Animator Island bringt dir wöchentliche Updates mit Möglichkeiten, deine Animationsfähigkeiten zu verbessern. Manchmal ist es aber genauso wichtig, zu wissen, was man NICHT tun sollte. Welche dieser einfachen Animationsfehler machst du?
25. Nicht planen
Planung, wie z.B. Thumbnails und Storyboarding, kann manchmal den Unterschied zwischen einer brillanten Szene und einer, die zwölfmal überarbeitet werden muss, bevor sie überhaupt „durchschnittlich“ wird, ausmachen. Es mag jetzt nach mehr Arbeit aussehen, aber die Arbeit jetzt bedeutet später weniger Arbeit. SEHR viel weniger. Wenn Sie also erwägen, Thumbnails zu überspringen und direkt zu einem Animatic oder einer vollständigen Animation überzugehen, überdenken Sie es!
24. Zu schnell zu viel machen
Wir alle wollen zu den „lustigen Sachen“ in der Animation kommen. Brillante Effekte oder gefühlvolle Charakterdarstellungen. Und mit all den Werkzeugen, die uns heute zur Verfügung stehen, kann es leicht sein, zu diesen Dingen überzugehen. Das ist auch einer der schnellsten Wege, um schlechte Animationen zu machen. Die Prinzipien und Grundlagen sind extrem wichtig, und obwohl ein weiterer Test mit einem springenden Ball nicht immer aufregend ist, ist es die Basis, die Sie auffangen wird, wenn Ihre komplizierten Szenen zu kippen beginnen. Sie müssen sich auf die Grundlagen konzentrieren, bevor Sie sich daran machen, das Eisschloss aus Frozen nachzubauen. (Das ist der häufigste Fehler, den Animationsanfänger machen und für den sie sich Jahre später schämen.)
23. Ignoriere kleine Probleme von Anfang an
Du kannst einem Schwein Lippenstift auflegen, aber es ist immer noch ein Schwein. Wenn du in der Animation einen Knall oder ein Stroboskop oder etwas anderes entdeckst, das sich am Anfang einfach nicht richtig anfühlt, wird kein noch so großer „Lippenstift“ (kosmetisches Detail oder kunstvolles Abdecken) das Problem jemals beheben. Also nimm es hin und arbeite jetzt daran, bevor du noch mehr Schichten darüber legst.
22. Überlegen Sie sich die Kamera „später“
In der 3D-Animation können wir in die unangenehme Falle tappen, die Planung der Komposition und der Kameraposition aufzuschieben, bis wir mit der eigentlichen Animation begonnen haben. Die Wahrheit ist jedoch, dass dies die erste Sache sein sollte, die man festlegt, weil alle Formveränderungen davon abhängen, wo sich die Kamera befindet. Du wirst nicht in der Lage sein, irgendetwas „in die Kamera“ zu mogeln, wenn du nicht weißt, wo die Kamera sein wird, und Mogeln sieht selten aus jedem möglichen Winkel gut aus. Positioniere deine Kamera und dein Layout zuerst.
21. Brich Regeln, ohne sie zu kennen
In der Animation ist das Brechen von Regeln oder Modellen eine Selbstverständlichkeit. Es ist notwendig, wenn man den größtmöglichen Unterhaltungswert in seine Szene packen will. Aber wie bei Tipp 24 gilt auch hier: Wenn du die Regeln, die du brichst, nicht genau kennst, kannst du sie auch nicht richtig brechen. Und wenn etwas schief geht, haben Sie keine Ahnung, warum. Lernen Sie also diese Regeln, und halten Sie sich die meiste Zeit daran! Wenn dann der magische Moment kommt, etwas zu betrügen, wirst du verstehen, warum du es tun musst.
20. Rush in the details
Details, wie subtile kleine Bewegungen und sekundäre Aktionen, sind das, was eine gute Animation zu einer großartigen Animation macht. Es ist jedoch sehr leicht, sich auf die Planung und Animation dieser Teile zu stürzen, bevor der Großteil der Arbeit fertig ist. Wenn die Hauptbewegung Ihrer Szene schlecht ist, wird sie auch durch kleine Handbewegungen oder kaskadenartige Haarlocken nicht besser.
19. Bewege alles auf einmal
Immer wieder schaffen wir fantastische Posen und ignorieren dann völlig, wie sich die Dinge von einer zur nächsten bewegen. Goldene Posen sind einen großen Teil deiner Zeit bei der Planung wert, aber genauso viel Mühe muss darauf verwendet werden, wie du von Pose zu Pose kommstBeim Animieren von Pose zu Pose definiert der Animator zuerst die wichtigsten Posen (z.B. Schlüsselposen), dann die zweitwichtigsten … Mehr. Wenn sich alles genau zur gleichen Zeit bewegt, wird es Ihr Publikum zu Tode langweilen und auf dem Bildschirm leblos wirken.
18. Lasse eine Einstellung glänzen, während eine andere flach fällt
Das alte Sprichwort sagt so etwas wie „Du bist nur so gut wie deine letzte Szene.“ Gleichzeitig beeinflusst Ihre letzte Szene oder Einstellung, die dem Publikum noch frisch im Gedächtnis ist, wie der Zuschauer die nächste Szene auf dem Bildschirm aufnimmt. Wenn Sie drei Wochen damit verbringen, eine Einstellung zum Glänzen zu bringen, die nächste aber ein überstürztes Durcheinander ist, wird die miserable Einstellung die Brillanz der großartigen Einstellung herunterziehen, nicht umgekehrt. Es ist besser, wenn du dich um beide bemühst, auch wenn die erste nicht ganz so gut ist, wie wenn du deine ganze Zeit nur ihr widmest.
17. Lass den einen Fehler am Ende weg
Wenn du ein Demoreel erstellst und der Großteil davon fantastisch ist, aber eine kleine Aufnahme nicht annähernd so gut ist, wird diese eine Aufnahme alles zum Einsturz bringen. Es ist besser, es herauszuschneiden und ein kürzeres Reel zu haben, als es aufzunehmen und Ihre Chancen auf den Traumjob zu ruinieren, den Sie anstreben.
16. Vergessen Sie das Warum
Sie haben Ihre Szene bis ins kleinste Detail geplant und sind bereit, mit der Animation zu beginnen. Leider vergisst man leicht, dass der Moment, den man gerade animiert, für die Figur völlig neu ist, nur weil man selbst schon viel Zeit darin verbracht hat. Vergiss nicht, dich daran zu erinnern, warum die Figur sich so verhält, wie du es geplant hast, oder es wird offensichtlich, dass die Figur nur leere Bewegungen ausführt, anstatt zu leben.
15. Halte zu viele Teile fest
Wenn wir uns bewegen, selbst wenn es etwas so Subtiles ist wie das Tippen auf einer Tastatur, zucken die Muskeln und die Nerven feuern überall in unserem Körper. Wir machen winzige, subtile Veränderungen in unserem Gleichgewicht, und selbst das Atmen verändert alles, von unseren Schultern bis zu unseren Nasenlöchern. Wenn du den Arm einer Figur bewegst, kann es verlockend sein, einfach nur den Arm zu bewegen, aber besser ist es, diese kleinen Anpassungen in jedem Teil der Figur vorzunehmen, damit sie nicht wie eine Statue wirkt, die zufällig ein bewegliches Glied hat.
14. Legen Sie keine Pausen ein
Wenn Deadlines drohen, ist das Letzte, was Sie tun möchten, eine Pause zu machen, um auf Ihr Ziel hinzuarbeiten. Studien haben jedoch gezeigt, dass routinemäßige Pausen es dem Geist (und dem Körper – Animieren ist anstrengend für Augen und Handgelenke!) ermöglichen, sich zu erholen und produktiver zu arbeiten. Nehmen Sie sich also etwas Zeit, um sich zu entspannen, und machen Sie DANN weiter!
13. Übertreibe es nicht, nur weil es „cool aussieht“
Deine Aufgabe als Animateur ist es, die Dinge für das Publikum so klar wie möglich darzustellen, damit nichts der Unterhaltung im Wege steht. Eine ausgefallene Kamerabewegung, während deine Figur einen Gang hinunterrennt und dem drohenden Untergang entgegenläuft, kann visuell sehr interessant aussehen, aber wenn das Publikum dabei den Überblick verliert, ist die Aufnahme ein Misserfolg. Halten Sie es einfach, halten Sie es klar. Es wird trotzdem cool aussehen.
12. Sei stolz
Es ist schön, wenn du das Gefühl hast, dein Bestes gegeben zu haben. Wenn du von einer Animation, die du erstellt hast, zurücktrittst und vor Freude grinst, ist das ein guter Tag. Aber Vorsicht! Ein paar mäßige Erfolge können Ihren Stolz steigern und bevor Sie wissen, was passiert, denken Sie, dass Sie „das nicht lernen müssen“ oder „schon genug wissen“. Verbessern Sie sich immer weiter, und seien Sie sich immer bewusst, wie viel Sie NICHT wissen. Mache immer weiter, betrachte die Dinge nicht so, als ob sie unter deiner Würde wären.
11. Schließe Vorschläge aus
Hand in Hand mit #12 ist es sehr, sehr verlockend, unsere Animationen zu verhätscheln, als wären sie unsere Babys. Wenn dann jemand konstruktive Kritik äußert, werden wir extrem defensiv und versuchen, unsere Kinder um jeden Preis zu schützen. Das Problem ist, dass die Person auf der anderen Seite Recht haben könnte. Vielleicht gibt es ein Problem, das Sie übersehen haben, weil Sie so engagiert sind. Also atmen Sie tief durch, treten Sie einen Schritt zurück und versuchen Sie, die Sache objektiv zu betrachten, um zu sehen, ob sie vielleicht einen anderen Kamerawinkel gebrauchen KÖNNTE oder ob sie vielleicht ein bisschen zu klischeehaft ist.
10. Treffen Sie Ihre Beats zu spät
Wenn Ihr Ton einen bestimmten Akzent hat (Betonung einer Dialogsilbe oder eines Soundeffekts, der viel Energie in die Aufnahme bringt), ist das Schlimmste, was Sie tun können, ihn zu spät zu treffen. Wenn Sie also einen Fehler machen, dann lieber „ein Bild zu früh“ als „ein Bild zu spät“.
Die vollständige Begründung dafür und die Wissenschaft dahinter sehen Sie in diesem Video über Ton in der Animation!
9. Bewegen Sie sich während eines Emotionswechsels
Wenn sich die Emotion einer Figur ändert, soll diese Änderung im Mittelpunkt stehen und das Scheinwerferlicht auf diesen Moment gerichtet sein. Halten Sie die Figur in diesen Momenten in einer Pose ohne viele andere Bewegungen, zumindest für den Bruchteil einer Sekunde, in der die Veränderung des Ausdrucks und der Haltung stattfindet. Dann können Sie auf der Grundlage dieser Gefühlsänderung zur nächsten Pose übergehen. Ändern Sie die Emotion nicht WÄHREND der Bewegung zur nächsten emotionalen Pose.
8. Geben Sie Ihrem Publikum keine Zeit, etwas zu verarbeiten
Es dauert 4-6 Frames auf dem Bildschirm, bevor der Durchschnittsmensch etwas verarbeiten kann, das gerade passiert. Wenn es einen Kameraschnitt gibt und eine Aktion sofort stattfindet, wirkt das unangenehm. Arbeiten Sie stattdessen mit einer Pose oder einer Pause, um die Aufnahme „vorzubereiten“. So kann sich der Betrachter eine geistige Notiz von dem machen, was auf dem Bildschirm zu sehen ist, bevor Ihre brillante Darbietung beginnt.
7. Überall Zwillinge
Das Gewinnen wird sich immer in Ihre Arbeit einschleichen, egal wie sehr Sie versuchen, es zu vermeiden. Es muss auch nicht etwas Offensichtliches sein. Kleine Details wie die Augenbrauen, die gespiegelt, aber identisch sind, passieren einfach, ohne dass man darüber nachdenkt. Denken Sie daran, dass gepaarte Teile, einschließlich der Augenbrauen, zusammenarbeiten können, um eine Geschichte zu erzählen, auch wenn sie sehr unterschiedliche Dinge tun.
6. Setzen Sie die Lippensynchronität an die erste Stelle
Wenn eine Figur spricht, ist manchmal der Mund der Teil, der sich am meisten am ganzen Körper bewegt. Man könnte also annehmen, dass die meiste Aufmerksamkeit auf den Mund gerichtet werden sollte. Dem ist aber nicht so! Es ist erstaunlich, was man in Sachen Lippensynchronität alles machen kann! Wichtiger sind die Posen, um die Emotionen, die aus dem Mund der Figur kommen, zu verstärken. Wenn das geklappt hat, kannst du dich auf die Form der Lippen konzentrieren.
5. Gleichmäßig animieren
Wenn alles mit dem gleichen Timing, dem gleichen Muster und dem gleichen Abstand animiert wird, ist der Abstand der Abstand, den ein Element zwischen zwei Bildern einer Animation zurücklegt. Durch Vergrößern und Verkleinern der Abstände… mehr, wird es sehr schnell langweilig. Es gibt natürlich Ausnahmen (z. B. Animationen im konstanten Rhythmus eines Musikvideos), aber in den meisten Fällen sollten Sie Ihre Bewegungen variieren, um schnelle und langsame, große und kleine und alle möglichen Kontraste zu verbinden. So wie ein gutes Musikstück leise Stellen UND laute Stellen hat, sollte deine Animation eine Vielfalt bieten, die das Publikum genießen kann.
4. Lass keine Zeit zum Nachdenken
Du weißt, was als nächstes passieren wird. Du hast deine Szene geplant und dir den Ton, den du animierst, 10.000 Mal angehört. Weil du das weißt, kannst du eine Reaktion oder Bewegung überstürzen, bevor die Figur auf natürliche Weise reagieren oder sich bewegen würde. Das gilt besonders für Dialoge. Die Charaktere brauchen Zeit, um zu verarbeiten, was der andere sagt, bevor sie reagieren. Das kann nur ein paar kleine Augenblicke dauern, aber es MUSS da sein. Andernfalls wirkt die Darbietung unauthentisch und gezwungen.
3. Ignoriere alles außerhalb des Bildschirms
Vor allem in der 3D-Animation kann man leicht vergessen, dass es unten einen Boden gibt, wenn man eine Nahaufnahme des Gesichts der Figur animiert. Aber dieser Boden und die Gesetze der Schwerkraft gelten immer noch. Wenn sie also ihr Gewicht verlagert, während sie spricht, müssen Sie sicherstellen, dass es bis zu ihren Zehen Sinn macht, sonst sieht es nicht ausgewogen aus.
2. Seien Sie ein Sklave der Referenz
Referenz ist großartig. Deine Referenz zu animieren ist eine furchtbare, schreckliche Sache. Per Definition ist die Referenz nur dazu da, um auf sie zu VERWEISEN. Sie ist nicht zum Kopieren da. Ziehen Sie von ihr ab. Beobachten Sie sie. Machen Sie sich ein paar Notizen, wenn Sie möchten. Dann kreiere eine Performance mit diesen Informationen, übertrage deine Referenz nicht einfach direkt auf die Figur.
1. Erforsche nicht
Wenn man ein gewisses Maß an Komfort beim Animieren erreicht hat, kann man in einen bequemen Trott verfallen und sich auf kleine Tricks und Posen verlassen, von denen man weiß, dass sie funktionieren. Die Gefahr dabei ist, dass man aufhört, zu experimentieren, und damit aufhört, sich als Künstler zu entwickeln. Selbst wenn die Leute an deine Tür klopfen, um dich für deinen speziellen „Stil“ zu engagieren, solltest du dich nicht auf deinen Lorbeeren ausruhen. Die besten Animationskünstler gehen immer wieder über das hinaus, was sie bereits wissen, und treiben sich selbst immer weiter voran.