Die Rückkehr von Blur hat das DiS-Team in Aufruhr versetzt. Um das zu feiern, haben wir versucht, eine „definitive Liste“ ihrer besten Songs zusammenzustellen.
Warte! Was?! Blur sind zurück??? Ja, falls ihr von ihrer großen Ankündigung noch nichts mitbekommen habt, sie spielen am Samstag, den 20. Juni 2015 im Hyde Park (mehr Infos). Außerdem solltet ihr euch den 27. April 2015 in eurem Kalender markieren, denn an diesem Tag erscheint ein brandneues Album von Damon, Graham, Alex und Dave. Das Album trägt den Titel The Magic Whip, und ihr könnt ‚Go Out‘ daraus in unserer YouTube-Playlist unten hören…
21) Go Out
Marc Burrows: Von allen Epochen von Blur, zu denen man zurückkehren kann, würde man nicht erwarten, dass „The Great Escape“ die erste Wahl für eine neue Single ist, doch genau diese Ära der Band wird hier am stärksten beschworen. Die „oh-oh-ohs“ und Coxons schmetternde Anti-Soli und Entladungen stammen alle aus dieser Ära. Albarn ist auch wieder dabei, Charaktere zu skizzieren – dies ist das Hongkong von „zu viele westliche Männer, oberster Knopf offen“, es ist sprudelnd und brillant und völlig unerwartet und ganz, ganz einzigartig für Blur. Eine erheiternde Rückkehr.
Sean Adams: Erwarte, dass dies die Liste nach oben schießt, nachdem wir es mehr als dreimal gehört haben.
20) The Universal
Russell Warfield: Es gibt nicht viele stadiongroße Kracher, die so effektiv eine tiefe Traurigkeit mit einem so erhebenden Triumph mischen. Der Trick liegt in der Zweideutigkeit des Refrains. Ist es das leere Versprechen auf universelle Erfüllung? Oder die aufrichtige Hoffnung auf ein besseres Leben? Gepaart mit DIESEM Aufblühen von Bläsern und Streichern hat man ein seltenes Beispiel für einen Song, der für jede einzelne Sportmontage, jedes Feuerwerk, jede Glasto-Vorschau, jeden Werbespot für Versorgungsunternehmen und jeden Wohltätigkeitsaufruf verwendet wird, den man in seinem ganzen verdammten Leben gesehen hat, weil er wirklich, wirklich, wirklich so gut ist.
Sean Adams: Das Problem mit Blur ist, dass dies vielleicht ihr bester Song ist, aber er ist so sehr Teil unserer nationalen DNA, dass es schwer ist, ihn jemals wirklich zu hören, ohne dass eine Montage aus den Trümmern von fast zwei Jahrzehnten Popkultur und persönlichen Erinnerungen vor deinem geistigen Auge aufblitzt. Es ist ein wunderschönes Lied, das vielleicht der Reihenfolge dieser Liste Hohn spricht.
19) Death Of A Party
Russell Warfield: Das selbstbetitelte Album von 1997 war der Zeitpunkt, an dem Blur die typisch britischen Unsicherheiten hinter sich ließen und begannen, allgemeinere Themen der Verdrängung zu erforschen. Die Melancholie dieses Albums ist unerträglich zurückhaltend, ungebremst von der Satire früherer Platten und ohne den emotionalen Bombast von späteren Werken wie Tender. Das traurige, schräge Death Of A Party ist ihr bestes Beispiel für diese seltsam distanzierte Stimmung, die sie nie richtig aufgegriffen haben.
18) Dan Abnormal
Christopher McBride: Nicht, weil es ihr bester Song ist (oder sogar der beste Song auf The Great Escape), sondern weil er mich vor ein paar Jahren dazu inspiriert hat, einen Webcomic über einen Britpop/Indie-liebenden Außerirdischen gleichen Namens zu schreiben, der allerlei Unfug anstellt. Naja, ich sage inspiriert, weil es nie die Annalen meines Geistes verlassen hat, weil a) ich nicht zeichnen kann und b) es eine schreckliche, schreckliche Idee war.
17) Sing
Jon Falcone: Ich schloss mich dem Hoi-Polloi zum erwarteten Zeitpunkt des Blur vs. Oasis-Medienrausches an, liebte The Great Escape und natürlich die Singles von Parklife. Dass ich dann in der Lage war, zurück zu gehen und mir den Backkatalog anzusehen, war eine neue Erfahrung für mich und eine, die in den meisten Fällen eindeutig bewies, dass die früheren Sachen die besten sind (zumindest bis Blur herauskam). Es ist ihr bester Song, I rex.
16) Country House
Marc Burrows: Ich weiß, ich weiß. Hör auf, mich so anzuschauen. ‚Country House‘ ist das Interessanteste, was Blur je gemacht haben. Ignorieren Sie den Knie-auf-Mutter-Braun-Refrain und die abgehalfterten Bläser, und ignorieren Sie auf jeden Fall das Video. Dies ist das Werk einer Band, die völlig am Rande des Wahnsinns steht. Graham, der in dieser Zeit versucht hat, sich aus dem Fenster zu stürzen, spickt den Song mit einem schrägen, disharmonischen Art-Rock-Solo, das „blow, blow me out“ klingt nach Pink Floyd und dem Ganzen liegt ein kranker, unangenehmer Unterton zugrunde. Es ist verrückt und schräg und ein bisschen beunruhigend, während es sich als Music-Hall tarnt. Das ist Blur als missverstandenes Pop-Art-Projekt.
15) She’s So High
Marc Burrows: Die am demokratischsten geschriebene Single von Blur: Alex schrieb die Akkordfolge, Graham schrieb das Riff, Damon schrieb die Refrains. Der Song klingt wie Oasis zwei Jahre vor ihrer Gründung und hat eine hypnotische Anziehungskraft, indem er eine schlingernde, seekranke Gitarrenfigur mit einem trägen, sackartigen Beat verbindet. Damons „I want to crawl all over her“ ergibt nicht den geringsten Sinn, aber die Bilder sind auf seltsame Weise suggestiv. Wahrscheinlich bedeutet es ihnen mehr als uns (sie eröffneten damit ihre Comeback-Shows), was auf seine eigene Art ein Grund ist, es zu feiern. Es war eine Doppel-A-Seite, aber niemand erinnert sich daran.
14) Badhead
Paul Brown: Eines der besten Dinge an Blur ist die Tatsache, dass es so viele Gründe gibt, sie zu lieben, wie es Leute gibt, die es tun. Für mich war ihre größte Stärke ihre Fähigkeit, Traurigkeit im Kontext eines scheinbar fröhlichen Popsongs darzustellen, und Badhead, das sich auf Parklife unpassend zwischen Bank Holiday und The Debt Collector einreiht, verkörpert das. Die nicht allzu subtilen (und furchtbar 90er) Bläsersätze und die zwitschernde Marr-Gitarre sorgen für ein wunderschönes, sonnendurchflutetes Spektakel, bevor der Refrain einsetzt und eine von Damons besten übermütig-schüchternen Stimmen auf die Parade regnet, und uns dabei einen köstlichen Hinweis auf die Melancholie gibt, die auf späteren Blur-Platten folgen sollte.
13) Beetlebum
Marc Burrows: ES GEHT UM HEROIN, WEISST DU. Und es klingt wie ‚The Beatles‘. Das ist clever, denn zu der Zeit war eine Art Beatle-Manie um Oasis entstanden, deren verrückte Mätzchen und Stadionknaller Blur ein wenig altmodisch erscheinen ließen. Albarns Gegenschlag war brillant – eine schwermütige, wunderschöne, nickende Ballade, die flüsterte: „Hey Leute, falls ihr es noch nicht bemerkt habt, wir waren die ganze Zeit die kreativen Sonderlinge und wir sind brillant darin. Schiebt eure Arenen.“ In diesem Prozess haben sie wohl ihren perfekten Moment geschaffen.
12: No Distance Left to Run
Paul Faller: Manchmal gibt es keine Boshaftigkeit, wenn es zu einer Trennung kommt. Man wünscht der anderen Person das Beste, auch wenn sie aus deinem Leben verschwunden ist. Man will sie nicht mehr sehen – nicht aus Bosheit oder Hass, sondern einfach, weil es zu sehr schmerzt, es zu tun. Albarn fängt dieses Gefühl der absoluten emotionalen Erschöpfung auf „No Distance Left To Run“ treffend ein – sein ergreifender Text kombiniert sich mit Coxons zusammenbrechender, disharmonischer Gitarrenlinie, um aus einer absolut miserablen Situation etwas Schönes zu machen.
11) Werbung
Dom Gourlay: Das moderne Leben mag Mist gewesen sein, aber diese zwei Minuten ungebremster Freude versicherten den Zweiflern, dass Blur es nicht waren. Gegen die Flut von identischem Grunge und den baldigen Fahnenträgern des Union Jack ließ „Advert“ die Fackel wieder aufleben, die Blur ein paar Jahre zuvor mit ihren makellosen frühen 45ern entzündet hatten. Dass es nicht als Single veröffentlicht wurde, spricht wahrscheinlich Bände für den Rest von „Modern Life Is Rubbish“, aber für mich war es das Herzstück des Albums und ihrer Liveshows zu dieser Zeit.
10) Out of Time
Sean Adams: Wenn man bedenkt, dass Damon vor allem für seine Hits wie ‚Parklife‘ und ‚Song 2‘ bekannt ist, obwohl er einige der großartigsten und herzzerreißendsten Balladen geschrieben hat, die jemals auf Tonband aufgenommen wurden, muss das für ihn ein bisschen frustrierend sein (obwohl ich mir sicher bin, dass die große Summe auf seinem Bankkonto und die damit verbundene Freiheit das mehr als wettmacht). Out of Time“ könnte leicht als ein bassbetriebener Radiohead-Soft-Song abgetan werden, aber seine Texturen (das Gleiten der Finger auf der Gitarre, das Gerede der Menge, die Sitar(?) und was auch immer dieser umgekehrte Saiten-/Fernzug-Sound im Refrain ist, der sich anhört, als würde ein Stern implodieren) und die Menschlichkeit in seiner Stimme erheben diesen sanften, scheinbar trostlosen Song in etwas Erschütterndes und voller Wunder.
9) Ambulance
Hayden Woolley: Wer hätte je gedacht, dass aus dem Aufruhr, der Blur während der Entstehung von Think Tank umgab, eine solche Schönheit hervorgehen könnte? Aber hier ist sie. Wie alle großartigen Eröffnungsstücke zieht er einen in seinen Bann, eine Hypnose auf niedrigem Niveau, die auf flatternden Beats mit Schlangencharme aufbaut und von den trägen Basslinien umspielt wird. Es ist ein beruhigender, sich wiederholender Tagtraum, der sich so natürlich entfaltet wie das Atmen selbst. Es ist der Sound von Blur, der das Lexikon des Rock und Pop erweitert, und so schön wie alles, was sie je produziert haben.
8) Blue Jeans
Gemma Samways: So sehr ich die Eindringlichkeit von „Popscene“ und die üppige Orchestrierung von „For Tomorrow“ auch liebe, Blur sind am besten, wenn sie sich im dezent-melancholischen Modus befinden. Mit seiner schlendernden Gitarrenmelodie, dem zyklischen Rhythmus, dem wehmütigen Gesang und den warmen, akkordeonartigen Keyboardeffekten schreit „Blue Jeans“ nicht nach Brillanz, vor allem, weil es das nicht nötig hat. Bestnoten auch für die wohl einzige Erwähnung von „luftgepolsterten Sohlen“ in der Geschichte des Indie-Pop.
7) 1992
Andrzej Lukowski: 13 ist die beste britische Platte der 1990er Jahre (das ist sie, halt die Klappe) und „1992“ ist ihre Apotheose – sie ist umwerfend traurig, mühelos schön und völlig losgelöst von allem anderen, was zu dieser Zeit in der Musik passierte. Das Aufflackern der Rückkopplung, das langsam anschwillt und anschwillt und sich dann in einer traurigen Feuersbrunst entlädt, ist einfach überwältigend, wie ein Scheiterhaufen für das ganze Jahrzehnt.
6) Fools Day
Marc Burrows: Die Single, die nie hätte erscheinen sollen. Die Wiedervereinigung, Hyde Park und Glastonbury waren gekommen und gegangen und viele vermuteten, dass es das war – sie hatten das alte Mädchen stilvoll verabschiedet. Ein letzter Lauf um den Block. Dann, plötzlich, eines Morgens, „an einem kalten Tag im Frühling“, tauchte ‚Fools Day‘ auf und warf alle um. Es ist zwar kein eiskalter Klassiker, aber allein die Tatsache, dass es ihn gibt, macht ihn zu etwas Besonderem – plötzlich konnten wir sie wieder hören, und zwar richtig, nicht nur die Oldies, sondern wirklich, wirklich Blur. Damon schwärmt mit trüben Augen von der „Liebe zu alter, süßer Musik“, Alex hat seinen Groove, und dann, und dann, gerade wenn man sich fragt, wo das alles hinführen könnte, schlägt Graham diese Gonzo-Spiralen an und es ist einfach… herrlich. Sie sind da. Sie sind echt. Wir feierten nicht mehr nur die Vergangenheit, plötzlich hielten wir an der Zukunft fest, und die ganze Welt fühlte sich dadurch ein bisschen besser an.
5) On Your Own
Gavin Miller: Als es herauskam, hatte ich mit Elektronik nicht viel am Hut und war so ziemlich ein vollwertiges Mitglied des Britpop-Clubs, also war ich etwas verwirrt, als ich diese seltsamen Synthesizer-Squelches, dieses erstaunliche glitched Gitarrenriff und die große, druckvolle Drum-Maschine hörte. Konnte ich das mögen? Ist das noch ‚richtige Musik‘? Wird die Indie-Polizei kommen und mich abführen, weil ich es mag? Dann, nach etwa 5 Minuten, vergaß ich den ganzen Scheiß und beschloss, dass ich es absolut liebte.
Marc Burrows: ‚On Your Own‘ Fakt: Der Gitarrenpart wurde in einem Take gemacht, weil Graham sich weigerte, ihn noch einmal zu spielen.
4) Look Inside America
James Skinner: „Well we played last night / It was a good show“, singt Albarn in der ersten Strophe von ‚Look Inside America‘. Und dann: Graham Coxons leichte, aber wirkungsvolle Leadgitarrenlinie, gefolgt von einem Aufblühen der Streicher und dem eigentlichen Song. Je nachdem, wie man es betrachtet, handelt es sich um eines der unscheinbareren Stücke auf einer der umstrittensten LPs der Band oder – und so sehe ich es am liebsten – um einen Schlüsselmoment auf einem Album, das sich als entscheidender Wendepunkt für die Gruppe erweisen sollte. Zwischen den deutlich kratzigeren, dunkleren Stücken wie „I’m Just a Killer for Your Love“ und „Strange News From Another Star“ erzählt Albarn von der Langeweile des Lebens auf Tour in den USA auf eine Art und Weise, die müde und doch triumphierend ist; mit Sicherheit abgefahren, aber dennoch so unwiderstehlich und melodisch wie die besten Stücke der Band. (Auch eine tolle Zeile über Annie Hall.)
3) Star Shaped
Sean Adams: Alles, was an Blurs Songwriting großartig ist, und ihr typisch britisches Wesen, verdichtet in einem perfekten Popsong. Da ist der Pomp und die Albernheit von Queen in dem „For! The! Future!“-Stücke schlurfen neben den waffenschwingenden, leicht bissigen Morrissey-Vignetten der Strophen; in der Mitte des Songs knurrt Coxons Gitarre, während das Schlagzeug knallt, als sei es aus „Let’s Dance“ gesampelt worden. Und dann ist da noch das elegante Outro, das einen – ähnlich wie bei „The Universal“, „No Distance Left to Run“ usw. – irgendwie wieder auf den Boden der Tatsachen zurückholt, nachdem man die letzten drei Minuten auf einem Pogo-Stick herumgewippt ist. Schneide fast jeden Song von Coxon & Co in der Mitte durch, und du wirst eine Sternform finden, die sich durch den Kern zieht.
2) Song 2
Derek Robertson: Ja, er ist groß, schrill und nicht besonders clever – und es liegt eine gewisse Ironie in der Tatsache, dass Blur, die Könige des Bogens, des sozialen Kommentars und des intelligenten, zukunftsweisenden Pops, ihren größten Erfolg damit erzielten, dass sie das Buch der Drei-Akkord-Songs verdummten und klauten – aber dieses Riff! Diese Wut! Es war ein reiner Adrenalinstoß, ein Voll-Rock, wie geschaffen für Teenager, die sich auf Hauspartys betrinken. Woo hoo, in der Tat.
1) End Of A Century
Robert Leedham: Damon Albarn hat eine Karriere daraus gemacht, sentimentaler zu sein als der durchschnittliche Kauz. Wenn er nicht gerade mit Elefantenbabys abhängt, singt der Frontmann von Blur in einfachen Worten über Männlichkeit, das mittlere Alter und das moderne Unbehagen. Es ist nichts Besonderes“, verkündet er in „End Of A Century“, aber das stimmt nicht. Musik ist dazu da, dass man sich mit ihr identifizieren kann, und Albarn hat selten menschlicher gewirkt als auf dem angstbesetzten Höhepunkt von Parklife. Er sitzt zu Hause, umgeben von einer liebevollen Freundin und dem warmen Schein seines Fernsehers, und ist immer noch unruhig. Ist das alles, was 100 Jahre menschlicher Fortschritt zu bieten haben? Keine Sorge, Damon, wir haben jetzt Netflix.
Zugehörige Lektüre:
1) Besprochene Wiederveröffentlichungen: Leisure, Modern Life is Rubbish, Parklife, The Great Escape, Blur, 13, und Think Tank.
2) Live Review: Blur in Hyde Park, August 2012.
3) Leave ‚Mr Tembo‘ Alone: Damons Mercury-nominiertes Album ist großartig
4) Damon Albarn: The Appiest Man in Showbiz?
5) The Cribs: 21 Best Songs