Animator Island ger dig veckovisa uppdateringar om hur du kan förbättra dina animationsfärdigheter. Ibland är det dock lika viktigt att veta vad man INTE ska göra. Vilka av dessa enkla animerade misstag gör du?
25. Planera inte
Planering, som t.ex. thumbnailing och storyboarding, kan ibland vara skillnaden mellan en lysande scen och en scen som måste göras om tolv gånger innan den ens når upp till ”genomsnitt”. Det kan tyckas vara mer arbete nu, men det arbetet nu innebär mindre arbete senare. MYCKET mindre. Så om du funderar på att hoppa över miniatyrbilder och gå direkt till en animation eller en fullständig animation, tänk om!
24. Gör för mycket för tidigt
Vi vill alla komma till ”de roliga sakerna” i animationen. Briljanta effekter eller själfulla karaktärsframträdanden. Och med alla de verktyg vi har idag kan det vara lätt att hoppa fram till dessa saker. Det är också ett av de snabbaste sätten att göra usel animation. Principerna och grunderna är oerhört viktiga, och även om det inte alltid är spännande att göra ännu ett studsande bolltest är det basen som kommer att fånga upp dig när dina komplicerade scener börjar falla omkull. Du måste fokusera din uppmärksamhet på grunderna innan du går vidare till att återskapa isborgen från Frozen. (Detta är det främsta misstaget som nybörjaranimatörer gör och som de sedan sparkar sig själva för flera år senare.)
23. Ignorera små problem tidigt
Du kan sätta läppstift på en gris, men det är fortfarande en gris. I animationer om du får tag i en pop eller stroboskop eller något som bara inte känns rätt i ett tidigt skede, kommer ingen mängd ”läppstift” (kosmetisk detalj eller konstnärlig täckmantel) någonsin att åtgärda det. Så ta det lugnt och lös det nu innan du lägger till fler lager ovanpå.
22. Tänk ut kameran ”senare”
I 3D-animationer kan vi hamna i den otäcka fällan att skjuta upp planeringen av komposition och kameraplacering till efter att vi har börjat med själva animationen. Sanningen är dock att det bör vara det första du spikar fast, eftersom alla dina formförändringar baseras på var kameran är placerad. Du kommer inte att kunna fuska något ”till kameran” om du inte vet var kameran kommer att vara, och fusk ser sällan bra ut från alla möjliga vinklar. Placera din kamera och din layout först.
21. Bryt regler utan att känna till reglerna
I animation är det vanligt att bryta regler eller modeller. Det är nödvändigt om du ska få in så mycket underhållning som möjligt i din scen. Men, precis som i tips 24, när du inte har ett fast grepp om de regler du bryter mot kommer du inte att kunna bryta mot dem på rätt sätt. Plus att om något går fel kommer du inte att ha någon aning om varför. Så lär dig dessa regler, och spela efter dem för det mesta! När det magiska ögonblicket kommer för att fuska något kommer du sedan att förstå varför du måste göra det.
20. Rusa in i detaljerna
Detaljer, som subtila små rörelser och sekundära åtgärder, är det som förhöjer bra animationer till fantastiska animationer. Det är dock väldigt lätt att skynda sig att planera och animera dessa bitar innan huvuddelen av ditt arbete är i nivå. Om den stora rörelsen i din scen är dålig kan inga små snygga handledsrörelser eller kaskader av hårlockar göra den bättre.
19. Flytta allting på en gång
Varje gång skapar vi fantastiska poser och struntar sedan helt i hur saker och ting rör sig från en till nästa. Golden Poses är värda en stor del av din tid när du planerar, men lika mycket arbete måste läggas på hur du tar dig från pose till poseNär du animerar pose till pose definierar animatören de viktigaste poserna först (t.ex. nyckelposer), sedan de näst viktigaste … Mer. Om allt rör sig exakt samtidigt kommer det att tråka ut din publik till tårar och kännas livlöst på skärmen.
18. Få en bild att glänsa medan en annan faller platt
Det gamla ordspråket lyder ungefär så här: ”Du är bara så bra som din sista scen”. Samtidigt påverkar din sista scen eller bild, som är färskt i publikens medvetande, hur tittaren tar emot nästa sak på skärmen. Om du spenderar tre veckor på att få en bild att glänsa, men nästa bild är en hastig röra, kommer den usla bilden att sänka den fantastiska bildens glans, inte tvärtom. Det är bättre för dig att satsa på båda, även om den första inte når upp till de höjder som den skulle kunna nå om du ägnade all din tid åt den.
17. Släng in det där enda misstaget i slutet
Som en uppföljning till #18, om du skapar en demorulle och majoriteten av den är fantastisk, men ett litet skott är inte alls lika bra, kommer det där skottet att få allt att rasa. Det är bättre att klippa bort den och få en kortare reel än att inkludera den och förstöra dina chanser till drömjobbet du är ute efter.
16. Glöm varför
Du har planerat din scen in i minsta detalj och är redo att börja animera. Tyvärr är det lätt att glömma att bara för att DU redan har tillbringat lång tid i det ögonblick som du animerar är det helt nytt för karaktären! Glöm inte att komma ihåg varför karaktären agerar på det sätt som du planerade att den skulle göra, annars blir det uppenbart att figuren bara går igenom tomma rörelser i stället för att leva.
15. Håll för många delar
När vi rör oss, även om det är något så subtilt som att skriva på ett tangentbord, rycker musklerna och nerverna avfyras över hela kroppen. Vi har gjort små, subtila förskjutningar av vår balans och till och med bara andningen förändrar allt från våra axlar till våra näsborrar. När du flyttar en karaktärs arm kan det vara frestande att bara flytta armen, men det är bättre att göra dessa små justeringar i varje del av honom så att han inte ser ut som en staty som råkar ha en rörlig lem.
14. Ta inga pauser
När deadlines närmar sig är det sista du vill göra att sluta jobba hårt mot ditt mål. Studier har dock visat att rutinmässiga pauser gör det möjligt för hjärnan (och kroppen – att animera är hårt för ögonen och handlederna!) att ställa om och arbeta mer produktivt. Så ta dig lite tid för att koppla av och SÅ kom tillbaka till arbetet!
13. Överkomplicera saker och ting för att ”det skulle se coolt ut”
Ditt jobb som animatör är att presentera saker och ting så tydligt som möjligt för publiken, så att ingenting står i vägen för deras underhållning. Det kan se väldigt visuellt intressant ut att ha en tjusig kamerarörelse medan din karaktär rusar nerför en korridor mot en hotande undergång, men om det förlorar publiken kommer bilden att vara ett misslyckande. Håll det enkelt, håll det tydligt. Det kommer ändå att se häftigt ut.
12. Bli stolt
Det är bra att känna att du gjorde ditt bästa. När du tar ett steg tillbaka från en animation du skapat och flinar av glädje är det en bra dag. Men se upp! Några rader av måttliga framgångar kan höja din stolthetsnivå och innan du vet vad som händer kommer du att tänka att du ”inte behöver lära dig det” eller att du ”redan vet tillräckligt”. Fortsätt alltid att förbättra dig och var alltid medveten om hur mycket du INTE vet. Fortsätt att gå framåt, se inte på saker och ting som om de är under din värdighet.
11. Avvisa förslag
Hand i hand med #12 är det mycket, mycket övertygande att skämma bort våra animationer som om de vore våra bebisar. När någon sedan tar upp konstruktiv kritik blir vi extremt defensiva och skyndar oss att skydda våra barn till varje pris. Saken är den att personen på andra sidan kanske har rätt. Det kan finnas ett problem som du har förbisett eftersom du är så engagerad. Så ta ett djupt andetag, ta ett steg tillbaka och försök att se objektivt på det för att se om det kanske KAN behöva den där förändrade kameravinkeln eller ja, det KAN vara lite för klyschigt.
10. Slå dina beats sent
Om det finns en tydlig accent i ljudet (betoning på en stavelse i dialogen eller en ljudeffekt som ger mycket energi till bilden) är det värsta du kan göra att slå in den sent. Så om du ska göra ett misstag, gör det hellre på sidan av ”en bild tidigt” än ”en bild sent”.
Du kan se hela resonemanget om detta, tillsammans med vetenskapen bakom det, i den här videon om ljud i animationer!
9. Rör dig under en känsloförändring
Om en karaktärs känslor förändras vill du att förändringen ska stå i centrum och att strålkastarljuset ska lysa starkt på det ögonblicket. Under dessa tillfällen ska du hålla karaktären i en pose utan en massa andra rörelser, åtminstone under den bråkdel av en sekund som förändringen i uttryck och attityd äger rum. Sedan kan du gå över till nästa pose baserat på denna förändring av känslan. Ändra inte känslan UNDER flytten till nästa känslomässiga pose.
8. Ge inte publiken tid att absorbera
Det tar 4-6 bildrutor av skärmtid innan den genomsnittliga personen kan absorbera något som händer. Om det sker ett kameraklipp och en handling äger rum omedelbart kommer det att kännas skakande. Arbeta i stället i en pose eller paus för att ”ställa in bilden”. Det kommer att göra det möjligt för tittaren att göra en mental anteckning om vad som existerar på skärmen innan din briljanta prestation börjar.
7. Tvilling överallt
Twinning kommer alltid att smyga sig in i ditt arbete, oavsett hur hårt du försöker hålla det borta. Det kanske inte heller är något uppenbart. Små detaljer som att ögonbrynen är speglade men identiska tenderar bara att hända utan att man tänker efter. Kom ihåg att parade delar, inklusive ögonbrynen, kollektivt kan arbeta tillsammans för att berätta en historia även om de gör väldigt olika saker.
6. Sätt läppsynkronisering först
När en karaktär talar är det ibland munnen som rör sig mest på hela kroppen. Så det kan vara rimligt att anta att det mesta av din uppmärksamhet bör gå till munnen. Så är det inte! Det är otroligt vad man kan komma undan med när det gäller läppsynk! Vad som är viktigare är poseringarna för att förstärka den känsla som kommer ut ur karaktärens mun. När det sedan klickar kan du fokusera på läpparnas form.
5. Animera jämnt
Om allt animeras med samma timing, och samma mönster, och samma avståndSpacing är det avstånd som ett element färdas mellan två bilder i en animation. Genom att öka och minska avstånden… Mer, kommer saker och ting att bli mycket tråkiga mycket snabbt. Det finns naturligtvis undantag från detta (animera till den konstanta rytmen i en musikvideo, kanske), men för det mesta vill du variera dina rörelser för att koppla ihop snabbt och långsamt, stort och smått, och alla kontraster du kan hantera. Precis som ett bra musikstycke har mjuka delar OCH högljudda bitar bör din animation erbjuda en variation som publiken kan njuta av.
4. Lämna ingen tid att tänka
Du vet vad som kommer att hända härnäst. Du har planerat din scen och du har lyssnat på ljudet du animerar 10 000 gånger. Eftersom du vet kan du skynda på en reaktion eller rörelse innan karaktären skulle reagera eller röra sig naturligt. Detta gäller särskilt för dialog. Karaktärerna behöver tid att bearbeta vad den andra säger innan de reagerar. Det kan bara ta några få subtila bilder, men det måste finnas där. Annars kommer framträdandet att verka oäkta och påtvingat.
3. Ignorera allt utanför skärmen
Särskilt i 3D-animationer kan det vara lätt att glömma bort att det finns en mark nedanför om du animerar en närbild av karaktärens ansikte. Men marken och tyngdlagen gäller fortfarande. Så om hon flyttar sin vikt när hon talar, se till att det är logiskt hela vägen ner till tårna, annars ser det inte balanserat ut.
2. Var en slav av referenser
Referenser är bra. Att animera din referens är en fruktansvärd, hemsk sak att göra. Per definition är referenser bara till för att refereras till. Den är inte till för att kopieras. Dra från den. Observera den. Skriv ner några anteckningar om du vill. Skapa sedan en föreställning med hjälp av den informationen, översätt inte bara din referens direkt till karaktären.
1. Utforska inte
När du når en viss nivå av bekvämlighet med animering kan du falla in i en bekväm liten rutin och förlita dig på små knep och poser som du vet fungerar. Faran här är att du slutar experimentera, och genom att göra det slutar du att växa som konstnär. Även om folk knackar på din dörr för att anställa dig för din speciella ”stil” får du inte nöja dig med att vila på dina lagrar. De bästa animatörerna fortsätter att sträcka sig bortom det de redan kan och driver sig själva högre och högre.