アニメーション映画の書き方：アニメーションの脚本を書くための6つの重要なステップ

あなたはいつもアニメーションに親しみを持っていたのでしょうか？アニメーション映画に最適だと思うストーリーのアイデアがありますか？実写のプロジェクトが前に進まず、アニメーションとの相性を確かめたいだけでしょうか。
アニメーションは、単なる映画の1ジャンルではなく（実際、映画の1ジャンルと考えるべきではありません）、ビジュアルストーリーを伝えるためのまったく異なるメディアであるという点で驚くべきものです。

これには、手描きの2Dアニメーションや3DのCGアニメーションといった伝統的なアニメーション手法が含まれますが、ストップモーション・アニメーションや人形も含まれます。
これからアニメーション映画を書く旅に出ようとしている方に、検討していただきたいことをいくつかまとめました。

Does Your Story Idea Suit Animation?
アニメーションの脚本はどのように書くのですか？
ストーリーボードの重要性とは何ですか？
観客を意識する方法とは？
また、脚本家にとってアニメーション映画の執筆はどのようなものですか？

あなたの物語のアイデアにはアニメーションが必要ですか？

アニメーションで素晴らしいのは、脚本の標準形式を使用することです。ですから、驚きはありません! しかし、はっきりさせておきたいのは、すべてのストーリーがアニメーションに翻訳されるべきというわけではないということです。メディアは内容に合う必要があるのです。

そこで、あなたの脚本が以下の条件を満たしているかどうか考えてみましょう：

a) 特定のシーンやキャラクターがアニメーションでより良くなる

アニメーションにすることで大きな恩恵を受ける特定のシーンやキャラクターが必要です（ピッチングする場合は、これを強調するようにしてください）。美的感覚にせよ、キャラクターにせよ、理由付けが必要です。

古典的なディズニーやピクサーの映画について考えてみてください。ピクサーの「トイ・ストーリー」や「カーズ」のようなフランチャイズは、アニメ化されていなければうまくいかなかったはずです。おもちゃや車は、魅力的であるためにアニメーションである必要がありました（そうでなければ、ただ不気味なだけだったでしょう！）。

最近のディズニーの実写版「美女と野獣」のリメイクで、脇役たちがどれだけ変だったか覚えていますか（ルミエール、ポット夫人、コグスワースなどの家庭用品）。そして、お城の魔法が足りなかったのでしょうか？それは、アニメーションの中で最もよく機能していたものが、よりリアルな形で登場することで、多くの観客に違和感を与えたからです。

アニメーションでは、ルミエール（燭台）のようなキャラクターは、大げさな表現と流れるような動きで命を吹き込むことができます。それはある意味、非現実的であることを意味している。しかし、よりリアルな形で描かれたルミエールは、逆に説得力に欠けるように感じる。実際の燭台に命が吹き込まれたような違和感があるのです。そしてそれは、物語が意図するイマジネーションにそぐわない気がするのです。

b) 自分の映画のジャンルは、アニメーションのほうが簡単かうまくいく

多くのアニメーション映画は、ファンタジーやSFのジャンルをよく採用しますが、それはアニメを使ってそれらの世界を作ることが簡単なためです。また、多くの児童書やコミックがこれらのジャンルに属し、アニメ化されています（映画『ハリー・ポッター』は、もともとスティーブン・スピルバーグがアニメ映画シリーズとして企画したことをご存知でしょうか）

しかしこれは、アニメ映画がファンタジーやSFでなければならない、あるいは擬人化したキャラクターを持っていなければならないという意味ではありません。そしてそれは、あなたにとって有利に働くことがあります。繰り返しになりますが、実写では不可能なことをアニメーションが物語にもたらすかどうかを考えてみてください。

c) No, Your Live-Action Film Should Be In An Animated Film For Convenience

アニメーションがいかに多様化し、異なるスタイルやジャンルが使用されているかを考えると（特にテレビにおける大人向けアニメーションの増加）、どんな脚本もアニメーションになりうると言えるかもしれません。

しかし、それは違う。多くの映画は実写であるべきで、それが最高のメディアになるからだ。

そうだ…実写映画をアニメにしようと思えば、いつでもそうできる（コヴィッドが制作を停止したために今年公開された「ブラックリスト」のアニメ版エピソードを見てみろ）。しかし、もしあなたのプロジェクトが実写としてより良いものになるのであれば、本物の俳優を使って撮影されるのを待ったほうがいいかもしれません。

さて、2019年の賞を受賞したフランスのアニメ映画『I LOST MY BODY』を指して、あれは簡単に実写にできたと言う人もいるかもしれません。それは現代のモダンな設定で、大人の人間のキャラクターが登場します。
しかし、彼らのチームがアニメーションを選んだのには、切断された手という特定の理由がありました。切断された手が、切り離された青年のもとに戻ってくるというストーリーです。
その奇妙なキャラクターは、CGでリアルに再現しても、見るからにおぞましいものだったでしょう。そう、台詞はないのですが、明らかに物語に欠かせない存在なのです。それで、アニメにする必要があったのです。アニメーションは、物語の風変わりで重要な（そしてさもなければぞっとするような）側面を、口当たりよく実現するという明確な目的を果たしていたのです。

You Need To Be Detailed In Your Descriptions

実写と違って、説明は比較的自明ですが、アニメでは実際には説明にもっと詳細が必要です。

シーンの描写

すでに世界全体を作り上げているので、ジャングルや砂漠、ツンドラ、別の惑星といったエキゾチックな場所を舞台にするだけでなく、別のエキゾチックな場所への短いカットウェイやフラッシュバックも簡単に行うことができるのです。

予算の制約や、45秒のシーンのためにキャストやクルーを地球の裏側まで連れて行くことがいかに困難でコストがかかるかということを（ほぼ）忘れることができます。アニメーションでは、好きなところで好きなだけカットすることができます。この自由さが、クリエイティブの自由さにつながるのです。

FAMILY GUYは、アニメーションの自由さによって、コメディー目的で非常に短い時間、常にカットアウェイできるようになった良い例です。これは今や番組の特徴であり、コメディの独特なスタイルを象徴しています。このスタイルを全面的に受け入れすぎて、そのコメディパワーが番組を圧倒してしまったと主張する人もいるほどです。

Prop Descriptions

さらに、車や家をシーンに書き込む場合、バックロットや倉庫のどこかに存在する車や家だけを手に入れるわけではありません。文字通り、どんな車や家でもアーティストが作ってくれるのです。 1101>

それぞれの視覚的要素に多くの時間と労力が費やされるので、脚本の中でそれぞれの要素の見た目と感触を慎重に検討することが、その形を受け入れる最善の方法なのです。

キャラクター描写

さらに、アニメーションのキャラクターはまさにそれです。アニメーション」なのだ。体型が変わっていたり、色が違っていたり、顔の表情が誇張されていたりします。たとえば、「デスパイダブル・ミー」のミニオンと、そのスピンオフ作品である「ミニオンズ」を思い浮かべてください。彼らはユニークで他に類を見ない創造物であり、その人気はこのような創造物に対する欲求を証明しています。

また、伝統的なアニメーションの原則の1つは「つぶして伸ばす」ことですが、これは、キャラクターやオブジェクトがアニメーションでまさにそれを行うことができることを意味します。リアルに動かなくてもいいので、それを意識して書いてください。キャラクターデザインの最終的な担当者はあなたではありませんが、特定の方向に誘導することを恐れないでください。

さて、明らかに2つの理由から、あまり詳細にはしたくないでしょう。

映画に独自のスタンプを押したいであろう才能あるアーティストたちに、ある程度の芸術的ライセンスを残しておく必要があるのです。
アニメーションは技術的には無限のメディアですが、予算と時間の制約があることを認識する必要があります。

脚本にあるすべてのアセット（小道具、オブジェクト、人物など）を誰かが作る必要があるのです。そして、ほとんどの場合、その「誰か」は実際にはチーム全体となります。ですから、何を含み、何を含まないかについて、経済的であるべきです。

しかし、映画を通して何度も使用されるメインキャラクターや設定を作成する場合、これらのアーティストも挑戦を楽しんでいることを認識する必要があります。彼らに自分のスキルを本当に発揮できるようなものを与えましょう。ユニークでチャレンジングな世界を作り、それを実現するためにクリエイターに挑戦してもらう。

3. アニメーションの脚本は絵コンテにする

アニメーション、特に長編映画の形式では、反復プロセスです。脚本は完成までに多くの異なる段階と個人を経ることになります。要するに、それは非常に協力的なものなのです。これらの初期段階の1つが絵コンテになります。

「ストーリーチーム」として知られるアニメーターのグループは、脚本を視覚的に翻訳するストーリーボードの作成を担当します（多くの実写アクションやスーパーヒーロー映画では、現在「プリビジュアライゼーション」でこのプロセスを利用しています）。

これらのストーリーボードのコマを編集して、「アニマティック」と呼ばれる手書きの粗いアニメーションのシーンを作り、チームがタイミングの感覚をつかめるようにします。

なぜストーリーボードが重要なのか?

ストーリーボードの目的は、把握することです。

何が視覚的にうまくいき、何がうまくいかないか
どうしたらストーリーを強くできるか
ショット/アングルを計画する
どこに肉体的ユーモアを追加するか
集中的にフォーカスすること
ショットのタイミングを合わせる／アニマティックを作成する
アニメーションが始まる前に、監督のビジョンをできる限り絞り込む

そこで注意してほしいことがあります。この過程で脚本が大きく変わる可能性があります。しかし、フィードバックを受けるのが苦手だったり、犠牲にしたくない特定のビジョンがあったりすると、アニメーションの仕事は難しいかもしれません。

また、アニメーション映画を作るには2～3年かかる（もっとかかるかもしれない）ということも認識しておいてください。その間、ストーリーチームからのフィードバックや制作上の必要性から、何度も（何十回とまではいかなくても）書き直しをしなければならないかもしれません。退屈に思えるかもしれませんが、脚本を完成させる絶好のチャンスだと考えてみてください。

アニメーションは通常、家族の観客を対象にしている

80 年以上前にウォルト・ディズニーが最初の長編アニメーション映画「白雪姫と七匹のくま」を制作してから、アニメーション映画の大半は子供向けになっています。

しかし…今年初め、ソニー・ピクチャーズ・アニメーションの社長であるクリスティン・ベルソンは、今後の長編アニメは大人向けに作られ、PG-13またはR指定のテーマを扱うことが多くなるだろうとコメントしました。

確かに、『SAUSAGE PARTY』のような映画や『BOJACK HORSEMAN』のようなテレビシリーズは、アニメーションが大人の観客に正面から向き合えることを証明している。これらの例では、アニメーションは物語のユーモアや想像力を高めるのに重要な役割を担っている。

しかし…アニメーションの歴史とその強みを考えると、アニメーションの大部分は子供や家族向けの観客のためのものであり続けるだろう。

a) 主人公が子供であるか、子供のようである

あなたの映画が家族向けであれば、これは主人公が子供であるか、子供のような質または視点を持つことを意味します。子供はそのキャラクターに共感する必要があるので、これは重要なことです。

主人公は次のような資質を備えている必要があります。

みんなを信頼している
受け入れられたい
好奇心/不思議
無知/素朴
自分自身に不安がある

。

「大人」になりたい/目的を持ちたい

主人公は基本的に、見ている子供が共感できるキャラクターである必要があるのです。自分に似ている人、自分が知っている人、自分が知っている特徴を持った人などです。たとえば、シュレックは子供ではありません。しかし、孤独な追放者という彼のアイデンティティは、観客が彼に共感するのに役立っています。

b) 家族向けのコメディ

アニメーションは、コメディを含むことでもよく知られています。ここ数十年では、有名なコメディアンを脇役として起用することで、これを成功させている。

この例としては、『アラジン』の精霊役のロビン・ウィリアムズや、1998年のオリジナルアニメ映画『ムーラン』のムシュー役、『シュレック』シリーズのドンキー役のエディ・マーフィが挙げられます。このような役柄は、コメディを成立させるだけでなく、見ている子供たちの親を意識したものであることが多い。有名なコメディアンは、大人たちに映画を売り込むのに役立ち、個性的なコメディアン役は、そのコメディアンに脚本を売り込むのに役立つのです。
脚本家はよく、コメディを書くのはドラマを書くより難しいと言います。コメディでは、説得力のあるプロットのバランスをとるだけでなく、コミカルな会話や状況を吹き込まなければならないからです。また、いろいろな意味で、「家族向け」のコメディを書くことは、一般のコメディよりも難しいのは間違いないでしょう。

You can’t have

curse words
sexual references
extreme violence or murder

You can be

スラップスティック/フィジカルなユーモア
ポッティ・ユーモア（ある程度）
ポップカルチャーの紹介
巧妙でウィットに富んだ「ファミリー・フレンドリー」なユーモア4806>

どちらかといえば、「フレンドリー」な台詞。なぜなら、多くのコメディアンやコメディーライターが頼りにしているツールのいくつかを取り去ってしまうからです。すべての年齢層に適した巧妙なコメディの台詞を作る方法を学ばざるを得なくなります。

c) 強い人間関係と道徳的テーマ

しかし、お気に入りのアニメ映画の多くを考えてみると、それらは単なるコメディではありません。彼らは強く、本物の関係を持っています（子供はコミュニティや家族の補強を見るのが好きなので）。また、ほとんどの場合、その中心には道徳的なテーマがあります（何が正しくて何が間違っているのか、子供たちはまだ学んでいるのですから）。

脚本家にとって、これは重要なことです。映画の目的とメッセージは、ストーリーのアイデアのまさに原点にある必要があるのです。子供向けのアニメーション映画は、その最高の状態で、重要な年齢層の子供たちに教えることができる。

多くのアニメーション映画には、家族、愛、友情、忠誠心、コミュニティ、優しさといったテーマが繰り返し登場することにお気づきでしょう。あなたのメッセージは、試行錯誤の末に完成されたカテゴリーに入る必要はありません。しかし、過密な市場において、あなたの脚本は、目的意識と意味のある核となるメッセージを持っている必要があります。

d) 音楽と歌

子供も大人も音楽が好きである。そのため、多くのアニメ映画には歌が含まれることになります。そのため、作曲家とコラボレーションすることになるかもしれません（あるいは、十分な才能があれば、自分で作曲することになるかもしれません）。

音楽は、アクションやダイアログを区切るのに重要な役割を果たすことがあります。お子さんをお持ちの方ならおわかりかと思いますが、お子さんの注意力はそれほど長くはないものです。音楽と歌は、アニメーションのアクションに多様性を与える一つの方法です。テンポの違い、文脈の違い、スタイルの違いなど、どれもスクリーンに目を向けさせるのに効果的です。

Animation Will Distributed to International Audiences

Dubbing

国際的に配布するには、映画を多言語に吹き替える（時には、キャラクターの口のアニメーションも変える）ことが必要です。ディズニーの「FROZEN」を考えてみてください。「Let It Go」の言語バージョンがどれだけあったことか。 40 人の歌手が歌い、40 の言語で、40 種類以上のバージョンがありました。

いいえ、脚本を何十もの言語に翻訳する必要はありません。しかし、あるシーンを国際的な観客に合うように簡単に修正できるようなアイデアは持っておくべきでしょう。文化的な言及の中には翻訳できないものもあるので、注意が必要です。

たとえば、ディズニーの「ZOOTOPIA」。ニュースキャスターのシーンでは、実際に国や言語によって異なるアニメーションを行いました。その国のニュースキャスターの声優を使い、動物を使い分ける。このようなアイデアは、脚本家が開発段階で出すとよいでしょう。あるシーンが40の異なる市場に対してどのように違うものになるかを概説することは期待されていないでしょう。しかし、脚本に柔軟性を持たせておくことは、その潜在的な魅力を広げることにつながるのです。

Marketing + Franchises

多くのメジャーなアニメーション映画は、世界中の視聴者を対象としており、世界的なフランチャイズ（複数の映画やスピンオフ TV シリーズを持つ可能性）になることを目標としています。スタジオで働く場合、国際的なマーケティングや宣伝キャンペーン、短編のデジタルコンテンツ、消費者向け製品（玩具、寝具、衣類など）の作成が含まれます。しかし、これらは、あなたが執筆する際に考慮すべき追加要素です。スタジオはあなたのキャラクターのマーケティングにお金を使いたがりますか？

脚本用語で言えば、あなたのキャラクターには、彼らを際立たせるどんな特徴があるでしょうか。あなたの物語の世界で、観客を再び引きつけるものは何ですか？

例えば、最初の作品の脚本が完成する前に続編を考えるなど、先走らないことが重要です。しかし、コアとなる要素の魅力や差別化を制作時点で考えておくことで、後々、より広い可能性が生まれるかもしれません。

アニメーションの脚本家は、実写の脚本家よりも財産に対する権利が少ない

英国にいる場合、WGGB（Writers Guild of Great Britain）は幸いにも実写もアニメーションも等しくカバーしています（詳細はこちらをご覧ください）。

しかし、アニメーションの世界では、ギルドは「シンプソンズ」「ボジャック・ホースマン」「ビッグマウス」など多くの大人向けテレビアニメをカバーしていますが、ほとんどのアニメーションプロジェクト、特に長編アニメはカバーしていません。

WGA vs アニメーションギルド

むしろアニメーション業界のほとんどのメンバー（作家も含む）はアニメーションギルド（I.A.T.S.E. Local 839）によって表現されているのです。これには、多くのアニメ作家とすべてのアニメ作家が含まれます（ただし、WGAとアニメーション・ギルドの両方の会員になれることを知っておいてください！）。
アニメーション・ギルドと比較すると、アニメーションを書くWGAの作家は、以下のものを受け取ることができます：

残留物
商品化収入やブロードウェイのチケット販売への参加の可能性

アニメーション・ギルド作家はこれらを交渉することができますが・・・保証はされていません。たとえば、1994年のオリジナルアニメ映画「ライオンキング」の脚本家は、最近の実写リメイク版ではまったく何も受け取っていません。

なぜ分割なのでしょうか？

これはアニメーションの歴史にさかのぼります。先にも述べたように、アニメのストーリーは長年にわたって絵コンテで構成されてきました。これがアニメーターによって行われたことを考えると、アニメーションの「作家」がアニメーション・ギルドにカバーされるのは理にかなっていると言えます。 90年代後半から2000年代前半にかけて変化しましたが、今でも脚本家は分かれています。

アニメの契約を最大限に生かすには？

実写中心の作家であれば、アニメの仕事を獲得しようとすれば、必ず可能です。アニメーションへの関心が高まっているため（特に Covid-19 の大流行を受けて）、WGA は作家に対して声明を発表しました。彼らは、アニメーションのプロジェクトを書くために交渉するとき、WGA会員は次のことを強調しました：

会員とそのエージェント／マネージャーの両方が、彼らの仕事はWGA
によってカバーされるという姿勢をとるべきであることを確認し、WGA契約を使用するようにすることで、残額、脚本料、クレジット保護、WGA年金&健康基金への貢献を確実に受け取ることができるようになる。

まとめ：

1. あなたのストーリーのアイデアはアニメーションに適していますか？

アニメーションが、あなたの物語が取りうる最良の形であることを確認してください。アニメーション映画を書くという選択の背後には、明確な目的があるはずです。アニメーション映画が提供できる想像力の自由を受け入れ、それを利用して脚本のトーン、スタイル、物語、キャラクターを形作ります。

2.アニメーション映画の脚本を書くには？

描写は詳細に。また、脚本は、アニメーターやデザイナーのチームを含むプロセスの最初のステップであることを忘れないでください。想像力を膨らませながら、その想像力をいかに効率よく、明確に伝えるか。

3.ストーリーボードの重要性とは何ですか？

アニメーション映画は長く、徹底的なプロセスであり、脚本を視覚的なステップに分解するストーリーボードは、このプロセスの鍵となります。脚本家として、これは必ずしもあなたの責任ではないでしょう。しかし、アニメ映画の脚本を書く際には、どのように書くかが絵コンテのプロセスに影響するので、覚えておくべき重要なステップです。

4.どのようにして観客を意識しているか？

あなたの物語の核となるメッセージと目的に焦点を当て、どんな観客にも信頼されるようにすることです。若い観客をひいきにしてはいけませんが、大人の観客の後に不機嫌になってはいけません。
さらに、より大きな絵を考えましょう。アニメーション映画は、世界中に簡単に届く可能性がある。可能な限り、そのような事態を想定して脚本を準備しましょう。

5. 脚本家にとってアニメーション映画の執筆はどのようなものですか？

脚本家は、アニメーション映画を組み立てる多くの歯車のうちの1つに過ぎないので、しばしば、そのプロセスから見放されたように感じられることがあります。アニメ映画の脚本に着手する場合、アニメ映画製作の全体的なプロセスや存在する階層について甘く見てはいけません。

アニメ映画を書くことは、実写映画製作の複雑さを取り除いた簡単な選択肢のように思えるかもしれません。しかし、人間であれカートゥーンであれ、脚本に命を吹き込むことの複雑さは変わりません

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