Animator Island brengt je wekelijkse updates met manieren om je animatievaardigheden te verbeteren. Soms is het echter net zo belangrijk om te weten wat je NIET moet doen. Welke van deze gemakkelijke animatiefouten maak jij?
25. Niet plannen
Planning, zoals thumbnailing en storyboarding, kan soms het verschil zijn tussen een briljante scène en een die twaalf keer opnieuw moet worden gedaan voordat hij zelfs maar “gemiddeld” wordt. Het lijkt misschien meer werk nu, maar dat werk nu betekent minder werk later. VEEL minder. Dus als je overweegt om thumbnails over te slaan en direct naar een animatiefilm of volledige animatie te gaan, denk daar dan nog eens over na! Te snel te veel doen
We willen allemaal “de leuke dingen” doen in animatie. Briljante effecten of zielvolle karakterprestaties. En met alle hulpmiddelen die we vandaag de dag hebben, kan het gemakkelijk zijn om op die dingen vooruit te lopen. Het is ook een van de snelste manieren om een waardeloze animatie te maken. De principes en fundamenten zijn uiterst belangrijk, en hoewel het niet altijd opwindend is om weer een stuiterbaltest te doen, is het de basis die je zal opvangen als je ingewikkelde scènes beginnen om te vallen. Je moet je aandacht richten op de basis voordat je overgaat tot het nabouwen van het ijskasteel uit Frozen. (Dit is de nummer één fout die beginnende animators maken en waar ze zichzelf jaren later voor schoppen.)
23. Negeer kleine problemen in een vroeg stadium
Je kunt lippenstift op een varken doen, maar het blijft een varken. Als je in een animatie een pop of stroboscoop ziet of iets dat in het begin gewoon niet goed aanvoelt, zal geen enkele hoeveelheid “lippenstift” (cosmetisch detail of kunstzinnige cover-up) het ooit oplossen. Dus doe het nu voordat je er nog meer lagen overheen gooit. Bepaal de camera “later”
In 3D-animatie kunnen we in de vervelende val trappen om het plannen van de compositie en het plaatsen van de camera uit te stellen tot nadat we met de eigenlijke animatie zijn begonnen. De waarheid is echter, dat dit het eerste moet zijn wat je vastlegt, omdat al je vormveranderingen gebaseerd zijn op waar je camera staat. Je zult niet in staat zijn om iets “naar de camera” te cheaten als je niet weet waar die camera zal zijn, en cheats zien er ZEKER niet goed uit vanuit elke mogelijke hoek. Plaats je camera en lay-out eerst.
21. Breek regels zonder ze te kennen
In animatie is het breken van regels of modellen aan de orde van de dag. Het is noodzakelijk als je het meeste entertainment in je scène wilt stoppen. Maar, net als bij tip 24, als je de regels die je breekt niet goed kent, kun je ze ook niet goed breken. En als er iets fout gaat, heb je geen idee waarom. Dus leer die regels, en speel er het grootste deel van de tijd volgens! Dan, als dat magische moment komt om iets te bedriegen, zul je begrijpen waarom je het moet doen.
20. Ga in op de details
Details, zoals subtiele kleine bewegingen en secundaire actie, zijn wat goede animatie verheft tot geweldige animatie. Het is echter heel gemakkelijk om je te haasten met het plannen en animeren van die details voordat het grootste deel van je werk af is. Als de hoofdbeweging van je scène slecht is, zal geen enkele handige polsbeweging of haarkrul het beter maken.
19. Beweeg alles tegelijk
Keer op keer creëren we fantastische poses en dan negeren we totaal hoe dingen van de ene naar de volgende bewegen. Gouden poses zijn een groot deel van je tijd waard bij het plannen, maar net zo veel moeite moet gaan naar hoe je van pose naar pose komtWanneer je pose naar pose animeert, definieert de animator eerst de belangrijkste poses (bijv. sleutelposities), dan de op een na belangrijkste … meer. Als alles op precies hetzelfde moment beweegt, verveelt je publiek zich en voelt het levenloos aan op het scherm.
18. Het oude gezegde luidt: “Je bent zo goed als je laatste scène.” Tegelijkertijd beïnvloedt je laatste scène of shot, vers in het hoofd van het publiek, hoe de kijker het volgende op het scherm ontvangt. Als je drie weken spendeert om een shot sprankelend te maken, maar het volgende shot is een gehaast rommeltje, dan zal het belabberde shot het briljante van het geweldige naar beneden halen, niet andersom. Het is beter om aan beide te werken, zelfs als de eerste niet zo goed is als de andere.
17.
Als vervolg op #18, als je een demo-reel maakt en het grootste deel ervan is fantastisch, maar één klein shot is lang niet zo goed, dan zal dat ene shot alles in duigen laten vallen. Het is beter om het eruit te knippen en een kortere demo te maken dan om het erin te verwerken en je kansen op die droomjob te verknallen
16. Vergeet het Waarom
Je hebt je scène tot in het kleinste detail gepland en bent klaar om te gaan animeren. Helaas is het makkelijk te vergeten dat juist omdat JIJ al een lange tijd hebt doorgebracht in het moment dat je aan het animeren bent, het totaal nieuw is voor het personage! Vergeet niet te onthouden waarom het personage zich gedraagt zoals je het gepland hebt, of het zal duidelijk zijn dat het figuur gewoon door lege bewegingen gaat in plaats van te leven.
15. Houd te veel delen vast
Wanneer we bewegen, zelfs als het iets zo subtiels is als typen op een toetsenbord, trekken spieren en zenuwen over ons hele lichaam. We maken kleine, subtiele verschuivingen in ons evenwicht en zelfs gewoon ademen verandert alles, van onze schouders tot onze neusgaten. Als je de arm van een personage beweegt, kan het verleidelijk zijn om alleen zijn arm te bewegen, maar het is beter om die kleine aanpassingen in elk deel van hem te maken, zodat hij niet lijkt op een standbeeld dat toevallig één bewegende ledemaat heeft.
14. Neem geen pauzes
Wanneer deadlines opdoemen, is het laatste wat je wilt doen, stoppen met woedend naar je doel te werken. Studies hebben echter aangetoond dat routinepauzes de geest (en het lichaam – animeren is zwaar voor de ogen en de polsen!) in staat stellen zich te resetten en productiever te werken. Neem dus de tijd om te ontspannen en ga DAN weer aan de slag!
13. Je taak als animator is om de dingen zo duidelijk mogelijk te presenteren voor het publiek, zodat niets hun vermaak in de weg staat. Het kan er visueel heel interessant uitzien om een mooie camerabeweging te hebben terwijl je personage door een gang rent op weg naar naderend onheil, maar als het publiek er niet bij is, is de opname een mislukking. Hou het simpel, hou het duidelijk. Het zal er nog steeds cool uitzien.
12. Wees trots
Het is geweldig om te voelen dat je je best hebt gedaan. Als je terugkijkt op een animatie die je hebt gemaakt en je grijnst van plezier, dan is dat een goede dag. Maar kijk uit. Een paar reeksen van matige successen kunnen je trots naar boven halen en voor je het weet denk je dat je “dat niet meer hoeft te leren” of “al genoeg weet”. Blijf je altijd verbeteren, en wees je altijd bewust van hoeveel je NIET weet. Blijf vooruit gaan, kijk niet naar dingen alsof ze onder je liggen.
11. Gooi suggesties van u af
Hand in hand met #12, is het zeer, zeer dwingend om onze animaties te vertroetelen alsof het onze baby’s zijn. Wanneer iemand dan opbouwende kritiek uit, worden we extreem defensief en haasten we ons om onze kinderen koste wat kost te beschermen. Het ding is, die persoon aan de andere kant kan gelijk hebben. Er kan een probleem zijn dat je over het hoofd hebt gezien omdat je er zo mee bezig bent. Haal dus diep adem, doe een stapje terug en probeer er objectief naar te kijken om te zien of het misschien een ander camerastandpunt kan gebruiken of dat het misschien een beetje te cliché is.
Als er een duidelijk accent ligt op het geluid (de nadruk op een lettergreep in een dialoog of een geluidseffect dat de opname veel energie geeft), is het ergste wat je kunt doen te laat slaan. Dus als je je gaat vergissen, vergis je dan aan de kant van “een frame te vroeg” in plaats van “een frame te laat.”
Je kunt de volledige redenering hiervoor zien, samen met de wetenschap erachter, in deze video over Geluid in Animatie!
9. Beweeg tijdens een emotieverandering
Als de emotie van een personage verandert, wil je dat die verandering centraal staat met de schijnwerpers fel schijnend op dat moment. Houd het personage op dat moment in één pose zonder veel andere bewegingen, althans voor de fractie van een seconde dat de verandering in uitdrukking en houding plaatsvindt. Dan kun je overgaan naar de volgende pose, gebaseerd op die verandering van emotie. Verander de emotie niet TIJDENS de overgang naar de volgende emotionele pose.
8. Geef je publiek geen tijd om te absorberen
Het duurt 4-6 frames van schermtijd voordat de gemiddelde persoon iets kan absorberen dat gebeurt. Als er een cameraknip is en er meteen een actie plaatsvindt, zal dat schokkend aanvoelen. Werk in plaats daarvan in een pose of pauze om “de opname op te zetten.” Zo kan de kijker mentaal noteren wat er op het scherm gebeurt voordat je briljante optreden begint.
7. Twin all over the place
Twinning zal altijd je werk binnensluipen, hoe hard je ook probeert om het buiten te houden. Het hoeft ook niet iets voor de hand liggends te zijn. Kleine details zoals de wenkbrauwen die gespiegeld zijn maar identiek, gebeuren gewoon zonder dat je erbij nadenkt. Onthoud dat gekoppelde onderdelen, inclusief wenkbrauwen, kunnen samenwerken om een verhaal te vertellen, zelfs als ze heel verschillende dingen doen.
6. Zet lip-sync op de eerste plaats
Wanneer een personage spreekt, is de mond soms het deel dat het meest beweegt van het hele lichaam. Het kan dus redelijk zijn om aan te nemen dat het grootste deel van je aandacht naar de mond moet gaan. Maar dat is niet zo! Het is verbazingwekkend waar je mee weg kunt komen als het om lipsynchronisatie gaat! Belangrijker zijn de poses om de emotie te versterken die uit de mond van het personage komt. Als dat lukt, kun je je richten op de vorm van de lippen.
5. Animeer gelijkmatig
Als alles is geanimeerd met dezelfde timing, en hetzelfde patroon, en dezelfde spatiëringSpacing is de afstand die een element aflegt tussen twee frames van een animatie. Door het vergroten en verkleinen van de spacings… meer, zal het heel snel saai worden. Er zijn natuurlijk uitzonderingen op deze regel (animeren op het constante ritme van een muziekvideo, misschien), maar over het algemeen wil je je bewegingen variëren om snel en langzaam, groot en klein, en elk contrast dat je kunt beheersen, aan elkaar te koppelen. Net zoals een goed muziekstuk zachte stukken EN luide stukken heeft, moet je animatie afwisseling bieden zodat het publiek ervan kan genieten.
4. Laat geen tijd over om na te denken
Je weet wat er nu gaat gebeuren. Je hebt je scène gepland, en je hebt 10.000 keer geluisterd naar de audio die je gaat animeren. Omdat je het weet, kun je een reactie of beweging overhaasten voordat het personage natuurlijk zou reageren of bewegen. Dit geldt vooral voor dialogen. Personages hebben tijd nodig om te verwerken wat de ander zegt voordat ze reageren. Het kan maar een paar subtiele frames duren, maar het MOET er zijn. Anders komt de voorstelling niet authentiek en geforceerd over.
3. Negeer alles buiten het scherm
Zeker in 3D-animatie kan het makkelijk zijn om te vergeten dat er een grond beneden is als je een close up van het gezicht van een personage animeert. Maar die grond, en de wetten van de zwaartekracht, gelden nog steeds. Dus als ze haar gewicht verplaatst terwijl ze spreekt, zorg er dan voor dat het zin heeft tot aan haar tenen, of het zal er niet evenwichtig uitzien.
2. Wees een slaaf van referentie
Referentie is geweldig. Het animeren van je referentie is een vreselijk, verschrikkelijk ding om te doen. Per definitie is een referentie er alleen om naar te verwijzen. Het is er niet om te kopiëren. Er aan te trekken. Observeer het. Noteer een paar notities als je wilt. Maak dan een voorstelling met die informatie, vertaal je referentie niet rechtstreeks naar het personage.
1. Niet verkennen
Wanneer je een bepaald niveau van comfort bereikt met animeren, kun je in een comfortabele kleine sleur vallen en vertrouwen op kleine trucs en poses waarvan je weet dat ze werken. Het gevaar hiervan is dat je stopt met experimenteren, en daardoor stop je met groeien als artiest. Zelfs als mensen op je deur kloppen om je in te huren voor je specifieke “stijl”, wees dan niet tevreden om op je lauweren te rusten. De beste animatoren blijven verder reiken dan wat ze al kennen en blijven zichzelf hoger en hoger duwen.