I de 24 år, der er gået siden Spoon udgav sin debutplade, er bandet blevet en af hjørnestenene i den moderne alternative scene. Spoon er en meget tilpasningsdygtig og ubesværet kreativ gruppe, der har udforsket alle mulige lyde, temaer og stemninger i løbet af deres diskografi. Nu fejrer Spoon denne diskografi med deres “Slay On Cue”-genudgivelses-serie, hvor bandets første otte plader vil blive genudgivet verden over på vinyl og cd.
Holder man tilbage på deres tidlige plader, kan man se tegningen for Spoon’s udvikling. Fra dag 1 udviste bandet den smittende energi og attitude, som har belyst hver eneste plade, de har udgivet. Frontmand og sangskriver Britt Daniel er klar over denne ånd. I sidste måned satte American Songwriter sig ned med Daniel for at tage et kig på Spoon’s karriere som helhed. Daniel er cool og fattet, og med hvert eneste ord, sagde han, kunne man fornemme den ægte hengivenhed, han har til sit håndværk. I løbet af vores samtale gav han et fascinerende indblik i, hvordan Spoon greb det an at lave plader, hvordan de udviklede sig over tid, og hvad den succes, han har opnået, betyder for ham.
Hvad fik jer til at lave denne genudgivelses-serie? Hvorfor nu?
Vi har udgivet en række plader, og de er spredt ud blandt forskellige pladeselskaber – især uden for USA. Så det er kedelige ting, bare forretningsmæssige ting. Nogle af disse pladeselskaber er gået konkurs, og i nogle lande er disse plader aldrig udkommet. Da vi begyndte at arbejde med Matador, og de havde en verdensomspændende forretning, besluttede vi, at det var på tide at få dem alle samlet ét sted og få dem alle ud, fysisk.
Har genudgivelsen af disse plader givet anledning til megen selvrefleksion om din karriere?
Jeg har levet. Vi laver disse plader den ene efter den anden, mens livet går videre. Vi er meget heldige at kunne gøre det. Jeg tror, at noget, vi generelt forsøger at værdsætte, er evnen til at vide, hvornår vi skal holde det viscerale. Fra starten har min styrke måske været at vide, at The Ramones bar på den type kreativitet, som jeg var interesseret i – mere end en gruppe som for eksempel Steely Dan eller noget i den retning (selv om jeg elsker “Do It Again”). Det ene af de bands handlede om musikalitet i verdensklasse, og det andet kunne dårligt nok spille, men det ene band fik mig op at køre, og det andet fandt jeg oprigtigt svært at sidde igennem. Ramones lavede altid noget mere interessant for mit øre. Hvorfor er det sådan? Det handler ikke om teknisk dygtighed, det handler om ånd. Det er det, jeg prøver at finde, når vi skriver en sang eller laver en plade.
Du nævner, at din erfaring har været noget i retning af at lave plader “den ene efter den anden, som livet går”. I den henseende, vil du sige, at det at lave musik føles på samme måde nu som for 20 år siden? Føler du, at du tapper på den samme kreative energi?
Ja, jeg tror, at jeg kan tappe på noget af den samme energi – det sker, når du tænder for maskinen, mikrofonen er foran dig, og det er tid til at optræde. Det er det samme, når man går på scenen og laver et show. Sidste gang vi forberedte os til en turné, lærte vi det meget godt. Vi øvede alene i et studie i en række dage, og det kom dertil, hvor det var ligesom “øh, vi har 17 sange mere, som vi skal gøre klar til at tage af sted”. Men så begyndte Alex at livestreame på Instagram, og pludselig vidste vi, at der var nogen, der kiggede og lyttede med. Efter det var det en helt anden ting at stå foran mikrofonen. Der er en slags energi der.
Afhængigt af det – hvordan påvirker dit forhold til dit publikum dit arbejde?
Jeg går ud fra det bedste fra publikum. Når man forventer, at de ved, hvad man har lavet før, og at de har visse forventninger, så ønsker man at give dem det bedste. Man ønsker at overraske dem. Man ønsker at opbygge et forhold til dem. Jeg tror ikke, at nogen af parterne ville være tilfredse, hvis vi lavede det samme om og om igen. Det har vi stødt på meget, når vi har lavet plader. Vi arbejder på noget nyt, og hvis det minder om noget, vi har lavet før, så har vi en tendens til at skubbe det videre end det. Vi vil måske forsøge at beholde de gode dele af det, mens vi finder en måde at få en ny fortolkning af det på, en ny dimension. Det handler om at gå ud fra, at publikum er klogt, og at de ved, hvad de kan lide.
Det er sådan set en vag ting. Jeg ved ikke, om publikum vil have en bestemt ting eller en bestemt stil, jeg tror, det ville være usundt at vide det. Det handler mere om at gå ud fra, at de er opmærksomme. Når man har den forståelse for dem, er det med til at bringe det bedste frem.
I vendte tilbage til Matador i 2017 efter at have været væk fra pladeselskabet i næsten 20 år – hvordan var det at arbejde sammen med dem igen?
Det er fedt. Der var et par plader – som Telephono og Soft Effects – som vi oprindeligt lavede med Matador, før de gik til Merge i et stykke tid. Nu er de tilbage hos Matador. Det er sjovt, hvordan disse ting sker. Det føles som om det er en menneskealder siden, at disse plader udkom, men de vigtigste folk hos Matador er de samme. Jeg kan godt lide dem en hel del. Første gang vi arbejdede sammen, “scorede” vi ikke ligefrem på det forretningsmæssige plan, men vi har altid kunnet lide hinanden og har holdt kontakten ved lige. Jeg arbejdede med Gerard på hans europæiske label. Så, ja, det har været en rigtig god ting. Jeg føler mig meget godt tilpas med de fyre.
Y’all’s lyd har udviklet sig betydeligt gennem jeres karriere – hvis du skulle prøve at beskrive det, hvordan har den forandring så set ud for dig? Bliver I inspireret af forskellige ting nu?
Jeg vil sige, at da vi startede, var jeg meget optaget af bands som Wire, Talking Heads, den slags lyrik. Det var i hvert fald det, jeg stræbte efter – jeg var meget ung, og de fyre var meget inspirerede. Jeg nåede ikke derhen, men jeg stræbte efter noget lidt mystisk. Teksterne var poesi, men de var også sådan noget som “hvad kan jeg skrive hurtigt inden showet i aften, som jeg ikke vil være flov over at skrige på scenen?”. Det var der en masse af. Efterhånden – især omkring tiden for vores tredje plade – blev målet lidt anderledes. Det blev mere om at skrive om mig selv. Jeg begyndte at sætte pris på plader, hvor forfatteren udtrykte en vis sårbarhed – en vis tvivl eller nostalgi eller lykke fra det virkelige liv. Det blev mere et mål på det tidspunkt. Nu er jeg nået til et punkt, hvor det er en lille smule af begge dele. Nogle sange er afslørende, og nogle sange er “lad os bare få det her ud.”
Hvordan var det at begynde at strø øjeblikke af sårbarhed ind efter at have opnået en rimelig mængde berømmelse? Var der en terapeutisk side af det?
Måske. Jeg tror det. Det var lidt ligesom “hey, hvad ved du? Jeg kan skrive om mig selv og måske endda lære om mig selv ved at skrive disse sange”. Før var det mere som “lad os bare være cool”. Jeg kan stadig lide begge typer plader. Jeg elsker stadig Wire-pladerne – faktisk spillede jeg så sent som i går en af de plader bare for sjov, fordi jeg ville finde den ånd frem.
Er der ting, der står frem for dig som informanter for udviklingen af din lyd gennem årene? Er der nogle specifikke kunstnere/producenter/udstyr, der har inspireret dig?
Ja, der var nogle specifikke instrumenter. Da vi startede, syntes jeg, at akustisk klaver var ufedt. Jeg var ikke klar over, at en af mine yndlingsplader er Plastic Ono Band, og jeg lyttede ikke rigtigt til den, i hvert fald ikke den måned. Så på de første par af vores plader undgik vi klaver. Det var stort set kun guitar, bas og trommer. Jeg kan specifikt huske, at vi ønskede, at vores anden plade skulle have den mest tørre guitar, bas og trommer. Vi kunne se, når vores producer tilføjede noget rumklang eller delay til mixet, for hvis vi trykkede på “stop” på båndoptageren, hang delayet lidt længere. Så vi gjorde det og sagde: “Ah, vi fangede dig! Du gør det igen!” Vi var så stædige på at holde alting meget tørt. Det var bare der, hvor vores hoveder var.
Som tingene gik fremad, voksede vi – jeg fik en reverb-tank. Vi arbejdede med en fyr ved navn Mike McCarthy på flere plader i løbet af 2000’erne. Vi arbejdede på “I Turn My Camera On” – jeg vidste ikke, hvilken type sang det ville blive. Jeg kunne godt lide, hvor vokalen var, men jeg vidste ikke, at det ville blive dette minimale dansenummer. Mike kom med denne Fender reverb-tank – jeg havde aldrig set en før – og han tilføjede den til guitaren, og pludselig havde vi et hit på pladen. Vi vidste det i det øjeblik. Vi havde en demo, som bare var okay, men da Jim tilføjede sine trommer, og Mike kom med ideen om reverb-tanken, tilføjede det et element, som jeg aldrig ville have været i stand til at tage frem fra min egen baglomme. Det virkede bare. Så ja, ja, reverbtanke. Klaver. Denne delaypedal kaldet Memory Man, som vi stadig bruger meget. Det udvikler sig hele tiden.
Har du andre historier, der skiller sig ud i dit hoved
Jeg ønskede, at begyndelsen af “My Mathematical Mind” skulle lyde som en film, der starter. Som en gammel film, dengang det var rigtig film på de store ruller bag i biografen. Så vi tog en af dem med ind for at optage den i starten af sangen, hvilket du kan høre på pladen.
En anden ting, jeg husker, at vi optog, er lyden af det der stads, Emergen-C. Jeg lagde mærke til, at når man hælder lidt vand i Emergen-C’en, så laver den en virkelig fantastisk boblende lyd. Så det optog vi. Det endte ikke med at blive brugt nogen steder… vi brugte det ikke… men der er en million af den slags ting, der sker. I studiet sker de for det meste spontant. Når man arbejder med de ting hver dag, begynder ideerne bare at komme til en. Nogle gange lykkes de.
Så ville du beskrive din proces som mere udforskende end deklarativ?
Ja, det tror jeg, det er en god ting. Det er ikke kun en sjov måde at gribe brugen af studiet an på, men det er på en måde også vigtigt. Man skal være i stand til at gå derind og være i øjeblikket uden bare at følge en eller anden liste med anvisninger. Man er nødt til at åbne sig selv op. Det hjælper i hvert fald os – det har altid hjulpet mig. Jeg elsker, at alle til enhver tid kan sige hvad som helst, og vi kan bruge 15 eller 20 minutter på at finde ud af det.
Vil du sige, at du altid stræber efter en vis følelse af organiskhed?
Jeg ved det ikke, det lyder ret dybt. Jeg prøver bare at få noget til at fungere. Jeg prøver at lave noget, der føles godt, når man lytter tilbage til det. Jeg kan huske et citat fra Gaz fra Supergrass, der sagde noget i retning af: “Når folk kommer ind i studiet, og du spiller sangen for dem – hvis du føler dig lidt fåmælt eller ikke har lyst til at skrue for meget op for den, så ved du med det samme, at du ikke er på rette vej. Hvis du spiller den tilbage, og du har lyst til at eksplodere af begejstring, så ved du, at du har fat i noget.” Det betyder ikke, at det behøver at være en festsang. Det kan også være en morøs sang. Men så længe man har den følelse… Jeg ved ikke, jeg tror, det er det, der gør en musiker eller en producer god: evnen til at vide, hvornår det virker. Det er den prøve, man skal sætte det på, i stedet for at spørge en anden.
Hvornår i skriveprocessen begynder du at tænke på arrangementet til indspilningen?
Jeg føler, at jeg – måske til en vis grad – tænker på indspilningen fra begyndelsen. Eller i det mindste meget tidligt. Den måde, jeg skriver på, er gennem demoer, så jeg sætter ordene sammen, mens jeg finder ud af det ene element i sangen, der skal være i fokus. Det kan næsten være distraherende at blive så fokuseret på det i den fase. I sidste ende handler det hele om den følelse, man får ud af pladen. Så jeg leder bare efter den. Måske er det fordi, jeg har indspillet lige så længe, som jeg har skrevet, jeg ved det ikke. Jeg er sikker på, at der er sangskrivere derude, der siger: “Jeg vil skrive denne sang, og jeg er ligeglad med, hvordan den bliver indspillet, for det er en andens opgave.” Sådan er jeg ikke, jeg tænker altid på indspilningerne.
I har haft den fantastiske mulighed for at modnes og vokse som band samtidig med den digitale revolution i de sidste 20 år – hvordan har det været at se teknologien udvikle sig i løbet af din karriere? Føler du, at det har påvirket dit kunstneriske virke?
Ja, jeg oplevede, at optagelser gik fra bånd til digital. Det var en ret stor begivenhed. Jeg kan stadig godt lide at bruge bånd, når jeg kan. Processen med at bruge bånd er nok en større ting, end de fleste mennesker er klar over. Det er ikke sådan, at det påvirker lyden af pladerne – faktisk handler det mindre om det nu – men det påvirker virkelig dit forhold til lyden, mens du laver den. Du kan ikke se lyden, når du bruger bånd, du er nødt til bare at lytte til den. I stedet for at have dette koncept med at se bølgeformerne og vide, hvornår den kommer op, er man bare i en helt anden sindstilstand.
Med hensyn til resten af nyskabelserne … Jeg er mere af en klassicist, når det kommer til stykket. Jeg kendte Led Zeppelins plader ud og ind, men jeg vidste meget lidt om dem som mennesker. Eller en kunstner som Prince – jeg vidste, hvordan Prince så ud, og jeg vidste, hvordan hans stemme lød. Men jeg vidste ikke, hvordan hans hus så ud, og jeg fik aldrig rigtig hørt ham føre en samtale. Jeg kendte hans plader ud og ind, men jeg vidste aldrig, hvad han spiste til morgenmad eller noget andet. I sidste ende ville det gøre Prince-konceptet mindre interessant, hvis jeg vidste, hvad han spiste til morgenmad. Jeg har det fint med den Prince, jeg kender fra pladerne.
Så, har hele den sociale medieside af det hele føltes lidt fremmed for dig?
Ja, det er min opfattelse. Jeg ved godt, at man skal spille spillet lidt i 2020, men det er der, hvor mit hoved er. Jeg kan bare godt lide at lytte til musikken. Det er det, det handler om for mig, både som musiker og musik-fan.
Hvordan føles det at se tilbage på din karriere? Har processen med at få disse genudgivelser samlet ansporet nogen stærke følelser om eventyret som helhed?
Jamen, det er et godt liv. Der er ingen tvivl om det. Jeg er glad for, hvor jeg er, og hvordan jeg er kommet hertil. Det har virkelig været det, jeg altid har ønsket at gøre, siden jeg var syv eller otte år gammel. Fra det øjeblik, jeg fik lov til at sætte nålen på en plade, blev musikken det, der mindskede kedsomheden for mig. I lang tid skrev jeg sange med bands, som ikke havde succes, i hvert fald ikke i forhold til at finde et pladeselskab til at udgive en plade eller spille et liveshow en weekendaften. Så hvis du havde fortalt mig som 22-årig, at jeg mange år senere skulle genudgive mine plader i Frankrig, fordi de ikke længere blev trykt, og der var folk der, der gerne ville høre dem, ville det have givet mig et gys. Det giver mig stadig et gys. Det er noget, jeg virkelig sætter pris på.
Hvad tror du, at den yngre version af dig selv ville tænke, hvis han kunne høre de plader, du har lavet i løbet af din karriere?
Jeg har tænkt over det – hvad ville lille Britt synes om de plader, jeg laver nu? Eller hvad ville Britt fra Telephono-æraen synes om dem? Hvem ved. Jeg håber, at jeg ville kunne lide det, men alting ændrer sig.
Der vil være tre udgaver af “Slay On Cue”-genudgivelsesserien. Tjek datoerne og albummene nedenfor:
24. juli:
Telephono / Soft Effects EP
14. august
A Series Of Sneaks / Girls Can Tell / Kill The Moonlight
11. september
Gimme Fiction / Ga Ga Ga Ga Ga Ga Ga Ga / Transference