Come scrivere un film d’animazione: 6 passi fondamentali per la sceneggiatura dell’animazione

Hai sempre avuto un’affinità con l’animazione? Hai un’idea di storia che pensi sarebbe perfetta per un film d’animazione? Stai semplicemente scoprendo che il tuo progetto live-action non può andare avanti, e vuoi vedere se potrebbe essere compatibile con l’animazione?
L’animazione è incredibile in quanto non è solo un altro genere di film (in realtà, non dovrebbe essere considerato affatto un genere di film) ma è un mezzo completamente diverso attraverso il quale raccontare una storia visiva.

Questo include metodi di animazione tradizionali come l’animazione 2D disegnata a mano o l’animazione 3D generata al computer, ma può anche includere l’animazione stop-motion così come i burattini.
Abbiamo compilato alcune cose da considerare se state per intraprendere il viaggio di scrivere un film d’animazione. Vi chiederemo:

• La vostra idea di storia è adatta all’animazione?
• Come si scrive la sceneggiatura di un film d’animazione?
• Qual è l’importanza dello storyboarding?
• Come tenere a mente il tuo pubblico?
• E com’è scrivere un film d’animazione per uno sceneggiatore?

La tua idea di storia ha bisogno di animazione?

Il bello dell’animazione è che userai il formato standard di una sceneggiatura. Quindi nessuna sorpresa! Ma cerchiamo di essere chiari: non tutte le storie dovrebbero essere tradotte in animazione. Il mezzo deve essere adatto al contenuto.

Considera quindi se la tua sceneggiatura soddisfa queste qualifiche:

a) Scene e personaggi specifici saranno migliori con l’animazione

Devi avere scene o personaggi specifici che trarranno grande beneficio dall’essere animati (se stai proponendo, assicurati di evidenziarlo). Che sia estetico o basato sul personaggio, devi avere un ragionamento.

Pensa ai classici film Disney o Pixar. Franchising come TOY STORY e CARS della Pixar non avrebbero potuto funzionare se non fossero stati animati. I giocattoli e le macchine dovevano essere animati per essere attraenti (altrimenti sarebbero stati solo inquietanti!). L’animazione ha permesso ai creatori di creare ambientazioni personalizzate per i personaggi, che non esistono nella vita reale.

Ricordate quanto fossero strani i personaggi di supporto nel recente remake live-action della Disney di BEAUTY AND THE BEAST (cioè gli oggetti domestici come Lumiere, Mrs Potts, e Cogsworth)? E come il castello non era altrettanto magico? Questo perché avevano funzionato meglio nell’animazione, e vederli in una forma più realistica sembrava strano a molti spettatori.

Nell’animazione, un personaggio come Lumiere (un candeliere) può essere portato in vita con espressioni esagerate e movimenti fluidi. È, in un certo senso, destinato ad essere irrealistico. Ma raffigurato in una forma più realistica Lumiere sembra negativamente più poco convincente. Sembra strano come lo sarebbe un vero candeliere se prendesse vita. E questo non sembra in linea con l’immaginazione che la storia intendeva dare.

b) Il tuo genere di film sarà più facile o migliore in animazione

Molti film d’animazione spesso utilizzano il genere fantasy o fantascientifico, perché è più facile creare quei mondi usando l’animazione. Inoltre, molti libri per bambini o fumetti rientrano in uno di questi generi, e sono adattati in film d’animazione (sapevate che i film di HARRY POTTER sono stati originariamente proposti come una serie di film d’animazione da Steven Spielberg?

Ma questo non significa che i film d’animazione debbano necessariamente essere nel genere fantasy o fantascientifico, o anche avere personaggi antropomorfi.
L’animazione può sovrapporsi a quasi tutti i generi o sottogeneri di film. E questo può lavorare a vostro vantaggio. Di nuovo, pensate a ciò che l’animazione porta alla vostra storia che non potrebbe essere portato dall’azione dal vivo. Ha rilevanza per la storia e il suo scopo?

c) No, il tuo film live action non dovrebbe essere trasformato in un film d’animazione per convenienza

Visto quanto l’animazione stia diventando diversificata, con diversi stili e generi utilizzati (e specialmente con l’aumento dell’animazione per adulti in TV), si potrebbe sostenere che qualsiasi sceneggiatura potrebbe diventare animazione.

Ma questo non è vero. Molti film dovrebbero essere live-action, perché quello sarà il mezzo migliore per loro.

Sì… se vuoi trasformare un film live-action in uno animato, puoi sempre farlo (guarda l’episodio animato di THE BLACKLIST che è uscito quest’anno a causa della chiusura della produzione da parte della Covid). Ma se il tuo progetto sarà migliore come live-action, potresti voler aspettare che venga girato con attori veri.

Ora qualcuno potrebbe indicare il film d’animazione francese vincitore del premio 2019 I LOST MY BODY, e dire che avrebbe potuto facilmente essere live-action. È in un’ambientazione moderna e contemporanea e presenta personaggi umani adulti.
Ma c’era una ragione specifica per cui il loro team ha scelto l’animazione: la mano mozzata. La storia è quella di una mano mozzata che ritorna al giovane da cui è stata staccata.
Quello strano personaggio sarebbe stato orribile da guardare, anche in una forma CG-realistica. Sì, non ha alcun dialogo, ma è ovviamente cruciale per la storia. E quindi era necessario farne un film d’animazione. L’animazione è servita a realizzare in modo palatabile un aspetto eccentrico e cruciale (e altrimenti raccapricciante) della storia.

Devi essere dettagliato nelle tue descrizioni

A differenza del live-action, dove una descrizione è relativamente autoesplicativa, l’animazione richiede effettivamente più dettagli nelle tue descrizioni.

Descrizioni delle scene

Dato che state già creando interi mondi, non solo potete ambientare il film in luoghi esotici come la giungla, il deserto, la tundra o un altro pianeta, ma potete anche avere facilmente un breve spaccato o un flashback in un altro luogo esotico.

Si possono (in gran parte) dimenticare i vincoli di bilancio e quanto sarebbe difficile e costoso portare cast e troupe dall’altra parte del mondo per una scena di 45 secondi. Con l’animazione si può tagliare dove si vuole per quanto tempo si vuole. Questa libertà può portare a una libertà di creatività.

FAMILY GUY è un grande esempio di come la libertà dell’animazione permette allo show di tagliare sempre per brevi periodi di tempo per scopi comici. Ora è la firma dello show e rappresenta il suo stile distintivo di commedia. Alcuni potrebbero anche sostenere che lo show ha abbracciato questo stile con troppa convinzione e che il suo potere comico è arrivato a sopraffare lo show.

Prop Descriptions

Inoltre, quando scrivete una macchina o una casa nelle vostre scene, non avrete semplicemente una macchina o una casa che esiste da qualche parte sul backlot o in un magazzino. Avrete artisti che creano letteralmente qualsiasi tipo di auto e di casa che potete immaginare. Quindi metti questi dettagli nella tua sceneggiatura originale.

Tanto tempo e sforzi saranno messi in ogni elemento visivo che considerare attentamente il look and feel di ogni elemento nella sceneggiatura è il modo migliore per abbracciare la forma.

Descrizioni dei personaggi

Inoltre, i personaggi animati sono esattamente questo: ‘animati’. Possono avere forme strane del corpo, venire in colori diversi, e i loro lineamenti facciali possono essere esagerati. Per esempio, pensate ai Minions di DESPICABLE ME e al loro spin-off MINIONS. Sono creazioni uniche e ineguagliabili e la loro popolarità dimostra l’appetito per tali creazioni.

Inoltre, uno dei principi dell’animazione tradizionale è ‘squash and stretch’, il che significa che i personaggi e gli oggetti possono fare esattamente questo nell’animazione. Non devono muoversi realisticamente, quindi ricordatelo mentre li scrivete. Anche se non sarete i responsabili finali del design dei personaggi, non abbiate paura di guidarli in una particolare direzione.

Ora ovviamente non volete essere troppo dettagliati per due motivi:

1. È necessario lasciare qualche licenza artistica agli artisti di talento, che vorranno dare la loro impronta al film.
2. È necessario riconoscere che anche se l’animazione è tecnicamente un mezzo senza limiti, ci sono vincoli di bilancio e di tempo che è necessario considerare.

Qualcuno avrà bisogno di realizzare ogni risorsa (cioè oggetto di scena, oggetto, persona) che menzioni nel tuo script. E nella maggior parte dei casi, quel “qualcuno” sarà in realtà un’intera squadra. Quindi sii economico in ciò che includi e ciò che non includi.

Ma nel creare personaggi principali o ambientazioni, che saranno usati più volte nel corso del film, riconoscete che questi artisti amano anche una sfida. Date loro qualcosa per mostrare davvero le loro abilità. Create un mondo unico e stimolante, sfidando così i creatori a realizzarlo.

3. La tua sceneggiatura animata sarà sottoposta a storyboard

L’animazione, specialmente in forma di film, è un processo iterativo. La sceneggiatura passerà attraverso molte fasi diverse e individui prima del completamento. In breve, è molto collaborativo. Una di queste prime fasi sarà lo storyboarding.

Un gruppo di animatori noto come ‘story team’ sarà responsabile della creazione di storyboard che traducono visivamente la sceneggiatura (molti film d’azione e supereroi live-action ora utilizzano questo processo di ‘previsualizzazione’).

Questi pannelli di storyboard saranno montati insieme per creare una scena animata disegnata a mano chiamata ‘animatic’, in modo che il team possa avere un senso del tempo.

Perché lo storyboarding è importante?

Lo scopo dello storyboarding è capire:

• cosa funziona e cosa non funziona visivamente
• come rendere la storia più forte
• pianificare inquadrature/angoli
• dove aggiungere umorismo fisico
• centrandosi intensamente sulle espressioni o sui movimenti dei personaggi
• sulla tempistica delle inquadrature / sulla creazione di un’animazione
• affinando il più possibile la visione del regista prima che inizi l’animazione

Siate consapevoli: la tua sceneggiatura può cambiare drasticamente durante questo processo. Ma se avete difficoltà ad accettare il feedback, o avete una visione specifica che non siete disposti a sacrificare, potrebbe essere difficile lavorare per l’animazione.

Realizzate anche che ci vorranno 2-3 anni per fare un film d’animazione (forse di più). Durante questo tempo, a causa del feedback del team della storia e delle esigenze della produzione, potreste dover fare molteplici (se non decine e decine) di riscritture. Può sembrare noioso, ma prova a considerarlo come una grande opportunità per perfezionare la sceneggiatura.

L’animazione è di solito rivolta a un pubblico familiare

Da quando Walt Disney ha creato il primo film d’animazione SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS oltre 80 anni fa, la maggior parte dei film d’animazione è stata rivolta ai bambini.

Anche se… all’inizio di quest’anno, Kristine Belson, il presidente della Sony Pictures Animation, ha fatto un commento che più film d’animazione in futuro saranno fatti per un pubblico adulto, e tratteranno argomenti PG-13 o R-rated.

Infatti, un film come SAUSAGE PARTY o una serie TV come BOJACK HORSEMAN dimostrano che l’animazione può essere rivolta ad un pubblico adulto. In questi esempi, l’animazione è fondamentale per l’umorismo e l’immaginazione della storia.

Ma… data la storia dell’animazione, e i suoi punti di forza, la maggior parte dei film d’animazione continuerà ad essere per bambini e per un pubblico familiare. Per seguire la formula ‘family-friendly’, avrete molto probabilmente quanto segue:

a) Il personaggio principale è un bambino o è come un bambino

Se il vostro film è family-friendly, questo significa che il vostro personaggio principale sarà un bambino, o avrà una qualità o una prospettiva da bambino. I bambini hanno bisogno di relazionarsi con il personaggio, quindi questo è importante.

Il tuo personaggio principale dovrebbe avere qualità come:

• fiducia verso tutti
• bisogno di accettazione
• curiosità / meraviglia
• innocenza / ingenuità
• insicurezza in se stessi
• il desiderio di essere un ‘adulto’ / avere uno scopo

Il tuo protagonista deve essere essenzialmente un personaggio con cui un bambino che guarda possa empatizzare. Qualcuno in cui si rivede, qualcuno che riconosce o qualcuno con caratteristiche che riconosce. Per esempio, Shrek non è un bambino. Ma la sua identità di emarginato solitario aiuta il pubblico a empatizzare con lui.

b) Commedia per famiglie

L’animazione è nota anche per includere la commedia. Negli ultimi decenni, l’inserimento di un noto comico come personaggio secondario ha avuto successo.

Esempi di questo includono Robin Williams come genio in ALADDIN, o Eddie Murphy come Mushu nel film d’animazione originale del 1998 MULAN e come Donkey nella serie SHREK. Non solo questo aiuta a solidificare la commedia, ma è spesso un ammiccamento consapevole ai genitori dei bambini che guardano. Un comico conosciuto aiuterà a vendere il film agli adulti e un ruolo comico ben caratterizzato aiuterà a vendere la sceneggiatura al suddetto comico.
Gli sceneggiatori dicono spesso che scrivere commedie è più difficile che scrivere drammi. Nella commedia, non solo devi bilanciare una trama avvincente, ma devi anche infonderla con dialoghi e situazioni comiche. E in molti modi, scrivere commedie “per famiglie” è senza dubbio più difficile della commedia in generale.

Non puoi avere

• parolacce
• riferimenti sessuali
• extra violenza o omicidio

Puoi avere

• umorismo slapstick/fisico
• umorismo sporcaccione (fino a un certo punto)
• riferimenti alla cultura popolare
• dialoghi intelligenti e spiritosi ‘family-per famiglie

Se mai, il processo di scrivere per un pubblico familiare ti renderà uno scrittore di commedie più forte, perché ti toglie alcuni degli strumenti su cui molti comici e scrittori di commedie fanno affidamento. Ti costringerà ad imparare come creare un dialogo comico intelligente che sia appropriato per tutte le età.

c) Relazioni forti e temi morali

Ma se pensi a molti dei tuoi film d’animazione preferiti, non sono semplicemente commedia. Hanno relazioni forti e genuine (perché ai bambini piace vedere il rafforzamento della comunità e della famiglia). Avranno anche quasi sempre temi morali nel loro cuore (poiché i bambini stanno ancora imparando cosa è giusto e cosa è sbagliato).

Per uno sceneggiatore questo è importante. Lo scopo e il messaggio del tuo film devono essere nella genesi stessa della tua idea di storia. Al loro meglio, i film d’animazione per bambini possono aiutare a insegnare a questi bambini in un’età cruciale.

Si noteranno temi ricorrenti in molti film d’animazione – famiglia, amore, amicizia, lealtà, comunità, gentilezza. Il vostro messaggio non deve necessariamente rientrare in una categoria collaudata. Ma in un mercato sovraffollato, la tua sceneggiatura ha bisogno di avere un messaggio centrale significativo e mirato.

d) Musica e canto

Sia i bambini che gli adulti amano la musica. Per questo motivo molti film d’animazione includeranno canzoni. Quindi potresti finire per collaborare con un compositore (o se hai abbastanza talento, scriverle tu stesso).

La musica può essere fondamentale per aiutare a spezzare l’azione e il dialogo. Coloro che hanno figli sanno che spesso non hanno una grande capacità di attenzione! La musica e le canzoni sono solo un modo per dare varietà all’azione del vostro film d’animazione. Un ritmo diverso, un contesto diverso, uno stile diverso – tutto questo aiuta a catturare e a mantenere gli occhi sullo schermo.

L’animazione sarà distribuita a un pubblico internazionale

Dubbing

La distribuzione internazionale richiede il doppiaggio del film in più lingue (a volte anche cambiando l’animazione della bocca dei personaggi). Pensate a FROZEN della Disney e a quante versioni in diverse lingue di “Let It Go” c’erano. C’erano più di 40 versioni diverse, cantate da 40 cantanti diversi, in 40 lingue diverse.

No, non sei tenuto a tradurre il tuo script in decine di altre lingue. Ma dovresti avere delle idee su come certe scene potrebbero essere facilmente modificate per adattarsi al pubblico internazionale. Alcuni riferimenti culturali semplicemente non saranno tradotti, quindi sii consapevole.

Prendi per esempio ZOOTOPIA della Disney. Per le loro scene di cronaca, hanno animato in modo diverso per i diversi paesi/lingue. Hanno usato diversi animali con diversi doppiatori (la maggior parte dei veri giornalisti di quei paesi). Idee come questa sarebbero un’ottima idea per lo sceneggiatore da proporre nella fase di sviluppo.

Ma soprattutto, essere malleabili è la chiave. Non ci si aspetta che tu descriva come una scena potrebbe essere diversa per 40 mercati diversi. Ma lasciare spazio alla flessibilità nella sceneggiatura aiuterà ad ampliare il suo potenziale appeal.

Marketing + Franchising

Molti grandi film d’animazione sono rivolti a un pubblico globale, e con l’obiettivo di diventare un franchise globale (cioè avere più film e potenzialmente serie TV spin-off). Se stai lavorando con uno studio, questo includerà campagne internazionali di marketing e pubblicità, contenuti digitali a breve termine, e la creazione di prodotti di consumo (cioè giocattoli, biancheria da letto, abbigliamento, ecc).

No, ancora una volta non sarai responsabile di tutto questo. Ma questi sono fattori aggiuntivi da considerare mentre scrivete. Gli studios vorranno spendere soldi per commercializzare i vostri personaggi?

In termini di sceneggiatura, quali caratteristiche hanno i tuoi personaggi che li rendono distintivi? Cosa c’è nel mondo della tua storia che riporterà il pubblico ad esso?

È importante non fare il passo più lungo della gamba, pensando ai sequel prima ancora di aver finito la sceneggiatura del primo episodio, per esempio. Tuttavia, pensare al fascino e alla distinzione dei tuoi elementi principali al momento della loro creazione, potrebbe dare loro un potenziale più ampio in seguito.

Gli sceneggiatori di animazione hanno meno diritti sulla proprietà di uno sceneggiatore dal vivo

Se sei nel Regno Unito, la WGGB (Writers Guild of Great Britain) fortunatamente copre ugualmente sia il live-action che l’animazione (vedi dettagli qui).

Tuttavia, se sei negli USA, sai che la WGA (Writers Guild of America) è il sindacato degli scrittori dominante.

Ma nel mondo dell’animazione, mentre la gilda copre alcuni show televisivi animati per adulti tra cui THE SIMPSONS, BOJACK HORSEMAN e BIG MOUTH, non copre la maggior parte dei progetti animati, specialmente i film d’animazione.

WGA vs The Animation Guild

Piuttosto, la maggior parte dei membri dell’industria dell’animazione (inclusi gli scrittori) sono rappresentati da The Animation Guild (I.A.T.S.E. Local 839). Questo include molti scrittori di animazione così come tutti gli artisti di animazione (ma sappiate che si può essere membri sia della WGA che della The Animation Guild!)
Rispetto all’Animation Guild, gli scrittori WGA che scrivono per l’animazione riceveranno:

• residui
• potenziale partecipazione alle entrate del merchandising e alle vendite dei biglietti di Broadway

Gli scrittori dell’Animation Guild possono provare a negoziare questi… ma non è garantito. Per esempio, gli scrittori del film d’animazione originale del 1994 THE LION KING non hanno ricevuto assolutamente nulla per il recente remake live-action.

Perché si divide?

Questo risale alla storia dell’animazione. Come detto prima, lo storyboarding è stato il modo in cui le storie sono state costruite per l’animazione per anni. Dato che questo veniva fatto dagli animatori, aveva senso che gli “scrittori” dell’animazione fossero coperti dall’Animation Guild. Anche se questo è cambiato alla fine degli anni ’90 e all’inizio del 2000, gli sceneggiatori sono ancora divisi.

Come posso ottenere il massimo dal mio contratto per l’animazione?

Se sei uno scrittore principalmente live-action, puoi certamente cercare di ottenere lavori nell’animazione. A causa dell’aumentato interesse per l’animazione (in particolare alla luce della pandemia di Covid-19), la WGA ha fatto una dichiarazione ai suoi scrittori. Hanno sottolineato che quando si negozia per scrivere un progetto animato, i membri della WGA dovrebbero:

• assicurarsi che sia il membro che il loro agente/manager prendano posizione sul fatto che il loro lavoro sarà coperto dalla WGA
• assicurarsi che venga usato un contratto WGA, in quanto assicurerà loro di ricevere residui, commissioni per la sceneggiatura, protezioni del credito e contributi ai fondi pensione & sanitari della WGA.

In sintesi:

Scrivere un film d’animazione potrebbe sembrare l’opzione più facile, eliminando le complicazioni del cinema d’azione. Ma le complessità di dare vita a una sceneggiatura rimangono sia che si lavori con esseri umani che con cartoni animati.