Animator Island vous apporte des mises à jour hebdomadaires avec des moyens d’améliorer votre compétence en animation. Parfois, cependant, il est tout aussi important de savoir ce qu’il ne faut PAS faire. Laquelle de ces erreurs animées faciles faites-vous ?
25. Ne pas planifier
La planification, comme le thumbnail et le storyboard, peut parfois faire la différence entre une scène brillante et une scène qui va être refaite douze fois avant même d’atteindre la « moyenne ». Cela peut sembler être plus de travail maintenant, mais ce travail maintenant signifie moins de travail plus tard. BEAUCOUP moins. Donc si vous envisagez de sauter les vignettes et de passer directement à une animatique ou une animation complète, repensez-y !
24. Faire trop de choses trop tôt
Nous voulons tous arriver aux « trucs amusants » en animation. Des effets brillants ou des performances de personnages pleins d’âme. Et avec tous les outils que nous avons aujourd’hui, il peut être facile de sauter en avant vers ces choses. C’est aussi l’un des moyens les plus rapides de faire de l’animation médiocre. Les principes et les bases sont extrêmement importants, et même si faire un autre test de balle rebondissante n’est pas toujours excitant, c’est la base qui vous rattrapera lorsque vos scènes compliquées commenceront à s’écrouler. Vous devez concentrer votre attention sur les bases avant de passer à la recréation du château de glace de Frozen. (C’est l’erreur numéro un que font les animateurs débutants et qu’ils se reprochent des années plus tard.)
23. Ignorer les petits problèmes dès le début
On peut mettre du rouge à lèvres sur un cochon, mais c’est toujours un cochon. Dans l’animation, si vous attrapez un pop ou un stroboscope ou quelque chose qui ne vous semble pas correct au début, aucune quantité de « rouge à lèvres » (détail cosmétique ou dissimulation artistique) ne le réparera jamais. Alors, prenez sur vous et résolvez le problème maintenant avant d’ajouter d’autres couches par-dessus.
22. Figure out the camera « later »
En animation 3D, nous pouvons tomber dans le piège désagréable de remettre la planification de la composition et du placement de la caméra jusqu’à ce que nous ayons commencé l’animation proprement dite. En vérité, pourtant, ce devrait être la première chose que vous clouez, parce que tout votre changement de forme est basé sur l’emplacement de votre caméra. Vous ne serez pas en mesure de tricher quoi que ce soit « à la caméra » si vous ne savez pas où cette caméra sera, et les tricheries sont RAREMENT belles sous tous les angles possibles. Positionnez votre caméra et votre disposition en premier.
21. Enfreindre les règles sans connaître les règles
En animation, enfreindre les règles ou les modèles fait partie du cours. C’est nécessaire si vous voulez obtenir le plus de divertissement emballé dans votre scène. Cependant, comme dans le cas du conseil 24, si vous ne maîtrisez pas les règles que vous enfreignez, vous ne serez pas en mesure de les enfreindre correctement. Et si quelque chose ne va pas, vous ne saurez pas pourquoi. Apprenez donc ces règles, et respectez-les la plupart du temps ! Ensuite, quand viendra le moment magique de tricher quelque chose, vous comprendrez pourquoi vous devez le faire.
20. Se précipiter dans les détails
Les détails, comme les petits mouvements subtils et les actions secondaires, sont ce qui élève une bonne animation à une grande animation. Il est très facile, cependant, de se précipiter pour planifier et animer ces bits avant que le gros de votre travail soit à la hauteur. Si le mouvement principal de votre scène est mauvais, aucun petit coup de poignet astucieux ou des boucles de cheveux en cascade ne l’améliorera.
19. Bougez tout en même temps
De temps en temps, nous créons des poses fantastiques et ensuite nous ignorons totalement comment les choses bougent de l’une à l’autre. Les poses d’or valent une énorme partie de votre temps lors de la planification, mais tout autant d’efforts doivent être consacrés à la façon dont vous passez d’une pose à l’autreLorsqu’il anime une pose à l’autre, l’animateur définit d’abord les poses les plus importantes (par exemple, les poses clés), puis les deuxièmes plus … Plus. Si tout bouge exactement au même moment, cela va ennuyer votre public aux larmes et sembler sans vie à l’écran.
18. Faites briller un plan alors qu’un autre tombe à plat
Le vieil adage dit quelque chose comme « Vous êtes seulement aussi bon que votre dernière scène ». En même temps, votre dernière scène ou votre dernier plan, frais dans l’esprit du public, influence la façon dont le spectateur reçoit la prochaine chose à l’écran. Si vous passez trois semaines à faire briller un plan, mais que le suivant est bâclé, c’est le plan médiocre qui tirera vers le bas l’éclat de l’excellent plan, et non l’inverse. Il vaut mieux que vous fassiez des efforts sur les deux, même si le premier n’atteint pas tout à fait les sommets qu’il pourrait atteindre si vous consacriez tout votre temps à lui seul.
17. Jetez cette erreur à la fin
En guise de suivi du #18, si vous créez une bobine de démo et que la majorité est fantastique, mais qu’un petit plan est loin d’être aussi bon, ce plan va tout faire s’écrouler. Mieux vaut le couper et avoir une bobine plus courte que de l’inclure et de ruiner vos chances d’obtenir cet emploi de rêve que vous convoitez.
16. Oubliez le pourquoi
Vous avez planifié votre scène, dans les moindres détails, et vous êtes prêt à commencer l’animation. Malheureusement, il est facile d’oublier que ce n’est pas parce que VOUS avez déjà passé un long moment dans le moment que vous animez, qu’il est totalement nouveau pour le personnage ! N’oubliez pas de vous rappeler pourquoi le personnage agit de la façon dont vous l’avez prévu, ou il sera évident que la figure ne fait que passer par des mouvements vides au lieu de vivre.
15. Tenir trop de pièces
Lorsque nous bougeons, même si c’est quelque chose d’aussi subtil que de taper sur un clavier, les muscles se contractent et les nerfs tirent dans tout notre corps. Nous avons fait de minuscules et subtiles modifications de notre équilibre et même le simple fait de respirer va tout modifier, de nos épaules à nos narines. Lorsque vous bougez le bras d’un personnage, il peut être tentant de JUSTE bouger son bras, mais le mieux est de faire ces petits ajustements dans chaque partie de lui afin qu’il n’apparaisse pas’ comme une statue qui se trouve avoir un membre mobile.
14. Ne faites pas de pauses
Lorsque les échéances se rapprochent, la dernière chose que vous voulez faire est d’arrêter de travailler furieusement vers votre objectif. Des études ont pourtant montré que les pauses de routine permettent à l’esprit (et au corps – l’animation est dure pour les yeux et les poignets !) de se réinitialiser et de travailler de manière plus productive. Alors prenez le temps de vous détendre et ensuite remettez-vous au travail !
13. Compliquer excessivement les choses parce que « ça aurait l’air cool »
Votre travail en tant qu’animateur est de présenter les choses aussi clairement que possible pour le public, afin que rien n’entrave leur divertissement. Il peut sembler très intéressant visuellement d’avoir un mouvement de caméra fantaisiste pendant que votre personnage se précipite dans un couloir vers un destin imminent, mais si cela perd le public, le plan sera un échec. Restez simple, restez clair. Cela aura toujours l’air cool.
12. Soyez fier
C’est génial de sentir que vous avez fait de votre mieux. Lorsque vous prenez du recul par rapport à une animation que vous avez créée et que vous grimacez de plaisir, c’est un bon jour. Attention, cependant. Quelques séries de succès modérés peuvent élever votre niveau de fierté et, avant que vous ne sachiez ce qui se passe, vous penserez que vous « n’avez pas besoin d’apprendre cela » ou que vous « en savez déjà assez ». Continuez à vous améliorer, et soyez toujours conscient de tout ce que vous ne savez pas. Continuez à aller de l’avant, ne regardez pas les choses comme si elles étaient en dessous de vous.
11. Rejetez les suggestions
Avec le #12, il est très, très contraignant de dorloter nos animations comme si elles étaient nos bébés. Puis, lorsque quelqu’un émet une critique constructive, nous devenons extrêmement défensifs et nous nous empressons de protéger nos enfants à tout prix. Le problème, c’est que la personne de l’autre côté a peut-être raison. Il y a peut-être un problème que vous avez négligé parce que vous vous êtes tellement investi. Alors prenez une grande respiration, prenez du recul et essayez de le regarder objectivement pour voir si peut-être il POURRAIT utiliser ce changement d’angle de caméra ou oui, il POURRAIT être un peu trop cliché.
10. Frappez vos battements en retard
S’il y a un accent certain sur votre audio (accent sur une syllabe de dialogue, ou effet sonore qui apporte beaucoup d’énergie au plan) la pire chose que vous pouvez faire est de le frapper en retard. Donc, si vous devez faire une erreur, privilégiez le côté » une image en avance » plutôt que » une image en retard « .
Vous pouvez voir le raisonnement complet de ceci, ainsi que la science qui le sous-tend, dans cette vidéo sur le son dans l’animation !
9. Bougez pendant un changement d’émotion
Si l’émotion d’un personnage change, vous voulez que ce changement prenne le devant de la scène avec le projecteur brillant sur ce moment. Pendant ces moments, gardez le personnage dans une pose sans beaucoup d’autres mouvements, au moins pendant la fraction de seconde où le changement d’expression et d’attitude a lieu. Vous pouvez ensuite passer à la pose suivante en fonction de ce changement d’émotion. Ne changez pas l’émotion PENDANT le passage à la pose émotionnelle suivante.
8. Ne donnez pas à votre public le temps d’absorber
Il faut 4-6 images de temps d’écran avant que la personne moyenne puisse absorber quelque chose qui se passe. S’il y a une coupure de caméra et qu’une action se déroule immédiatement, cela se sentira comme une secousse. Travaillez plutôt dans une pose ou une pause pour « préparer le plan ». Cela permettra au spectateur de prendre note mentalement de ce qui existe à l’écran avant que votre brillante performance ne commence.
7. Jumelage tous azimuts
Le jumelage se faufilera toujours dans votre travail, peu importe à quel point vous essayez de l’écarter. Il se peut que ce ne soit pas quelque chose d’évident, non plus. De petits détails comme les sourcils qui sont en miroir mais identiques ont juste tendance à se produire sans même y penser. Rappelez-vous que les parties appariées, y compris les sourcils, peuvent collectivement travailler ensemble pour raconter une histoire même si elles font des choses très différentes.
6. Mettez la synchronisation labiale en premier
Lorsqu’un personnage parle, parfois la partie qui bouge le plus sur tout le corps est la bouche. Il peut donc être raisonnable de supposer que la plupart de votre attention doit aller à la bouche. Mais ce n’est pas le cas ! C’est incroyable ce que l’on peut faire en matière de synchronisation labiale ! Ce qui est plus important, ce sont les poses pour renforcer l’émotion qui sort de la bouche du personnage. Ensuite, lorsque cela clique, vous pouvez vous concentrer sur les formes des lèvres.
5. Animer uniformément
Si tout est animé avec le même timing, et le même motif, et le même espacementL’espacement est la distance que parcourt un élément entre deux images d’une animation. En augmentant et en diminuant les espacements… plus, les choses deviendront très vite ennuyeuses. Il y a bien sûr des exceptions à cette règle (animer au rythme constant d’un clip vidéo, par exemple), mais dans la plupart des cas, vous souhaitez varier vos mouvements pour associer vitesse et lenteur, grosseur et petitesse, ainsi que tous les contrastes que vous pouvez gérer. Tout comme un bon morceau de musique a des parties douces ET des parties fortes, votre animation devrait offrir une variété pour que le public puisse en profiter.
4. Ne laissez pas de temps pour réfléchir
Vous savez ce qui va se passer ensuite. Vous avez planifié votre scène, et vous avez écouté l’audio que vous animez 10 000 fois. Parce que vous savez, vous pouvez précipiter une réaction ou un mouvement avant que le personnage ne réagisse ou ne bouge naturellement. C’est particulièrement vrai pour les dialogues. Les personnages ont besoin de temps pour comprendre ce que l’autre dit avant de réagir. Cela peut ne prendre que quelques images subtiles, mais cela DOIT être présent. Sinon, la performance semblera inauthentique et forcée.
3. Ignorer tout ce qui est hors écran
C’est particulièrement vrai dans l’animation 3D, il peut être facile d’oublier qu’il y a un sol en bas si vous animez un gros plan du visage du personnage. Mais ce sol, et les lois de la gravité, s’appliquent toujours. Donc, si elle déplace son poids en parlant, assurez-vous que cela a un sens jusqu’à ses orteils, ou cela ne semblera pas équilibré.
2. Soyez un esclave de la référence
La référence, c’est génial. Animer votre référence est une chose terrible, horrible à faire. Par définition, la référence est seulement là pour qu’on s’y réfère. Elle n’est pas là pour être copiée. Tirez-en quelque chose. Observez-la. Prenez quelques notes si vous le souhaitez. Ensuite, créez une performance en utilisant ces informations, ne traduisez pas simplement votre référence directement au personnage.
1. N’explorez pas
Lorsque vous atteignez un certain niveau de confort avec l’animation, vous pouvez tomber dans une petite ornière confortable et vous reposer sur des petits trucs et des poses que vous savez fonctionner. Le danger ici est que vous cessez d’expérimenter, et ce faisant, vous cessez de grandir en tant qu’artiste. Même si les gens frappent à votre porte pour vous engager pour votre « style » particulier, ne vous contentez pas de vous reposer sur vos lauriers. Les meilleurs animateurs continuent à aller au-delà de ce qu’ils savent déjà et à se pousser de plus en plus haut.