatável um aspecto peculiar e crucial (e de resto horripilante) da história.

Você precisa ser detalhado em suas descrições

Semelhante a uma ação ao vivo, onde uma descrição é relativamente auto-explicativa, a animação na verdade requer mais detalhes em suas descrições.

Descrições de cena

Dado que você já está criando mundos inteiros, você pode não só colocar o filme em locais exóticos como a selva, deserto, tundra, ou outro planeta, mas você também pode facilmente ter uma breve imagem de corte ou flashback para outro local exótico.

Você pode (em grande parte) esquecer as restrições orçamentárias e como seria difícil e caro levar o elenco e a equipe para o outro lado do mundo por uma cena que dura 45 segundos. Com animação você pode cortar para onde quiser por quanto tempo você quiser. Esta liberdade pode levar a uma liberdade de criatividade.

FAMILY GUY é um grande exemplo de como a liberdade da animação permite que o espectáculo seja sempre interrompido por breves períodos de tempo para fins cómicos. É agora a assinatura do programa e representa o seu estilo distinto de comédia. Alguns até argumentariam que o show abraçou esse estilo de forma muito completa e que o seu poder cômico veio para subjugar o show.

Descrições de Cómicos

Outras vezes, quando você escreve num carro ou numa casa para as suas cenas, você não vai ter apenas um carro ou uma casa que existe em algum lugar no fundo ou num armazém. Você terá artistas literalmente criando qualquer tipo de carro e casa que você possa imaginar. Então coloque esses detalhes em seu roteiro original.

Tanto tempo e esforço serão investidos em cada elemento visual que considerar cuidadosamente o visual e a sensação de cada elemento do roteiro é a melhor maneira de abraçar a forma.

Descrições de caracteres

Outras vezes, personagens animados são exactamente isso: “animados”. Eles podem ter formas corporais estranhas, vêm em cores diferentes, e suas características faciais podem ser exageradas. Por exemplo, pense nos Minions da DESPICABLE ME e nos seus MINIONS spin-off MINIONS. São criações únicas e inigualáveis e a sua popularidade prova o apetite por tais criações.

Também, um dos princípios da animação tradicional é ‘squash and stretch’, o que significa que personagens e objetos podem fazer exatamente isso na animação. Eles não têm de se mover de forma realista, por isso lembre-se disso enquanto os escreve. Embora você não seja o responsável final pelo design dos personagens, não tenha medo de orientá-los em uma determinada direção.

Agora obviamente você não quer ser muito detalhado por duas razões:

1. Você precisa deixar alguma licença artística para os artistas talentosos, que vão querer colocar o seu próprio selo no filme.
2. Você precisa reconhecer que embora a animação seja tecnicamente um meio sem limites, existem restrições orçamentárias e de tempo que você precisará considerar.

Algém terá de fazer todos os activos (isto é, adereço, objecto, pessoa) que menciona no seu guião. E na maioria dos casos, esse ‘alguém’ será na verdade uma equipe inteira. Portanto, seja econômico no que você inclui e no que você não inclui.

Mas ao criar personagens ou configurações principais, que serão usadas várias vezes ao longo do filme, reconheça que esses artistas também gostam de um desafio. Dê-lhes algo para realmente mostrar as suas habilidades. Crie um mundo único e desafiador, desafiando assim os criadores a realizá-lo.

3. Seu roteiro animado será storyboarded

Animação, especialmente em forma de longa-metragem, é um processo iterativo. O roteiro passará por muitas fases e indivíduos diferentes antes de ser concluído. Em suma, é muito colaborativo. Uma dessas fases iniciais será o storyboarding.

Um grupo de animadores conhecido como ‘story team’ será responsável pela criação de storyboards que traduzam visualmente o roteiro (muitos filmes de ação ao vivo e super-heróis agora utilizam esse processo em ‘previsão’).

Estes painéis de storyboards serão editados juntos para fazer uma cena animada rudimentar desenhada à mão chamada ‘animatic’, para que a equipa possa ter uma noção de timing.

Porquê o Storyboarding é importante?

O propósito do storyboarding é descobrir:

• O que funciona e o que não funciona visualmente
• como tornar a história mais forte
• planear fotos/angles
• onde adicionar humor físico
• focalizando intensivamente sobre expressões ou movimentos de personagens
• timizar as filmagens / criar um animatic
• refinar a visão do diretor o máximo possível antes do início da animação

Então esteja atento: o seu script pode mudar drasticamente durante este processo. Mas se você tem dificuldade em obter feedback, ou tem uma visão específica que não está disposto a sacrificar, pode ser difícil trabalhar para animação.

Tambem perceba que levará 2-3 anos para fazer um filme de animação (talvez mais tempo). Durante esse tempo, devido ao feedback da equipe da história e às necessidades de produção, você pode ter que fazer várias (se não dezenas e dezenas) de reescritas. Pode parecer enfadonho, mas tente olhar para ele como uma grande chance de aperfeiçoar o roteiro.

Animation is usually Aimed at Family Audiences

Desde que Walt Disney criou o primeiro longa de animação SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS há mais de 80 anos, a grande maioria dos filmes de animação tem sido dirigida a crianças.

Embora… no início deste ano, Kristine Belson, presidente da Sony Pictures Animation, fez um comentário que mais longas-metragens animados no futuro serão feitos para o público adulto, e tratam de temas PG-13 ou R-rated.

Indeed, um filme como SAUSAGE PARTY ou uma série de TV como BOJACK HORSEMAN provam que a animação pode ser direcionada diretamente para o público adulto. Nestes exemplos, a animação é crucial para o humor e a imaginação da história.

Mas… dada a história da animação, e os seus pontos fortes, a maioria dos filmes de animação continuará a ser para as crianças e para o público familiar. Para seguir a fórmula ‘amigo da família’, você provavelmente terá o seguinte:

a) O personagem principal é uma criança ou é como uma criança

Se o seu filme é amigo da família, isso significa que o seu personagem principal será uma criança, ou terá uma qualidade ou perspectiva semelhante a uma criança. As crianças precisam de se relacionar com o personagem, por isso isto é importante.

Seu personagem principal deve ter qualidades como:

• confiança de todos
• necessidade de aceitação
• curiosidade / maravilha
• inocência / ingenuidade
• insegurança em si mesmos
• a querer ser um ‘adulto’ / ter um propósito

O teu protagonista precisa de ser essencialmente uma personagem com a qual uma criança que observa possa empatizar. Alguém em quem se vê a si próprio, alguém que reconhece ou alguém com características que reconhece. Por exemplo, o Shrek não é uma criança. Mas a sua identidade como um pária solitário ajuda o público a empatizar com ele.

b) Comédia Amigável à Família

Animação também é bem conhecida por incluir comédia. Nas últimas décadas, apresentar um conhecido comediante como um personagem coadjuvante conseguiu isso com sucesso.

Exemplos disto incluem Robin Williams como o génio em ALADDIN, ou Eddie Murphy como Mushu no filme de animação original MULAN de 1998 e como Burro na série SHREK. Isto não só ajuda a solidificar a comédia, como é muitas vezes um piscar de olhos para os pais das crianças que assistem. Um conhecido comediante ajudará a vender o filme aos adultos e um papel cômico bem caracterizado ajudará a vender o roteiro a esse comediante.
Escritores dizem muitas vezes que escrever comédia é mais difícil do que escrever para drama. Na comédia, você não só tem que equilibrar um enredo convincente, mas também deve infundi-lo com o diálogo e situações cómicas. E em muitos aspectos, escrever comédia ‘amiga da família’ é sem dúvida mais difícil do que a comédia geral.

Você não pode ter

• palavras de enfermeira
• referências sexuais
• violência extrema ou assassinato

Você pode have

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• slapstick/ humor físico
• humor de pote (até um grau)
• referências de culturapop
• clever and witty ‘family-diálogo ‘amigável’

Se alguma coisa, o processo de escrever para o público familiar fará de você um comediante mais forte, porque tira algumas das ferramentas que muitos comediantes e escritores de comédia confiam. Vai forçá-lo a aprender como criar um diálogo cômico inteligente e apropriado para todas as idades.

c) Relacionamentos Fortes e Temas Morais

Mas se você pensar em muitos dos seus filmes de animação favoritos, eles não são simplesmente comédia. Eles têm relacionamentos fortes e genuínos (como as crianças gostam de ver o reforço da comunidade e da família). Eles também terão quase sempre temas morais no seu coração (já que as crianças ainda estão aprendendo sobre o que é certo e o que é errado).

Para um argumentista, isto é importante. O propósito e a mensagem do seu filme precisa estar na própria gênese da sua idéia de história. No seu melhor, os filmes de animação para crianças podem ajudar a ensinar essas crianças em uma idade crucial.

Você vai notar temas recorrentes em muitos filmes de animação – família, amor, amizade, lealdade, comunidade, gentileza. A sua mensagem não precisa de se enquadrar numa categoria já experimentada e testada. Mas em um mercado superlotado, o seu roteiro precisa ter uma mensagem central proposital e significativa.

d) Música e Canto

As crianças e os adultos adoram música. Por esta razão, muitos filmes de animação incluirão canções. Então você pode acabar colaborando com um compositor (ou se você tiver talento suficiente, escreva-os você mesmo).

Música pode ser a chave para ajudar a quebrar a acção e o diálogo. Aqueles que têm filhos saberão que não costumam ter o maior tempo de atenção! Música e canções são apenas uma forma de dar variedade à acção do seu filme animado. Um ritmo diferente, um contexto diferente, um estilo diferente – tudo isto ajuda a captar e a manter os olhos na tela.

Animação será distribuída ao público internacional

Dublagem

Distribuição internacional exigirá a dublagem do filme em vários idiomas (às vezes até mesmo a mudança da animação das bocas dos personagens). Pense no FROZEN da Disney e em quantas versões linguísticas diferentes de ‘Let It Go’ existiam. Havia mais de 40 versões diferentes, cantadas por 40 cantores diferentes, em 40 idiomas diferentes.

Não, você não precisa traduzir seu roteiro em dezenas de outros idiomas. Mas você deve ter idéias de como certas cenas poderiam ser facilmente modificadas para se adequar ao público internacional. Algumas referências culturais simplesmente não traduzem, então esteja atento.

Take por exemplo o ZOOOTOPIA da Disney. Para as suas cenas de newscaster, eles na verdade animaram de forma diferente para diferentes países/idiomas. Eles usaram animais diferentes com actores de voz diferentes (a maioria dos noticiários reais desses países). Idéias como esta seriam uma ótima idéia para o roteirista apresentar na fase de desenvolvimento.

Mas o mais importante, ser maleável é fundamental. Não se espera que você esboce como uma cena poderia ser diferente para 40 mercados diferentes. Mas deixar espaço no script para a flexibilidade ajudará a ampliar seu potencial de apelo.

Marketing + Franquias

Muitos grandes filmes de animação são destinados a audiências globais, e com o objectivo de se tornar uma franquia global (ou seja, ter vários filmes e potencialmente séries de TV spin-off). Se você estiver trabalhando com um estúdio, isso incluirá campanhas internacionais de marketing e publicidade, conteúdo digital em forma curta, e criação de produtos de consumo (ou seja, brinquedos, roupas de cama, roupas, etc).

Não, mais uma vez você não será responsável por tudo isso. Mas estes são fatores adicionais a serem considerados ao escrever. Será que os estúdios vão querer gastar dinheiro a comercializar os seus personagens?

Em termos de escrita de ecrã, que características têm os seus personagens que os tornam distintos? O que tem o seu mundo da história que vai trazer o público de volta a ele?

É importante não se antecipar, pensando em sequelas antes mesmo de ter terminado o roteiro para a primeira parte, por exemplo. No entanto, pensar no apelo e distinção dos seus elementos centrais no seu ponto de criação, pode dar-lhes um potencial mais alargado mais tarde.

As roteiristas de animação têm menos direitos sobre a propriedade do que uma roteirista de ação ao vivo

Se você está no Reino Unido, a WGGB (Writers Guild of Great Britain) felizmente cobre tanto a ação ao vivo quanto a animação igualmente (veja detalhes aqui).

No entanto, se você está nos EUA, você sabe que a WGA (Writers Guild of America) é a união de escritores dominante.

Mas no mundo da animação, enquanto a guilda cobre alguns programas de TV para adultos incluindo THE SIMPSONS, BOJACK HORSEMAN e BIG MOUTH, ela não cobre a maioria dos projetos animados, especialmente os recursos animados.

WGA vs The Animation Guild

Rather, a maioria dos membros da indústria de animação (incluindo escritores) são representados pela The Animation Guild (I.A.T.S.E. Local 839). Isto inclui muitos escritores de animação assim como todos os artistas de animação (mas saiba que pode ser membro tanto da WGA como da The Animation Guild!).
Comparado com o Grémio de Animação, os escritores da WGA que escrevem para animação receberão:

• residuals
• potencial participação nas receitas de merchandising e venda de bilhetes da Broadway

Os escritores do Grémio de Animação podem tentar negociar estes… mas isso não é garantido. Por exemplo, os escritores do filme de animação original de 1994 O REI LEÃO não receberam absolutamente nada pelo recente remake de ação ao vivo.

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Por que está dividido?

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Isto remonta à história da animação. Como dito anteriormente, o storyboarding foi como as histórias foram construídas para animação durante anos. Dado que isso era feito por animadores, fazia sentido que os ‘escritores’ de animação fossem cobertos pela Guilda de Animação. Embora isso tenha mudado no final dos anos 90 e início dos anos 2000, os roteiristas ainda estão divididos.

Como posso tirar o máximo proveito do meu contrato para animação?

Se você é um escritor de ação principalmente ao vivo, você certamente pode tentar conseguir empregos em animação. Devido ao crescente interesse em animação (particularmente à luz da pandemia de Covid-19), a WGA fez uma declaração aos seus escritores. Eles salientaram que ao negociar para escrever um projecto de animação, os membros da WGA devem:

• certificar-se de que tanto o membro como o seu agente/gestor devem tomar uma posição de que o seu trabalho será coberto pela WGA
• garantir que um contrato da WGA é utilizado, pois irá garantir que eles recebem resíduos, taxas de script, protecções de crédito e contribuições para a pensão da WGA & fundos de saúde.

Em resumo: