Wyspa Animatorów przynosi cotygodniowe aktualizacje ze sposobami na poprawę umiejętności animacji. Czasami jednak równie ważne jest, aby wiedzieć, czego NIE robić. Które z tych łatwych animowanych błędów popełniasz?
25. Nie planuj
Planowanie, takie jak thumbnailing i storyboarding, może czasami stanowić różnicę między genialną sceną a taką, która będzie przerabiana dwanaście razy, zanim nawet osiągnie „średnią”. To może wydawać się więcej pracy teraz, ale ta praca teraz oznacza mniej pracy później. Dużo mniej. Więc jeśli rozważasz pominięcie miniatur i przejście od razu do animatic lub pełnej animacji, przemyśl to jeszcze raz!
24. Zrób za dużo za szybko
Wszyscy chcemy dotrzeć do „fajnych rzeczy” w animacji. Wspaniałe efekty lub uduchowione występy postaci. I ze wszystkimi narzędziami, które mamy dzisiaj, może być łatwo przeskoczyć do przodu do tych rzeczy. Jest to również jeden z najszybszych sposobów na zrobienie kiepskiej animacji. Zasady i fundamenty są niezwykle ważne i choć robienie kolejnego testu odbijającej się piłki nie zawsze jest ekscytujące, to jest to podstawa, która pozwoli ci się złapać, gdy twoje skomplikowane sceny zaczną się przewracać. Musisz skupić swoją uwagę na podstawach, zanim przejdziesz do odtwarzania lodowego zamku z Frozen. (Jest to błąd numer jeden popełniany przez początkujących animatorów, za który potem kopią się po latach.)
23. Ignoruj małe problemy na początku
Możesz nałożyć szminkę na świnię, ale to wciąż świnia. W animacji, jeśli złapiesz pop lub stroboskop lub coś, co po prostu nie czuje się dobrze na początku, żadna ilość „szminki” (kosmetycznych szczegółów lub artystycznego tuszowania) nigdy tego nie naprawi. Więc ssać to i pracować to teraz, zanim dodasz więcej warstw na górze.
22. W animacji 3D możemy wpaść w paskudną pułapkę odkładania planowania kompozycji i umiejscowienia kamery aż do momentu, gdy zaczniemy animować. Prawda jest jednak taka, że powinno to być pierwszą rzeczą, którą się przybija, ponieważ cała zmiana kształtu opiera się na tym, gdzie jest kamera. Nie będziesz w stanie oszukać niczego „do kamery”, jeśli nie wiesz, gdzie ta kamera będzie, a oszustwa rzadko wyglądają dobrze pod każdym możliwym kątem. Ustaw swoją kamerę i układ najpierw.
21. Łam zasady, nie znając zasad
W animacji łamanie zasad lub modeli jest na porządku dziennym. Jest konieczne, jeśli chcesz uzyskać jak najwięcej rozrywki w swojej scenie. Jednak, podobnie jak w przypadku wskazówki 24, jeśli nie masz solidnego pojęcia o zasadach, które łamiesz, nie będziesz w stanie złamać ich prawidłowo. Dodatkowo, jeśli coś pójdzie nie tak, nie będziesz miał pojęcia dlaczego. Więc naucz się tych zasad i graj według nich przez większość czasu! Wtedy, gdy nadejdzie ten magiczny moment, by coś oszukać, zrozumiesz, dlaczego musisz to zrobić.
20. Rush into the details
Details, like subtle little motions and secondary action, are what elevate good animation to great animation. Jest to bardzo łatwe, choć, aby spieszyć się do planowania i animacji tych bitów przed większość swojej pracy jest do snuff. Jeśli główny ruch twojej sceny jest zły, żadne zgrabne małe ruchy nadgarstka lub kaskadowe loki włosów nie sprawią, że będzie lepiej.
19. Poruszaj wszystkim naraz
Czasami tworzymy fantastyczne pozy, a potem całkowicie ignorujemy to, jak rzeczy poruszają się od jednej do drugiej. Złote pozy są warte ogromnej części twojego czasu podczas planowania, ale równie wiele wysiłku trzeba włożyć w to, jak przechodzisz z pozy do pozyPodczas animowania z pozy na pozę animator definiuje najpierw najważniejsze pozy (np. kluczowe), a następnie drugie, najbardziej … Więcej… Jeśli wszystko porusza się dokładnie w tym samym czasie, zanudzi to Twoją widownię do łez i sprawi wrażenie braku życia na ekranie.
18. Make one shot shine while another falls flat
Stare porzekadło mówi coś w stylu „Jesteś tylko tak dobry, jak twoja ostatnia scena”. Jednocześnie twoja ostatnia scena lub ujęcie, świeże w umyśle widza, wpływa na to, jak widz odbiera kolejną rzecz na ekranie. Jeśli poświęcisz trzy tygodnie na to, by jedno ujęcie błyszczało, ale następne będzie w pośpiechu zmarnowane, to kiepskie ujęcie obniży blask tego świetnego, a nie odwrotnie. Lepiej dla ciebie, aby umieścić wysiłek w obu, nawet jeśli pierwszy nie całkiem osiągnąć wyżyny może, gdybyś poświęcił cały swój czas tylko do niego.
17. Toss in that one mistake at the end
As a follow up to #18, if you create a demo reel and the majority of it is fantastic, but one little shot is not nearly as good, that one shot is going to bring everything crashing down. Lepiej go wyciąć i mieć krótszy kołowrotek niż go zawrzeć i zrujnować swoje szanse na tę wymarzoną pracę, po której jesteś.
16. Zapomnij dlaczego
Zaplanowałeś swoją scenę, aż do najmniejszego szczegółu, i są gotowe, aby rozpocząć animacji. Niestety łatwo jest zapomnieć, że tylko dlatego, że TY spędziłeś już dużo czasu w momencie, który animujesz, jest on zupełnie nowy dla postaci! Nie zapomnij pamiętać, dlaczego postać zachowuje się tak, jak zaplanowałeś, bo inaczej będzie oczywiste, że postać wykonuje tylko puste ruchy, zamiast żyć.
15. Trzymaj zbyt wiele części
Kiedy się poruszamy, nawet jeśli jest to coś tak subtelnego jak pisanie na klawiaturze, mięśnie drgają, a nerwy strzelają w całym naszym ciele. Zrobiliśmy małe, subtelne przesunięcia do naszej równowagi i nawet tylko oddychanie zmieni wszystko od naszych ramion do naszych nozdrzy. Kiedy jesteś w ruchu ramię postaci, to może być kuszące, aby JUST przenieść jego ramię, ale lepiej jest zrobić te małe korekty w każdej części niego tak on nie’ pojawiają się jak posąg, który zdarza się mieć jedną ruchomą kończynę.
14. Nie rób sobie przerw
Kiedy zbliżają się terminy, ostatnią rzeczą, jaką chcesz zrobić, jest przerwanie wściekłej pracy w kierunku swojego celu. Badania wykazały jednak, że rutynowe przerwy pozwalają umysłowi (i ciału – animowanie jest ciężkie dla oczu i nadgarstków!) zresetować się i pracować bardziej produktywnie. Więc poświęć trochę czasu na relaks, a potem wróć do tego!
13. Zbytnie komplikowanie rzeczy, ponieważ „wyglądałoby to fajnie”
Twoją pracą jako animatora jest przedstawienie rzeczy w sposób jak najbardziej przejrzysty dla widzów, więc nic nie stoi na przeszkodzie ich rozrywce. To może wyglądać bardzo interesujące wizualnie, aby mieć fantazyjny ruch kamery, podczas gdy twoja postać jest dashing w dół korytarza w kierunku nieuchronnej zagłady, ale jeśli traci publiczność, strzał będzie porażką. Zachowaj prostotę, zachowaj przejrzystość. To nadal będzie wyglądać cool.
12. Bądź dumny
Świetnie jest czuć, że dałeś z siebie wszystko. Kiedy cofasz się od animacji, którą stworzyłeś i uśmiechasz się z zadowoleniem, to jest dobry dzień. Uważaj jednak. Kilka ciągów umiarkowanych sukcesów może podnieść poziom twojej dumy i zanim się zorientujesz, co się dzieje, będziesz myślał, że „nie musisz się tego uczyć” lub „już wiesz wystarczająco dużo”. Zawsze się doskonal i zawsze bądź świadomy tego, jak wiele jeszcze NIE wiesz. Podążaj naprzód, nie patrz na rzeczy tak, jakby były poniżej ciebie.
11. Odrzucaj sugestie
W parze z #12, bardzo, bardzo zniewalające jest rozpieszczanie naszych animacji, jakby były naszymi dziećmi. Następnie, gdy ktoś podniesie konstruktywną krytykę, stajemy się niezwykle defensywni i spieszymy się, by chronić nasze dzieci za wszelką cenę. Rzecz w tym, że ta osoba po drugiej stronie może mieć rację. Może istnieć problem, który przeoczyłeś, ponieważ jesteś tak bardzo zaangażowany. Więc weź głęboki oddech, krok do tyłu, i spróbować spojrzeć na to obiektywnie, aby zobaczyć, czy może to COULD używać, że zmiana w kącie kamery lub tak, to MIGHT być trochę zbyt cliché.
10. Hit swoje bity późno
Jeśli jest zdecydowany akcent do dźwięku (nacisk na sylabę dialogu, lub efekt dźwiękowy, który przynosi dużo energii do strzału) najgorszą rzeczą, jaką możesz zrobić, to uderzyć go późno. Więc jeśli masz zamiar błądzić, błądź po stronie „jednej klatki wcześnie”, a nie „jednej klatki późno.”
Możesz zobaczyć pełne uzasadnienie tego, wraz z nauką za nim, w tym filmie na temat dźwięku w animacji!
9. Poruszaj się podczas zmiany emocji
Jeśli emocje postaci się zmieniają, chcesz, aby ta zmiana zajęła centralne miejsce na scenie z jasnym światłem reflektorów świecących na ten moment. W tych czasach, zachować postać w jednej pozie bez dużo innych ruchów, przynajmniej na ułamek sekundy zmiana w ekspresji i postawy ma miejsce. Potem możesz przejść do następnej pozy, bazując na tej zmianie emocji. Nie zmieniaj emocji W TRAKCIE przechodzenia do następnej emocjonalnej pozy.
8. Nie dawaj widzom czasu na przyswojenie
Trzeba 4-6 klatek czasu ekranowego, zanim przeciętna osoba będzie w stanie przyswoić coś, co się dzieje. Jeśli jest cięcie kamery i akcja odbywa się natychmiast, to będzie czuć szarpanie. Zamiast tego pracuj w pozie lub pauzie, aby „ustawić ujęcie”. Pozwoli to widzowi zanotować w myślach to, co istnieje na ekranie, zanim zacznie się twój genialny występ.
7. Bliźniak na całego
Zwycięstwo zawsze wkradnie się do twojej pracy, bez względu na to, jak bardzo starasz się je utrzymać. Może to nie być coś oczywistego. Małe szczegóły, takie jak brwi będące lustrzanym odbiciem, ale identyczne, zdarzają się bez zastanowienia. Pamiętaj, że sparowane części, w tym brwi, mogą kolektywnie pracować razem, aby opowiedzieć historię, nawet jeśli robią bardzo różne rzeczy.
6. Umieść lip-sync pierwszy
Gdy postać mówi, czasami część, która porusza się najbardziej na całym ciele jest usta. Można więc rozsądnie założyć, że większość uwagi powinna być skierowana na usta. Nie tak! To zadziwiające, co może ujść Ci na sucho, jeśli chodzi o lip-sync! Ważniejsze są pozy, które wymuszają emocje, które wydobywają się z ust postaci. Potem, kiedy to już kliknie, możesz skupić się na kształtach ust.
5. Animuj równomiernie
Jeśli wszystko jest animowane z tym samym timingiem, i tym samym wzorem, i tym samym odstępemOdstęp to odległość, jaką element pokonuje między dwiema klatkami animacji. Zwiększając i zmniejszając odstępy… Więcej, rzeczy staną się bardzo nudne bardzo szybko. Istnieją wyjątki od tego, oczywiście (animowanie do stałego rytmu teledysku, być może), ale w przeważającej części chcesz zróżnicować swoje ruchy, aby połączyć szybkie i wolne, duże i małe, i każdy kontrast można zarządzać. Podobnie jak dobry kawałek muzyki ma miękkie części I głośne bity, Twoja animacja powinna oferować różnorodność dla publiczności cieszyć.
4. Nie zostawiaj czasu do namysłu
Wiesz, co będzie się działo dalej. Zaplanowałeś swoją scenę, a audio, które animujesz, przesłuchałeś 10 000 razy. Ponieważ wiesz, możesz przyspieszyć reakcję lub ruch, zanim postać zareagowałaby lub poruszyła się w sposób naturalny. Jest to szczególnie prawdziwe w przypadku dialogów. Postacie potrzebują czasu, aby przetworzyć to, co mówi druga osoba, zanim zareagują. Może to zająć tylko kilka subtelnych klatek, ale musi tam być. W przeciwnym razie przedstawienie będzie wydawać się nieautentyczne i wymuszone.
3. Ignoruj wszystko poza ekranem
Szczególnie prawdziwe w animacji 3D, może być łatwo zapomnieć, że istnieje ziemia w dole, jeśli animujesz zbliżenie twarzy postaci. Ale ta ziemia i prawa grawitacji nadal obowiązują. Jeśli więc postać przesuwa swoją wagę podczas mówienia, upewnij się, że ma to sens aż do palców u stóp, bo inaczej nie będzie wyglądać na zrównoważone.
2. Bądź niewolnikiem odniesienia
Odniesienie jest świetne. Animowanie referencji jest straszną, okropną rzeczą do zrobienia. Z definicji, referencja jest tam tylko po to, aby się do niej ODNOSIĆ. Nie jest tam po to, aby go kopiować. Wyciągnij z niego. Obserwuj je. Zanotuj kilka notatek, jeśli chcesz. Następnie stwórz przedstawienie z wykorzystaniem tych informacji, nie przekładaj po prostu swojego odniesienia bezpośrednio na postać.
1. Nie odkrywaj
Kiedy osiągniesz pewien poziom komfortu animowania, możesz wpaść w wygodną małą koleinę i polegać na małych sztuczkach i pozach, które wiesz, że działają. Niebezpieczeństwo polega na tym, że przestajesz eksperymentować, a przez to przestajesz rozwijać się jako artysta. Nawet jeśli ludzie pukają do twoich drzwi, by zatrudnić cię za twój konkretny „styl”, nie zadowalaj się spoczywaniem na laurach. Najlepsi animatorzy wciąż sięgają poza to, co już wiedzą i pchają się wyżej i wyżej.
.