Ai avut întotdeauna o afinitate pentru animație? Aveți o idee de poveste care credeți că ar fi perfectă pentru un film de animație? Pur și simplu constați că proiectul tău live-action nu poate merge mai departe și vrei să vezi dacă s-ar putea potrivi pentru animație?
Animația este incredibilă prin faptul că nu este doar un alt gen de film (de fapt, chiar nu ar trebui să fie considerată deloc un gen de film), ci este un mediu complet diferit prin care să spui o poveste vizuală.
Aceasta include metode tradiționale de animație, cum ar fi animația 2D desenată manual sau animația 3D generată pe calculator, dar poate include și animația stop-motion, precum și păpușile.
Am compilat câteva lucruri pe care trebuie să le luați în considerare dacă sunteți pe cale să vă îmbarcați în călătoria de a scrie un film de animație. Vă vom întreba:
- Ideea poveștii dumneavoastră se potrivește animației?
- Cum se scrie scenariul unui film de animație?
- Ce importanță are storyboarding-ul?
- Cum vă păstrați publicul în minte?
- Și cum este scrierea unui film de animație pentru un scenarist?
Ideea ta de poveste are nevoie de animație?
Ce este grozav la animație este că vei folosi formatul standard pentru un scenariu. Deci, nicio surpriză aici! Dar să fim clari: nu orice poveste trebuie transpusă în animație. Mediul trebuie să se potrivească cu conținutul.
Așa că luați în considerare dacă scenariul dvs. îndeplinește aceste calificări:
a) Scenele și personajele specifice vor fi mai bune cu animația
Trebuie să aveți scene sau personaje specifice care vor beneficia foarte mult de pe urma animației (dacă faceți un pitch, asigurați-vă că evidențiați acest lucru). Fie din punct de vedere estetic sau bazat pe personaje, trebuie să aveți raționamente.
Gândiți-vă la filmele clasice Disney sau Pixar. Francize precum TOY STORY și CARS de la Pixar nu ar fi putut funcționa dacă nu ar fi fost animate. Jucăriile și mașinile trebuiau să fie animate pentru a fi atrăgătoare (altfel ar fi fost doar înfiorătoare!). Animația le-a permis creatorilor să creeze cadre individualizate pentru personaje, care nu există în viața reală.
Îți amintești cât de ciudate arătau personajele secundare din recentul remake live-action al Disney din BEAUTY AND THE BEAST (adică obiectele de uz casnic precum Lumiere, doamna Potts și Cogsworth)? Și cum castelul pur și simplu nu era la fel de magic? Acest lucru se datorează faptului că acestea au funcționat cel mai bine în animație, iar faptul de a le vedea într-o formă mai realistă a părut ciudat pentru mulți spectatori.
În animație, un personaj precum Lumiere ( un sfeșnic) poate fi adus la viață cu expresii exagerate și mișcări fluide. Este, într-un anumit sens, menit să fie nerealist. Dar reprezentat într-o formă mai realistă Lumiere se simte în mod negativ mai neconvingător. Arată la fel de ciudat cum ar arăta un sfeșnic real dacă ar prinde viață. Și asta nu pare în concordanță cu imaginația pe care povestea a vrut să o aibă.
b) Genul tău de film va fi mai ușor sau mai bun în animație
Multe filme de animație folosesc adesea genul fantastic sau genul science-fiction, pentru că este mai ușor să creezi aceste lumi folosind animația. De asemenea, multe cărți pentru copii sau benzi desenate se încadrează într-unul dintre aceste genuri și sunt adaptate în filme de animație (știați că filmele HARRY POTTER au fost inițial propuse ca o serie de filme de animație de către Steven Spielberg?)
Dar acest lucru nu înseamnă că filmele de animație trebuie să se încadreze în genul fantasy sau science-fiction, sau chiar să aibă personaje antropomorfe.
Animația se poate suprapune cu aproape orice gen sau subgen de film. Iar acest lucru poate funcționa în avantajul tău. Din nou, gândește-te la ce aduce animația poveștii tale care nu ar putea fi adus de acțiunea live. Are acest lucru relevanță pentru poveste și pentru scopul ei?
c) Nu, filmul tău de acțiune live nu ar trebui să fie transformat într-un film de animație din comoditate
După cât de diversă devine animația, cu diferite stiluri și genuri folosite (și mai ales cu creșterea animației pentru adulți în televiziune), ai putea argumenta că orice scenariu ar putea deveni animație.
Dar acest lucru nu este adevărat. Multe filme ar trebui să fie live-action, pentru că acesta va fi cel mai bun mediu pentru ele.
Da… dacă vrei să transformi un film live-action într-unul de animație, poți face asta oricând (uită-te la episodul animat din THE BLACKLIST care a ieșit anul acesta din cauza faptului că Covid și-a închis producția). Dar dacă proiectul tău va fi mai bun ca live-action, poate că ar fi bine să aștepți să fie filmat cu actori adevărați.
Acum, unii ar putea arăta spre filmul de animație francez premiat în 2019 I LOST MY BODY (Mi-am pierdut corpul) și ar putea spune că ar fi putut fi cu ușurință live-action. Este într-un cadru modern contemporan și prezintă personaje umane adulte.
Dar a existat un motiv specific pentru care echipa lor a ales animația: mâna tăiată. Povestea este cea a unei mâini tăiate care își croiește drumul înapoi către tânărul de care a fost desprinsă.
Acest personaj ciudat ar fi fost îngrozitor de privit, chiar și într-o formă realistă CG. Da, nu are niciun dialog, dar este evident că este crucial pentru poveste. Și de aceea a fost nevoie să facă un film de animație. Animația a servit un scop distinct în realizarea palatabilă a unui aspect excentric și crucial (și altfel macabru) al poveștii.
Trebuie să fii detaliat în descrierile tale
Cu deosebire de live-action, unde o descriere este relativ auto-explicativă, animația necesită de fapt mai multe detalii în descrierile tale.
Descrieri de scenă
Datorită faptului că deja creați lumi întregi, nu numai că puteți plasa filmul în locații exotice, cum ar fi jungla, deșertul, tundra sau o altă planetă, dar puteți, de asemenea, să aveți cu ușurință un scurt plan decupaj sau un flashback către o altă locație exotică.
Puteți uita (în mare parte) de constrângerile bugetare și de cât de dificil și costisitor ar fi să trimiteți distribuția și echipa de filmare în cealaltă parte a lumii pentru o scenă care durează 45 de secunde. Cu animația poți tăia oriunde dorești pentru cât timp dorești. Această libertate poate duce la o libertate de creativitate.
FAMILY GUY> este un exemplu excelent al modului în care libertatea animației permite ca serialul să se decupeze tot timpul pentru perioade foarte scurte de timp în scopuri comice. Aceasta este acum semnătura emisiunii și reprezintă stilul său distinctiv de comedie. Unii ar putea chiar să susțină că serialul a îmbrățișat acest stil cu prea mult entuziasm și că puterea sa comică a ajuns să copleșească serialul.
Descrieri de decoruri
În plus, atunci când scrieți o mașină sau o casă în scenele voastre, nu veți obține pur și simplu o mașină sau o casă care există undeva pe platoul de filmare sau într-un depozit. Veți avea artiști care vor crea, la propriu, orice fel de mașină și casă vă puteți imagina. Așa că puneți aceste detalii în scenariul dvs. original.
Atât de mult timp și efort vor fi investite în fiecare element vizual, încât luarea în considerare cu atenție a aspectului și a senzației fiecărui element în scenariu este cea mai bună modalitate de a îmbrățișa forma.
Descrierea personajelor
În plus, personajele animate sunt exact asta: „animate”. Ele pot avea forme ciudate ale corpului, pot veni în culori diferite, iar trăsăturile lor faciale pot fi exagerate. De exemplu, gândiți-vă la Minionii din DESPICABLE ME și la spin-off-ul lor MINIONS. Sunt creații unice, de neegalat, iar popularitatea lor dovedește apetitul pentru astfel de creații.
De asemenea, unul dintre principiile animației tradiționale este „strivirea și întinderea”, ceea ce înseamnă că personajele și obiectele pot face exact acest lucru în animație. Ele nu trebuie să se miște în mod realist, așa că țineți minte asta când le scrieți. Deși nu veți fi cel care se va ocupa în ultimă instanță de designul personajelor, nu vă fie teamă să le orientați într-o anumită direcție.
Acum, evident, nu doriți să fiți prea detaliat din două motive:
- Trebuie să lăsați o anumită licență artistică artiștilor talentați, care vor dori să-și pună propria amprentă asupra filmului.
- Trebuie să recunoașteți că, deși animația este, din punct de vedere tehnic, un mediu fără limite, există constrângeri bugetare și de timp pe care va trebui să le luați în considerare.
Cineva va trebui să realizeze fiecare asset (adică recuzită, obiect, persoană) pe care îl menționați în scenariu. Și, în cele mai multe cazuri, acel „cineva” va fi, de fapt, o întreagă echipă. Așa că fiți economic în ceea ce includeți și în ceea ce nu includeți.
Dar în crearea personajelor principale sau a decorurilor, care vor fi folosite de mai multe ori pe parcursul filmului, recunoașteți că acești artiști se bucură, de asemenea, de o provocare. Dați-le ceva care să le arate cu adevărat abilitățile. Creați o lume unică și provocatoare, provocându-i astfel pe creatori să o realizeze.
3. Scenariul dvs. de animație va fi făcut pe scenariu
Animația, în special sub formă de film de lung metraj, este un proces iterativ. Scenariul va trece prin multe faze și persoane diferite înainte de finalizare. Pe scurt, este foarte colaborativ. Una dintre aceste faze timpurii va fi storyboarding-ul.
Un grup de animatori cunoscut sub numele de „echipa de poveste” va fi responsabil pentru crearea de scenarii care să traducă vizual scenariul (multe filme de acțiune live și filme cu supereroi folosesc acum acest proces în „previzualizare”).
Aceste panouri de storyboard vor fi editate împreună pentru a realiza o scenă animată brută desenată de mână numită „animatic”, astfel încât echipa să poată avea o idee despre sincronizare.
De ce este important storyboarding-ul?
Scopul storyboarding-ului este să ne dăm seama:
- ce funcționează și ce nu funcționează din punct de vedere vizual
- cum să faci povestea mai puternică
- planificarea filmărilor/unghiurilor
- unde să adaugi umor fizic
- concentrarea intensă asupra expresiilor sau mișcărilor personajelor
- sincronizarea cadrelor / crearea unei animații
- rafinarea viziunii regizorului cât mai mult posibil înainte de începerea animației
Deci, fiți atenți: scenariul dvs. se poate schimba drastic în timpul acestui proces. Dar dacă aveți dificultăți în a accepta feedback-ul sau dacă aveți o viziune specifică pe care nu sunteți dispus să o sacrificați, ar putea fi dificil să lucrați pentru animație.
De asemenea, realizați că va dura 2-3 ani pentru a realiza un film de animație (poate mai mult). În acest timp, din cauza feedback-ului din partea echipei de poveste și a nevoilor de producție, s-ar putea să trebuiască să faceți mai multe (dacă nu chiar zeci și zeci) de rescrieri. Poate părea plictisitor, dar încercați să priviți acest lucru ca pe o mare șansă de a perfecționa scenariul.
Animația este de obicei destinată publicului familial
De când Walt Disney a creat primul lungmetraj de animație Albă ca Zăpada și cei șapte spiriduși în urmă cu peste 80 de ani, marea majoritate a filmelor de animație au fost destinate copiilor.
Deși… la începutul acestui an, Kristine Belson, președintele Sony Pictures Animation, a făcut un comentariu potrivit căruia mai multe filme de animație din viitor vor fi realizate pentru publicul adult și vor aborda subiecte PG-13 sau R-rated.
Într-adevăr, un film precum SAUSAGE PARTY sau un serial de televiziune precum BOJACK HORSEMAN dovedesc că animația poate fi direct destinată publicului adult. În aceste exemple, animația este crucială pentru umorul și imaginația poveștii.
Dar… având în vedere istoria animației și punctele sale forte, majoritatea filmelor de animație vor continua să fie destinate copiilor și publicului de familie. Pentru a urma formula „family-friendly”, cel mai probabil veți avea următoarele:
a) Personajul principal este un copil sau este ca un copil
Dacă filmul dvs. este family-friendly, acest lucru va însemna că personajul principal va fi fie un copil, fie va avea o calitate sau o perspectivă asemănătoare unui copil. Copiii trebuie să se raporteze la personaj, așa că acest lucru este important.
Caracterul dvs. principal ar trebui să aibă calități precum:
- încredere în toată lumea
- nevoie de acceptare
- curiozitate / mirare
- inocență / naivitate
- insecuritate în sine
. dorința de a fi un „adult” / de a avea un scop
Protagonistul tău trebuie să fie, în esență, un personaj cu care un copil care se uită ar putea empatiza. Cineva în care să se regăsească, cineva pe care să îl recunoască sau cineva cu caracteristici pe care să le recunoască. De exemplu, Shrek nu este un copil. Dar identitatea sa de proscris singuratic ajută publicul să empatizeze cu el.
b) Comedie pentru familie
Animația este, de asemenea, bine cunoscută pentru că include comedie. În ultimele decenii, prezentarea unui comediant cunoscut ca personaj secundar a reușit acest lucru cu succes.
Exemple în acest sens sunt Robin Williams în rolul geniului din ALADDIN, sau Eddie Murphy în rolul lui Mushu în filmul de animație original MULAN din 1998 și în rolul lui Donkey din seria SHREK. Acest lucru nu numai că ajută la solidificarea comediei, ci este adesea un semn de bunăvoință pentru părinții copiilor care se uită la film. Un comediant bine cunoscut va ajuta la vânzarea filmului către adulți, iar un rol comic bine caracterizat va ajuta la vânzarea scenariului către respectivul comediant.
Scenariștii spun adesea că scrierea comediei este mai dificilă decât scrierea pentru dramă. În comedie, nu numai că trebuie să echilibrezi o intrigă convingătoare, dar trebuie, de asemenea, să o infuzezi cu dialoguri și situații comice. Și, în multe privințe, scrierea comediei „pentru familie” este, fără îndoială, mai dificilă decât comedia generală.
Nu poți avea
- cuvinte de înjurătură
- referințe sexuale
- violență extremă sau crimă
Poți avea avea
- umor fizic sau de palmă
- umor vulgar (până la un anumit punct)
- referințe la cultura populară
- referințe inteligente și ingenioase la „familie”.prietenoase’ dialoguri
- rezidențe
- o potențială participare la veniturile din merchandising și la vânzările de bilete pe Broadway
- să se asigure că atât membrul, cât și agentul/managerul lor ar trebui să adopte o poziție conform căreia munca lor va fi acoperită de WGA
- să se asigure că este folosit un contract WGA, deoarece acesta le va asigura că vor primi drepturi reziduale, taxe de scenariu, protecție a creditului și contribuții la fondurile de sănătate pentru pensii & ale WGA.
Dacă este cazul, procesul de a scrie pentru publicul de familie vă va face un scriitor de comedie mai puternic, pentru că vă îndepărtează unele dintre instrumentele pe care mulți comedianți și scriitori de comedie se bazează. Vă va forța să învățați cum să creați dialoguri comice inteligente care să fie adecvate pentru toate vârstele.
c) Relații puternice și teme morale
Dar dacă vă gândiți la multe dintre filmele de animație preferate, acestea nu sunt pur și simplu comedii. Ele au relații puternice și autentice (deoarece copiilor le place să vadă întărirea comunității și a familiei). De asemenea, ele vor avea aproape întotdeauna în centrul lor teme morale (deoarece copiii încă învață despre ce este corect și ce este greșit).
Pentru un scenarist acest lucru este important. Scopul și mesajul filmului tău trebuie să se afle chiar la geneza ideii tale de poveste. În cel mai bun caz, filmele de animație pentru copii pot contribui la învățarea acelor copii la o vârstă crucială.
Vă veți observa teme recurente în multe filme de animație – familie, dragoste, prietenie, loialitate, comunitate, bunătate. Mesajul dvs. nu trebuie să se încadreze într-o categorie încercată și testată. Dar, pe o piață supraaglomerată, scenariul dvs. trebuie să aibă un mesaj central util și semnificativ.
d) Muzica și cântatul
Atât copiii cât și adulții iubesc muzica. Din acest motiv, multe filme de animație vor include cântece. Așa că s-ar putea să ajungi să colaborezi cu un compozitor (sau, dacă ești suficient de talentat, să le scrii singur).
Muzica poate fi esențială pentru a ajuta la întreruperea acțiunii și a dialogului. Cei care au copii știu că aceștia nu au adesea cea mai lungă durată de atenție! Muzica și cântecele sunt doar o modalitate de a da varietate acțiunii din filmul tău de animație. Un tempo diferit, un context diferit, un stil diferit – toate acestea ajută la captarea și menținerea privirii pe ecran.
Animația va fi distribuită pentru publicul internațional
Dublare
Distribuția internațională va necesita dublarea filmului în mai multe limbi (uneori chiar și schimbarea animației gurilor personajelor). Gândiți-vă la FROZEN de la Disney și la câte versiuni lingvistice diferite de „Let It Go” au existat. Au existat peste 40 de versiuni diferite, cântate de 40 de cântăreți diferiți, în 40 de limbi diferite.
Nu, nu vi se cere să vă traduceți scenariul în zeci de alte limbi. Dar ar trebui să aveți idei despre cum anumite scene ar putea fi ușor modificate pentru a se potrivi publicului internațional. Unele referințe culturale pur și simplu nu se vor traduce, așa că fiți atenți.
Să luăm de exemplu ZOOTOPIA de la Disney. Pentru scenele cu prezentatorii de știri, ei au animat de fapt diferit pentru diferite țări/limbi. Au folosit animale diferite cu actori vocali diferiți (cei mai mulți prezentatori de știri reali din acele țări). Idei de acest gen ar fi o idee grozavă pe care scenaristul ar trebui să o prezinte în etapa de dezvoltare.
Dar cel mai important, a fi maleabil este esențial. Nu se va aștepta de la tine să schițezi cum ar putea fi diferită o scenă pentru 40 de piețe diferite. Dar lăsând spațiu în scenariu pentru flexibilitate va contribui la lărgirea potențialului său apel.
Marketing + francize
Multe filme de animație importante sunt destinate publicului global și cu scopul de a deveni o franciză globală (adică având mai multe filme și, eventual, seriale TV derivate). Dacă lucrați cu un studio, acest lucru va include campanii internaționale de marketing și publicitate, conținut digital de scurt metraj și crearea de produse de consum (adică jucării, lenjerie de pat, îmbrăcăminte etc.).
Nu, încă o dată, nu veți fi responsabil pentru toate acestea. Dar aceștia sunt factori suplimentari de luat în considerare în timp ce scrieți. Vor dori studiourile să cheltuiască bani pentru comercializarea personajelor tale?
În termeni de scenaristică, ce caracteristici au personajele dumneavoastră care le fac distinctive? Ce anume din lumea poveștii dvs. va face ca publicul să se întoarcă la ea?
Este important să nu vă devansați, gândindu-vă la continuări înainte de a termina scenariul pentru primul episod, de exemplu. Cu toate acestea, dacă te gândești la atractivitatea și distincția elementelor tale de bază în momentul creării lor, s-ar putea să le oferi un potențial mai larg mai târziu.
Scenariștii de animație au mai puține drepturi asupra proprietății decât un scenarist de acțiune live
Dacă vă aflați în Marea Britanie, WGGB (Writers Guild of Great Britain) acoperă, din fericire, în mod egal atât acțiunea live cât și animația (vezi detalii aici).
Dar, dacă vă aflați în SUA, știți că WGA (Writers Guild of America) este sindicatul scriitorilor dominant.
Dar în lumea animației, în timp ce breasla acoperă câteva dintre numeroasele emisiuni TV de animație pentru adulți, inclusiv THE SIMPSONS, BOJACK HORSEMAN și BIG MOUTH, nu acoperă majoritatea proiectelor de animație, în special lungmetrajele de animație.
WGA vs The Animation Guild
În schimb, majoritatea membrilor din industria animației (inclusiv scenariștii) sunt reprezentați de The Animation Guild (I.A.T.S.E. Local 839). Aceasta include mulți scenariști de animație, precum și toți artiștii de animație (dar să știți că puteți fi membru atât al WGA, cât și al The Animation Guild!).
În comparație cu Animation Guild, scriitorii WGA care scriu pentru animație vor primi:
Scriitorii Animation Guild pot încerca să negocieze acestea… dar nu este garantat. De exemplu, scenariștii filmului original de animație THE LION KING din 1994 nu au primit absolut nimic pentru recentul remake live-action.
De ce este împărțit?
Acest lucru se întoarce la istoria animației. Așa cum am mai spus, storyboarding-ul a fost modul în care au fost construite poveștile pentru animație timp de ani de zile. Având în vedere că acest lucru a fost făcut de către animatori, era logic ca „scriitorii” de animație să fie acoperiți de breasla animației. Deși acest lucru s-a schimbat la sfârșitul anilor ’90 și începutul anilor 2000, scenariștii sunt încă împărțiți.
Cum pot obține cât mai mult din contractul meu pentru animație?
Dacă sunteți în principal un scenarist de acțiune live, puteți încerca cu siguranță să obțineți locuri de muncă în animație. Datorită interesului crescut pentru animație (în special în lumina pandemiei Covid-19), WGA a făcut o declarație către scriitorii săi. Aceștia au subliniat că, atunci când negociază pentru a scrie un proiect de animație, membrii WGA ar trebui:
În concluzie:
Asigură-te că animația este cea mai bună formă pe care o poate lua povestea ta. Trebuie să existe un scop distinct în spatele alegerii de a scrie un film de animație. Îmbrățișați libertatea de imaginație pe care o poate oferi un film de animație, folosindu-vă de ea pentru a modela tonul, stilul, narațiunea și personajele scenariului dumneavoastră.
Să fii detaliat în descrierile tale. Amintiți-vă că creați o lume unică și specifică și că scenariul dumneavoastră este primul pas într-un proces care cuprinde echipe de animatori și designeri. Dați frâu liber imaginației, dar fiți eficient și clar în modul în care transmiteți această imaginație.
Un film de animație este un proces lung și exhaustiv, iar storyboarding-ul este esențial pentru acest proces, deoarece descompune scenariul în etape vizuale. În calitate de scenarist, aceasta nu va fi neapărat responsabilitatea ta. Dar este un pas important de reținut atunci când scrieți un scenariu pentru un film de animație, deoarece modul în care scrieți va afecta procesul de storyboarding.
Păstrați concentrarea asupra mesajului și scopului principal al poveștii dvs. și aveți încredere în orice public. Nu fiți condescendent cu un public mai tânăr, dar nici nu vă înduioșați după un public adult.
Mai mult, gândiți-vă la imaginea de ansamblu. Un film de animație are potențialul de a ajunge cu ușurință în întreaga lume. Încercați, pe cât posibil, să vă pregătiți scenariul pentru o astfel de eventualitate.
Pentru că un scenarist este doar o rotiță din multe altele în alcătuirea unui film de animație, se poate simți adesea ca și cum ar fi marginalizat în acest proces. Dacă vă lansați în scrierea unui film de animație, nu fiți naivi în ceea ce privește procesul general de realizare a unui film de animație și ierarhiile care există.
Scrierea unui film de animație ar putea părea o opțiune ușoară, eliminând complicațiile legate de realizarea unui film live action. Dar complexitatea de a da viață unui scenariu rămâne, indiferent dacă lucrezi cu oameni sau cu desene animate.
.