Animator Island bringer dig ugentlige opdateringer med måder at forbedre dine animationsfærdigheder på. Nogle gange er det dog lige så vigtigt at vide, hvad man IKKE skal gøre. Hvilke af disse nemme animationsfejl begår du?
25. Planlæg ikke
Planlægning, såsom thumbnailing og storyboarding, kan nogle gange være forskellen mellem en genial scene og en scene, der skal laves om tolv gange, før den overhovedet når “gennemsnit”. Det kan virke som mere arbejde nu, men det arbejde nu betyder mindre arbejde senere. MEGET mindre. Så hvis du overvejer at springe miniaturebillederne over og gå direkte til en animatic eller fuld animation, så genovervej det!
24. Gør for meget for tidligt
Vi vil alle gerne komme til “de sjove ting” i animation. Brilliante effekter eller sjælfulde karakterpræstationer. Og med alle de værktøjer, vi har i dag, kan det være let at springe frem til disse ting. Det er også en af de hurtigste måder at lave elendig animation på. Principperne og grundlaget er ekstremt vigtigt, og selv om det ikke altid er spændende at lave endnu en hoppeboldtest, er det grundlaget, der vil fange dig, når dine komplicerede scener begynder at falde omkuld. Du skal fokusere din opmærksomhed på det grundlæggende, før du går videre til at genskabe isslottet fra Frozen. (Dette er den største fejl, som begyndere animatorer begår, og som de så sparker sig selv for flere år senere.)
23. Ignorér små problemer tidligt
Du kan putte læbestift på en gris, men det er stadig en gris. Hvis du i animation fanger en pop eller strobe eller noget andet, der bare ikke føles rigtigt i starten, vil ingen “læbestift” (kosmetisk detalje eller kunstnerisk tilsløring) nogensinde rette op på det. Så tag det i stiv arm og find ud af det nu, før du lægger flere lag ovenpå.
22. Find ud af kameraet “senere”
I 3D-animation kan vi falde i den ubehagelige fælde at udskyde planlægningen af komposition og kameraplacering til efter, at vi er gået i gang med den egentlige animation. Sandheden er dog, at det bør være det første, du fastnagler, fordi alle dine formændringer er baseret på, hvor dit kamera er. Du vil ikke kunne snyde noget “til kameraet”, hvis du ikke ved, hvor kameraet vil være, og snyderier ser sjældent godt ud fra alle mulige vinkler. Placer dit kamera og dit layout først.
21. Bryd regler uden at kende reglerne
I animation er det normalt at bryde regler eller modeller. Det er nødvendigt, hvis du vil have mest mulig underholdning pakket ind i din scene. Men ligesom i tip 24 vil du ikke være i stand til at bryde reglerne ordentligt, hvis du ikke har et godt kendskab til de regler, du bryder, og du vil ikke være i stand til at bryde dem ordentligt. Plus hvis noget går galt, vil du ikke have nogen idé om hvorfor. Så lær disse regler, og spil efter dem det meste af tiden! Når så det magiske øjeblik kommer til at snyde noget, vil du forstå, hvorfor du er nødt til at gøre det.
20. Kast dig ud i detaljerne
Detaljer, som f.eks. subtile små bevægelser og sekundær handling, er det, der løfter god animation til fantastisk animation. Det er dog meget nemt at kaste sig over at planlægge og animere disse bits, før hovedparten af dit arbejde er i orden. Hvis den vigtigste bevægelse i din scene er dårlig, vil ingen smarte små bevægelser med et håndled eller kaskader af hårkrøller gøre den bedre.
19. Bevæg alting på én gang
Om og om igen skaber vi fantastiske positurer og ignorerer derefter fuldstændig, hvordan tingene bevæger sig fra den ene til den næste. Golden Poses er en stor del af din tid værd, når du planlægger, men der skal bruges lige så meget energi på, hvordan du kommer fra pose til poseNår du animerer fra pose til pose, definerer animatoren de vigtigste poses først (f.eks. nøgleposes), derefter de næstvigtigste … Mere. Hvis alt bevæger sig på nøjagtig samme tid, kommer det til at kede dit publikum til tårer og føles livløst på skærmen.
18. Få ét skud til at skinne, mens et andet falder fladt
Det gamle ordsprog lyder noget i retning af: “Du er kun så god som din sidste scene”. Samtidig har din sidste scene eller dit sidste skud, som er frisk i publikums bevidsthed, indflydelse på, hvordan seeren modtager det næste, der kommer på skærmen. Hvis du bruger tre uger på at få et billede til at funkle, men det næste er et forhastet rod, vil det elendige billede trække det gode skud ned i glans, ikke omvendt. Det er bedre for dig at lægge kræfter i begge dele, selv om det første ikke når helt op på de samme højder, som hvis du havde brugt al din tid på det alene.
17. Smid den ene fejl ind til sidst
Som opfølgning på #18, hvis du laver et demoreel, og størstedelen af det er fantastisk, men ét lille skud ikke er nær så godt, så vil det ene skud få det hele til at falde til jorden. Det er bedre at klippe det ud og få en kortere reel end at inkludere det og ødelægge dine chancer for det drømmejob, du er ude efter.
16. Glem hvorfor
Du har planlagt din scene ned til mindste detalje, og du er klar til at begynde at animere. Desværre er det let at glemme, at bare fordi DU allerede har brugt lang tid i det øjeblik, som du animerer, er det helt nyt for karakteren! Glem ikke at huske, hvorfor figuren opfører sig på den måde, som du har planlagt, ellers vil det være tydeligt, at figuren bare gennemgår tomme bevægelser i stedet for at leve.
15. Hold for mange dele
Når vi bevæger os, selv om det er noget så subtilt som at skrive på et tastatur, rykker musklerne sig, og nerverne affyrer over hele kroppen. Vi har lavet små, subtile forskydninger i vores balance, og selv bare vejrtrækning ændrer alt fra vores skuldre til vores næsebor. Når du bevæger en figurs arm, kan det være fristende bare at bevæge hans arm, men det er bedre at foretage disse små justeringer i alle dele af ham, så han ikke virker som en statue, der tilfældigvis har ét bevægeligt lem.
14. Hold ikke pauser
Når deadlines truer, er det sidste, du har lyst til at gøre, at holde op med at arbejde intenst mod dit mål. Undersøgelser har dog vist, at rutinemæssige pauser giver sindet (og kroppen – det er hårdt for øjnene og håndleddene at animere!) mulighed for at restituere og arbejde mere produktivt. Så tag dig lidt tid til at slappe af, og SÅ kom i gang igen!
13. Overkomplicer tingene, fordi “det ville se cool ud”
Din opgave som animator er at præsentere tingene så klart som muligt for publikum, så intet kommer i vejen for deres underholdning. Det kan se meget visuelt interessant ud at have en fancy kamerabevægelse, mens din karakter styrter ned ad en gang mod den forestående undergang, men hvis det mister publikum, vil optagelsen være en fiasko. Hold det enkelt, hold det klart. Det vil stadig se cool ud.
12. Bliv stolt
Det er dejligt at føle, at du har gjort dit bedste. Når du træder tilbage fra en animation, du har udformet, og griner af glæde, er det en god dag. Pas dog på. Et par strenge af moderate succeser kan hæve dit stolthedsniveau, og før du ved, hvad der sker, vil du tænke, at du “ikke behøver at lære det” eller “allerede ved nok”. Bliv altid ved med at forbedre dig, og vær altid opmærksom på, hvor meget du IKKE ved. Bliv ved med at gå fremad, se ikke på tingene, som om de er under din værdighed.
11. Kast forslag af dig
Hånd i hånd med #12, er det meget, meget overbevisende at forkæle vores animationer, som om de er vores babyer. Når nogen så kommer med konstruktiv kritik, bliver vi ekstremt defensive og skynder os at beskytte vores børn for enhver pris. Sagen er, at personen på den anden side måske har ret. Der kan være et problem, som du har overset, fordi du er så engageret. Så tag en dyb indånding, træd et skridt tilbage og prøv at se objektivt på det for at se, om det måske KUNNE bruge den ændring i kameravinklen, eller ja, det KUNNE være lidt for kliché.
10. Ram dine beats for sent
Hvis der er en bestemt accent i din lyd (vægt på en stavelse i en dialog eller en lydeffekt, der giver en masse energi til optagelsen), er det værste, du kan gøre, at ramme den for sent. Så hvis du skal begå en fejl, skal du hellere vælge “et billede for tidligt” end “et billede for sent”.
Du kan se hele begrundelsen for dette, sammen med videnskaben bag, i denne video om lyd i animation!
9. Bevæg dig under en følelsesændring
Hvis en figurs følelser ændrer sig, vil du gerne have, at ændringen skal stå i centrum, og at spotlyset skinner skarpt på det øjeblik. I disse øjeblikke skal du holde karakteren i én positur uden en masse andre bevægelser, i det mindste i det splitsekund, hvor ændringen i udtryk og holdning finder sted. Derefter kan du gå over til den næste positur baseret på denne ændring af følelser. Lad være med at ændre følelsen INDEN du bevæger dig til den næste følelsesmæssige positur.
8. Giv ikke dit publikum tid til at absorbere
Det tager 4-6 frames af skærmtiden, før den gennemsnitlige person kan absorbere noget, der sker. Hvis der er et kameraklip, og en handling finder sted med det samme, vil det føles rystende. Arbejd i stedet med en positur eller en pause for at “sætte billedet op”. Det vil give seeren mulighed for at lave en mental note om, hvad der findes på skærmen, før din strålende præstation begynder.
7. Tvilling over det hele
Twinning vil altid snige sig ind i dit arbejde, uanset hvor hårdt du prøver at holde det ude. Det er måske heller ikke nødvendigvis noget indlysende. Små detaljer som øjenbrynene, der er spejlede, men identiske, har bare tendens til at ske, uden at man tænker over det. Husk, at parrede dele, herunder øjenbryn, kan arbejde kollektivt sammen for at fortælle en historie, selv om de gør meget forskellige ting.
6. Sæt læbesynkronisering først
Når en karakter taler, er munden nogle gange den del, der bevæger sig mest på hele kroppen, munden. Så det kan være rimeligt at antage, at det meste af din opmærksomhed skal gå til munden. Det er ikke tilfældet! Det er utroligt, hvad man kan slippe afsted med med hensyn til lip-sync! Det, der er vigtigere, er poserne, der skal forstærke den følelse, der kommer ud af karakterens mund. Når det så er klikket, kan du fokusere på læbernes form.
5. Animer jævnt
Hvis alt er animeret med samme timing og samme mønster og samme afstandSpacing er den afstand, som et element tilbagelægger mellem to frames i en animation. Ved at øge og mindske afstandene … Mere, vil tingene meget hurtigt blive meget kedelige. Der er selvfølgelig undtagelser fra dette (hvis du animerer til den konstante rytme i en musikvideo, måske), men for det meste ønsker du at variere dine bevægelser for at parre hurtigt og langsomt, stort og småt og enhver kontrast, du kan håndtere. Ligesom et godt stykke musik har bløde dele OG høje dele, bør din animation tilbyde en variation, som publikum kan nyde.
4. Lad ingen tid til at tænke
Du ved, hvad der kommer til at ske næste gang. Du har planlagt din scene, og du har lyttet til den lyd, du animerer, 10.000 gange. Fordi du ved det, kan du skynde dig med en reaktion eller bevægelse, før karakteren ville reagere eller bevæge sig naturligt. Dette gælder især for dialog. Karaktererne skal have tid til at bearbejde, hvad den anden siger, før de reagerer. Det kan kun tage et par subtile frames, men det SKAL være der. Ellers vil præstationen virke uautentisk og tvunget.
3. Ignorér alt uden for skærmen
Særligt i 3D-animation kan det være let at glemme, at der er en jordbund nedenunder, hvis du animerer et nærbillede af karakterens ansigt. Men jorden og tyngdeloven gælder stadig. Så hvis hun flytter sin vægt, mens hun taler, skal du sørge for, at det giver mening hele vejen ned til tæerne, ellers ser det ikke afbalanceret ud.
2. Vær en slave af referencer
Referencer er godt. At animere din reference er en forfærdelig, forfærdelig ting at gøre. Referencer er pr. definition kun til for at blive REFERERET til. Den er der ikke til at kopiere. Træk fra den. Iagttag den. Skriv et par noter ned, hvis du har lyst. Så skaber du en forestilling ved hjælp af disse oplysninger, og du skal ikke blot oversætte din reference direkte til karakteren.
1. Lad være med at udforske
Når du når et vist niveau af komfort med at animere, kan du falde ind i en behagelig lille rutine og forlade dig på små tricks og stillinger, som du ved virker. Faren her er, at du holder op med at eksperimentere, og på den måde holder du op med at vokse som kunstner. Selv hvis folk banker på din dør for at hyre dig for din særlige “stil”, skal du ikke være tilfreds med at hvile på laurbærrene. De bedste animatorer bliver ved med at række ud over det, de allerede ved, og skubbe sig selv højere og højere.