Jak napsat scénář k animovanému filmu: 6 zásadních kroků k napsání scénáře k animovanému filmu

Měli jste vždy blízko k animaci? Máte nápad na příběh, který by se podle vás skvěle hodil pro animovaný film? Zjistili jste prostě, že se váš hraný projekt nemůže posunout dál, a chcete zjistit, zda by se pro něj nehodila animace?
Animace je neuvěřitelná v tom, že není jen dalším filmovým žánrem (ve skutečnosti by vlastně vůbec neměla být považována za filmový žánr), ale je to zcela jiné médium, jehož prostřednictvím lze vyprávět vizuální příběh.

To zahrnuje tradiční animační metody, jako je ručně kreslená 2D animace nebo 3D počítačová animace, ale také může zahrnovat stop-motion animaci a také loutky.
Sestavili jsme několik věcí, které je třeba zvážit, pokud se chystáte vydat na cestu psaní animovaného filmu. Budeme se ptát:

• Je váš nápad na příběh vhodný pro animaci?
• Jak napsat scénář animovaného filmu?
• Jaký význam má storyboarding?
• Jak mít na paměti své publikum?
• A jaké je psaní animovaného filmu pro scénáristu?“

Váš nápad na příběh potřebuje animaci?“

Na animaci je skvělé, že použijete standardní formát scénáře. Takže žádné překvapení! Ale řekněme si to jasně: ne každý příběh by měl být převeden do animace. Médium musí odpovídat obsahu.

Zvažte tedy, zda váš scénář splňuje tyto podmínky:

a) Konkrétní scény a postavy budou s animací lepší

Musíte mít konkrétní scény nebo postavy, kterým animace velmi prospěje (pokud podáváte návrh, nezapomeňte to zdůraznit). Ať už z estetického hlediska, nebo z hlediska postav, musíte mít zdůvodnění.

Připomeňte si klasické filmy od Disneyho nebo Pixaru. Franšízy jako TOY STORY a CARS od Pixaru by nemohly fungovat, kdyby nebyly animované. Hračky a auta musely být animované, aby byly přitažlivé (jinak by byly jen strašidelné!). Animace umožnila tvůrcům vytvořit pro postavy individuální prostředí, které v reálném životě neexistuje.

Pamatujete si, jak podivně vypadaly vedlejší postavy v nedávném hraném remaku filmu Kráska a zvíře od společnosti Disney (tj. předměty z domácnosti jako Lumír, paní Pottsová a Cogsworth)? A že zámek prostě nebyl tak kouzelný? To proto, že nejlépe fungovaly v animaci a vidět je v realističtější podobě připadalo mnoha divákům zvláštní.

V animaci lze postavu, jako je Lumír ( svícen), oživit přehnaným výrazem a plynulým pohybem. V jistém smyslu to má být nerealistické. Ale zobrazený v realističtější podobě Lumiere působí nepříznivě nepřesvědčivěji. Vypadá stejně divně, jako by vypadal skutečný svícen, kdyby ožil. A to mi nepřipadá v souladu s představivostí, kterou příběh zamýšlel.

b) Žánr vašeho filmu bude v animaci jednodušší nebo lepší

Mnoho animovaných filmů často využívá žánr fantasy nebo sci-fi, protože je snazší tyto světy vytvořit pomocí animace. Také mnoho dětských knih nebo komiksů spadá do jednoho z těchto žánrů a jsou adaptovány do animovaných filmů (věděli jste, že filmy o HARRYM POTTEROVI byly původně navrženy Stevenem Spielbergem jako animovaný filmový seriál?“

Ale to neznamená, že animované filmy musí být v žánru fantasy nebo sci-fi, nebo dokonce mít antropomorfní postavy.
Animace se může překrývat s téměř jakýmkoli filmovým žánrem nebo subžánrem. A to může fungovat ve váš prospěch. Opět se zamyslete nad tím, co animace přináší do vašeho příběhu, co by nemohla přinést živá akce. Má to nějaký význam pro příběh a jeho účel?“

c) Ne, váš hraný film by se neměl z pohodlnosti proměnit v animovaný

Vzhledem k tomu, jak se animace stává rozmanitou, jak se používají různé styly a žánry (a zejména s nárůstem animace pro dospělé v televizi), můžete tvrdit, že jakýkoli scénář se může stát animovaným.

Ale to není pravda. Mnoho filmů by mělo být hraných, protože to pro ně bude nejlepší médium.“

Ano… pokud chcete z hraného filmu udělat animovaný, vždycky to můžete udělat (podívejte se na animovaný díl seriálu THE BLACKLIST, který vyšel letos kvůli tomu, že Covid ukončil svou produkci). Ale pokud bude váš projekt lepší jako hraný, možná budete chtít počkat, až bude natočen se skutečnými herci.

Někteří možná poukážou na francouzský animovaný film ZTRATIL JSEM SVÉ TĚLO, který získal cenu v roce 2019, a řeknou, že mohl být klidně hraný. Odehrává se v současném moderním prostředí a vystupují v něm dospělé lidské postavy.
Ale jejich tým se rozhodl pro animaci z konkrétního důvodu: useknutá ruka. Příběh vypráví o useknuté ruce, která se vrací k mladému muži, od něhož byla oddělena.
Na tuto podivnou postavu by byl strašidelný pohled i v CG-realistické podobě. Ano, nemá žádný dialog, ale pro příběh je zjevně klíčová. A tak z toho museli udělat animovaný film. Animace posloužila jednoznačně k tomu, aby chutně realizovala bizarní a zásadní (a jinak hrůzný) aspekt příběhu.

Potřebujete být v popisech detailní

Na rozdíl od hraného filmu, kde je popis relativně srozumitelný, animace ve skutečnosti vyžaduje více detailů v popisech.

Popisy scén

Vzhledem k tomu, že už vytváříte celé světy, můžete film zasadit nejen do exotických lokací, jako je džungle, poušť, tundra nebo jiná planeta, ale snadno můžete mít i krátký střihový záběr nebo flashback na jiné exotické místo.

Můžete (do značné míry) zapomenout na rozpočtová omezení a na to, jak obtížné a nákladné by bylo dostat herce a štáb na druhý konec světa kvůli scéně trvající 45 sekund. S animací můžete stříhat, kam chcete, jak dlouho chcete. Tato svoboda může vést ke svobodě kreativity.

FAMILY GUY je skvělým příkladem toho, jak svoboda animace umožňuje seriálu neustále stříhat na velmi krátké časové úseky pro komediální účely. To je nyní charakteristickým znakem seriálu a představuje jeho osobitý komediální styl. Někteří by dokonce mohli tvrdit, že seriál tento styl přijal příliš bezvýhradně a že jeho komediální síla začala seriál převálcovat.

Popisy rekvizit

Kromě toho, když do scén napíšete auto nebo dům, nezískáte jen auto nebo dům, které existují někde v kulisách nebo ve skladu. Umělci vám vytvoří doslova jakýkoli druh auta a domu, který si dokážete představit. Vložte tedy tyto detaily do svého původního scénáře.

Každému vizuálnímu prvku bude věnováno tolik času a úsilí, že pečlivé zvážení vzhledu každého prvku ve scénáři je nejlepší způsob, jak pojmout formu.

Popisy postav

Kromě toho jsou animované postavy přesně takové: „animované“. Mohou mít zvláštní tvary těla, mohou být v různých barvách a jejich obličejové rysy mohou být přehnané. Vzpomeňte si například na Mimoňe z filmu DESPICABLE ME a jejich spin-off MINIONS. Jsou to jedinečné výtvory, které nemají obdoby, a jejich popularita dokazuje, že po takových výtvorech je chuť.

Jedním z principů tradiční animace je také „rozmačkání a roztažení“, což znamená, že postavy a objekty mohou v animaci dělat přesně to, co dělají. Nemusí se pohybovat realisticky, takže na to pamatujte, až je budete psát. Přestože nebudete tím, kdo bude nakonec zodpovědný za design postav, nebojte se je nasměrovat určitým směrem.

Nyní samozřejmě nechcete být příliš detailní, a to ze dvou důvodů:

1. Musíte nechat určitou uměleckou licenci talentovaným výtvarníkům, kteří budou chtít filmu vtisknout vlastní pečeť.
2. Musíte si uvědomit, že ačkoli je animace technicky neomezené médium, existují rozpočtová a časová omezení, která budete muset vzít v úvahu.

Někdo bude muset vyrobit každý prostředek (tj. rekvizitu, předmět, osobu), který zmíníte ve scénáři. A ve většině případů ten „někdo“ bude ve skutečnosti celý tým. Buďte tedy hospodární v tom, co do scénáře zahrnete a co ne.

Při tvorbě hlavních postav nebo prostředí, které budou v průběhu filmu použity vícekrát, si ale uvědomte, že i tito tvůrci mají rádi výzvy. Dejte jim něco, na čem skutečně předvedou své schopnosti. Vytvořte jedinečný a náročný svět a vyzvěte tak tvůrce k jeho realizaci.

3. Váš animovaný scénář bude mít storyboard

Animace, zejména v podobě hraného filmu, je iterativní proces. Scénář před dokončením projde mnoha různými fázemi a jednotlivostmi. Stručně řečeno, je to velmi kolaborativní proces. Jednou z těchto raných fází bude storyboarding.

Skupina animátorů známá jako „story team“ bude zodpovědná za vytvoření storyboardů, které vizuálně převádějí scénář (mnoho hraných akčních filmů a filmů o superhrdinech dnes tento proces využívá v rámci „previzualizace“).

Tyto storyboardové panely se sestříhají dohromady a vytvoří hrubou ručně kreslenou animovanou scénu zvanou „animatik“, aby si tým mohl udělat představu o načasování.

Proč je storyboarding důležitý?

Účelem storyboardingu je zjistit:

• co vizuálně funguje a co ne
• jak příběh posílit
• plánování záběrů/úhlů
• kam přidat fyzický humor
• intenzivní soustředění. na výrazy nebo pohyby postav
• načasování záběrů / vytvoření animatiku
• zpřesnění režisérovy vize co nejvíce před zahájením animace

Takže pozor: váš scénář se během tohoto procesu může výrazně změnit. Pokud však obtížně přijímáte zpětnou vazbu nebo máte specifickou vizi, kterou nejste ochotni obětovat, může být práce pro animaci obtížná.

Také si uvědomte, že vytvoření animovaného filmu bude trvat 2-3 roky (možná déle). Během té doby budete muset kvůli zpětné vazbě od příběhového týmu a potřebám produkce možná udělat několik (ne-li desítky a desítky) přepisů. Může se to zdát únavné, ale zkuste se na to dívat jako na skvělou příležitost zdokonalit scénář.

Animovaný film je obvykle zaměřen na rodinné publikum

Od doby, kdy Walt Disney před více než 80 lety vytvořil první celovečerní animovaný film SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS, je naprostá většina animovaných filmů určena dětem.

Ačkoli… na začátku tohoto roku se Kristine Belsonová, prezidentka společnosti Sony Pictures Animation, vyjádřila, že v budoucnu bude vznikat více animovaných filmů pro dospělé diváky, které se budou zabývat tématy s ratingem PG-13 nebo R. V současné době je však v nabídce více filmů pro dospělé diváky.

Jistě, film jako SAUSAGE PARTY nebo seriál jako BOJACK HORSEMAN dokazují, že animovaný film může být přímo určen dospělému publiku. V těchto příkladech je animace klíčová pro humor a nápaditost příběhu.

Ale… vzhledem k historii animace a jejím silným stránkám bude většina animovaných filmů i nadále určena dětskému a rodinnému publiku. Chcete-li dodržet vzorec „family-friendly“, budete mít s největší pravděpodobností následující:

a) Hlavní postava je dítě nebo je jako dítě

Pokud je váš film vhodný pro rodiny, bude to znamenat, že vaše hlavní postava bude buď dítě, nebo bude mít dětské vlastnosti či perspektivu. Děti se potřebují s postavou ztotožnit, proto je to důležité.

Vaše hlavní postava by měla mít vlastnosti jako např:

• důvěřivost vůči všem
• potřeba uznání
• zvědavost / údiv
• nevinnost / naivita
• nejistota v sobě
• .
• touha být „dospělý“ / mít cíl

Váš hlavní hrdina musí být v podstatě postava, do které by se mohlo vcítit dítě, které se dívá. Někdo, v kom se vidí, koho poznávají, nebo někdo s vlastnostmi, které poznávají. Například Shrek není dítě. Ale jeho identita osamělého vyděděnce pomáhá divákům vcítit se do něj.

b) Komedie pro celou rodinu

Animace je také známá tím, že obsahuje komedie. V posledních několika desetiletích toho úspěšně dosáhlo účinkování známého komika jako vedlejší postavy.

Příkladem je Robin Williams jako džin ve filmu ALADDIN nebo Eddie Murphy jako Mushu v původním animovaném filmu MULAN z roku 1998 a jako Oslík v seriálu SHREK. Nejenže to pomáhá upevnit komediální atmosféru, ale často je to i vědomé pomrkávání na rodiče sledujících dětí. Známý komik pomůže prodat film dospělým a dobře charakterizovaná komediální role pomůže prodat scénář zmíněnému komikovi.
Scénáristé často říkají, že psaní komedií je obtížnější než psaní dramat. V komedii musíte nejen vyvážit poutavou zápletku, ale musíte ji také proložit komediálními dialogy a situacemi. A v mnoha ohledech je psaní „rodinné“ komedie nepochybně obtížnější než psaní komedie obecné.

Nemůžete tam mít

• proklínací slova
• sexuální narážky
• extrémní násilí nebo vraždy

Můžete. mít

• slapstick/fyzický humor
• poctivý humor (v určité míře)
• popkulturní odkazy
• chytrý a vtipný „rodinný-přátelské“ dialogy

Kdyby něco, proces psaní pro rodinné publikum z vás udělá silnějšího autora komedií, protože vás zbaví některých nástrojů, na které se mnozí komici a autoři komedií spoléhají. Přinutí vás naučit se vytvářet chytré komediální dialogy, které jsou vhodné pro všechny věkové kategorie.

c) Silné vztahy a morální témata

Pokud si ale vzpomenete na mnoho svých oblíbených animovaných filmů, nejsou to jen komedie. Mají silné a opravdové vztahy (protože děti rády vidí posílení společenství a rodiny). Téměř vždy budou mít v jádru také morální témata (protože děti se stále učí, co je správné a co ne).

Pro scénáristu je to důležité. Cíl a poselství vašeho filmu musí stát u samého zrodu vašeho nápadu na příběh. V nejlepším případě mohou animované filmy pro děti pomoci naučit tyto děti v klíčovém věku.

V mnoha animovaných filmech si všimnete opakujících se témat – rodina, láska, přátelství, věrnost, společenství, laskavost. Vaše poselství nemusí spadat do osvědčené kategorie. Na přeplněném trhu však váš scénář musí mít účelné a smysluplné hlavní poselství.

d) Hudba a zpěv

Děti i dospělí milují hudbu. Z tohoto důvodu se v mnoha animovaných filmech objeví písničky. Možná tedy nakonec budete spolupracovat s nějakým skladatelem (nebo pokud jste dostatečně talentovaní, napíšete je sami).

Hudba může být klíčová, protože pomáhá rozdělit akci a dialogy. Ti, kdo mají děti, vědí, že jejich pozornost často nebývá nejdelší! Hudba a písně jsou jen jedním ze způsobů, jak zpestřit děj vašeho animovaného filmu. Jiné tempo, jiný kontext, jiný styl – to vše pomáhá zaujmout a udržet oči u obrazovky.

Animace bude distribuována mezinárodnímu publiku

Dabing

Mezinárodní distribuce bude vyžadovat dabing filmu do více jazyků (někdy i změnu animace úst postav). Vzpomeňte si na Disneyho FROZEN a kolik různých jazykových verzí písně „Let It Go“ existovalo. Existovalo více než 40 různých verzí, které zpívalo 40 různých zpěváků ve 40 různých jazycích.

Ne, nemusíte překládat scénář do desítek dalších jazyků. Ale měli byste mít nápady, jak by se některé scény daly snadno upravit, aby vyhovovaly mezinárodnímu publiku. Některé kulturní odkazy se prostě nepřeloží, takže s tím počítejte.

Příklad Disneyho ZOOTOPIA. Scény s hlasateli zpráv skutečně animovali pro různé země/jazyky odlišně. Použili různá zvířata s různými hlasy herců (většinou skutečných hlasatelů z těchto zemí). Takové nápady by scénárista mohl předložit ve fázi vývoje.“

Ale nejdůležitější je být tvárný. Nebude se od vás očekávat, že nastíníte, jak by se scéna mohla lišit pro 40 různých trhů. Ponechání prostoru pro flexibilitu ve scénáři však pomůže rozšířit jeho potenciální přitažlivost.

Marketing + franšízy

Mnoho velkých animovaných filmů je zaměřeno na globální publikum a s cílem stát se globální franšízou (tj. mít více filmů a případně i spin-off seriálů). Pokud spolupracujete se studiem, bude to zahrnovat mezinárodní marketingové a reklamní kampaně, krátkodobý digitální obsah a tvorbu spotřebitelských produktů (tj. hraček, ložního prádla, oblečení atd.).

Ne, přesto za to všechno nebudete zodpovědní. Ale jsou to další faktory, které je třeba při psaní zvážit. Budou chtít studia utrácet peníze za marketing vašich postav?

Jaké vlastnosti mají vaše postavy z hlediska scenáristiky, které je činí výraznými? Co je na vašem světě příběhu takového, že se k němu budou diváci vracet?

Je důležité nepředbíhat a nepřemýšlet o pokračováních ještě předtím, než dokončíte například scénář prvního dílu. Nicméně přemýšlení o přitažlivosti a odlišnosti vašich základních prvků v okamžiku jejich vzniku jim může později poskytnout širší potenciál.

Scénáristé animovaných filmů mají menší práva k majetku než scénáristé hraných filmů

Pokud jste ve Velké Británii, WGGB (Writers Guild of Great Britain) naštěstí zastřešuje stejnou měrou jak hrané, tak animované filmy (podrobnosti najdete zde).

Jestliže jste však v USA, víte, že dominantním svazem scenáristů je WGA (Writers Guild of America).

Ve světě animace však tento cech sice zastřešuje některé mnohé animované televizní pořady pro dospělé, včetně seriálů THE SIMPSONS, BOJACK HORSEMAN a BIG MOUTH, ale nepokrývá většinu animovaných projektů, zejména celovečerních animovaných filmů.

WGA vs. The Animation Guild

Většinu členů animačního průmyslu (včetně scénáristů) naopak zastupuje The Animation Guild (I.A.T.S.E. Local 839). Patří sem mnoho scénáristů animovaných filmů i všichni animátoři (vězte však, že můžete být členem jak WGA, tak The Animation Guild!)
Ve srovnání s Animation Guild získají scénáristé WGA, kteří píší pro animovaný film,:

• odměny
• potenciální podíl na příjmech z merchandisingu a prodeje vstupenek na Broadwayi

Scénáristé Animation Guild se mohou pokusit o jejich vyjednání… ale není to zaručeno. Například autoři původního animovaného filmu KRÁL LVŮ z roku 1994 nedostali za nedávný hraný remake vůbec nic.

Proč je to rozdělené?

To sahá až do historie animovaného filmu. Jak už bylo řečeno, příběhy pro animaci se dlouhá léta vytvářely pomocí storyboardů. Vzhledem k tomu, že to dělali animátoři, dávalo smysl, aby se na „scénáristy“ animace vztahoval cech animátorů. I když se to na přelomu 90. a 90. let 20. století změnilo, scénáristé jsou stále rozděleni.

Jak získat co nejvíce ze smlouvy pro animaci?

Jste-li primárně hraný scénárista, určitě se můžete pokusit získat práci v animaci. Vzhledem ke zvýšenému zájmu o animaci (zejména ve světle pandemie Covid-19) vydala WGA prohlášení pro své scénáristy. Zdůraznili, že při vyjednávání o napsání animovaného projektu by členové WGA měli:

• zajistit, aby jak člen, tak jeho agent/manažer zaujali stanovisko, že jejich práce bude hrazena WGA
• zajistit, aby byla použita smlouva WGA, protože ta jim zajistí reziduální odměny, honoráře za scénář, ochranu kreditů a příspěvky do penzijních & zdravotních fondů WGA.

Shrnuto: