En 24 ans, depuis la sortie du premier disque de Spoon, le groupe est devenu l’une des pierres angulaires de la scène alternative moderne. Groupe très adaptatif et créatif sans effort, Spoon a exploré toutes sortes de sons, de thèmes et d’humeurs tout au long de sa discographie. Aujourd’hui, Spoon célèbre cette discographie avec sa série de rééditions « Slay On Cue », qui verra les huit premiers disques du groupe réédités dans le monde entier en vinyle et en CD.
En réécoutant leurs premiers disques, on peut voir le plan de la trajectoire de Spoon. Dès le premier jour, le groupe a fait preuve d’une énergie et d’une attitude contagieuses qui ont illuminé chaque disque qu’ils ont sorti. Le frontman et auteur-compositeur Britt Daniel est conscient de cet esprit. Le mois dernier, American Songwriter s’est entretenu avec Britt Daniel pour jeter un coup d’œil sur l’ensemble de la carrière de Spoon. Britt Daniel est cool et posé, et à chaque mot qu’il prononce, on peut sentir la véritable dévotion qu’il porte à son art. Tout au long de notre conversation, il a offert un aperçu fascinant de la façon dont Spoon a abordé la création de disques, de leur évolution au fil du temps et de ce que le succès qu’il a obtenu signifie pour lui.
Qu’est-ce qui vous a donné envie de faire cette série de rééditions ? Pourquoi maintenant ?
Nous avons sorti un certain nombre de disques et ils sont dispersés entre différentes maisons de disques – surtout en dehors des États-Unis. Donc, c’est des trucs ennuyeux, juste des trucs de business. Certaines de ces maisons de disques ont fait faillite et dans certains pays, ces disques ne sont même pas sortis. Quand nous avons commencé à travailler avec Matador et qu’ils avaient une opération mondiale, nous avons décidé qu’il était temps de les rassembler en un seul endroit et de les sortir tous, physiquement.
La réédition de ces disques a-t-elle suscité beaucoup d’auto-réflexion sur votre carrière ?
J’ai vécu. On fait ces disques les uns après les autres au fur et à mesure que la vie avance. Nous avons beaucoup de chance de faire ça. Je pense que quelque chose que nous essayons généralement de valoriser, c’est la capacité à savoir quand il faut rester viscéral. Dès le début, ma force a peut-être été de savoir que les Ramones véhiculaient le type de créativité qui m’intéressait – plus qu’un groupe comme, disons, Steely Dan ou autre (bien que j’adore « Do It Again »). L’un de ces groupes était doté d’une musicalité de classe mondiale et l’autre savait à peine jouer, mais l’un m’a fait vibrer et l’autre j’ai trouvé qu’il était vraiment difficile de rester assis. Les Ramones faisaient toujours quelque chose de plus intéressant à mon oreille. Pourquoi ça ? Il ne s’agit pas de prouesses techniques, mais d’esprit. C’est ce que j’essaie de trouver chaque fois que nous écrivons une chanson ou que nous faisons un disque.
Vous mentionnez que votre expérience s’apparente à faire des disques « l’un après l’autre comme la vie continue. » À cet égard, diriez-vous que faire de la musique procure la même sensation aujourd’hui qu’il y a 20 ans ? Avez-vous l’impression de puiser dans la même énergie créatrice ?
Oui, je pense que je peux puiser dans une partie de cette même énergie – elle se produit lorsque vous allumez la machine, que le micro est devant vous et qu’il est temps de jouer. C’est la même chose pour monter sur scène et faire un spectacle. La dernière fois que nous préparions une tournée, nous avons très bien appris cela. On a répété seuls dans un studio pendant plusieurs jours et on s’est dit « ugh, il nous reste 17 chansons à préparer ». Mais ensuite, Alex a commencé à faire du livestreaming sur Instagram et tout d’un coup, nous savions que quelqu’un regardait et écoutait. Après ça, se mettre devant le micro était une chose totalement différente. Il y a une sorte d’énergie là-bas.
En partant de là – comment votre relation avec votre public influence-t-elle votre travail ?
Je suppose le meilleur du public. Quand vous vous attendez à ce qu’ils sachent ce que vous avez fait auparavant et qu’ils ont certaines attentes, alors vous voulez leur donner le meilleur. Vous voulez les surprendre. Vous voulez construire une relation avec eux. Je ne pense pas que l’une ou l’autre des parties serait satisfaite si nous faisions la même chose encore et encore. Nous nous sommes souvent heurtés à cela en faisant des disques. Nous travaillons sur quelque chose de nouveau et si cela nous rappelle quelque chose que nous avons fait auparavant, alors nous avons tendance à aller plus loin. Nous essayons de garder les bons éléments tout en cherchant un moyen de les interpréter différemment, de leur donner une nouvelle dimension. Il s’agit de supposer que le public est intelligent et qu’il sait ce qu’il aime.
C’est une sorte de chose vague. Je ne sais pas si le public veut une chose particulière ou un style particulier, je pense qu’il serait malsain de le savoir. Il s’agit plutôt de supposer qu’ils sont attentifs. Quand vous avez cette compréhension d’eux, cela aide à faire ressortir le meilleur.
Vous êtes retournés chez Matador en 2017 après avoir été éloignés du label pendant près de 20 ans – qu’est-ce que cela a représenté de travailler à nouveau avec eux ?
C’est cool. Il y avait quelques disques – comme Telephono et Soft Effects – que nous avons fait à l’origine avec Matador avant qu’ils ne partent chez Merge pendant un moment. Maintenant ils sont de retour avec Matador. C’est drôle comment ces choses arrivent. J’ai l’impression que ces disques sont sortis il y a une éternité, mais les principaux responsables de Matador sont les mêmes. Je les apprécie beaucoup. La première fois que nous avons travaillé ensemble, nous n’avons pas vraiment « marqué » dans le domaine des affaires, mais nous nous sommes toujours appréciés et nous sommes restés en contact. J’ai travaillé avec Gerard sur son label européen. Donc, oui, ça a été une très bonne chose. Je me sens très à l’aise avec ces gars-là.
Le son de Y’all a considérablement évolué au cours de votre carrière – si vous deviez essayer de le décrire, à quoi ce changement a-t-il ressemblé pour vous ? Êtes-vous inspirés par des choses différentes maintenant ?
Je dirais que lorsque nous avons commencé, j’étais très porté sur des groupes comme Wire, Talking Heads, ce genre de paroles. C’est ce que je visais, du moins – j’étais très jeune et ces types étaient très inspirés. Je n’y arrivais pas, mais je visais quelque chose d’un peu mystérieux. Les paroles étaient de la poésie, mais elles étaient aussi, eh bien, du genre « qu’est-ce que je peux écrire rapidement avant le spectacle de ce soir et que je ne serai pas gêné de crier sur scène ? ». Il y avait beaucoup de ça. Au fur et à mesure que j’avançais – surtout à l’époque de notre troisième album – l’objectif est devenu un peu différent. Il s’agissait davantage d’écrire sur moi-même. J’ai commencé à apprécier les disques où l’auteur exprimait une certaine vulnérabilité – des doutes, de la nostalgie ou du bonheur de la vie réelle. C’est devenu un objectif plus important à ce moment-là. Maintenant, j’en suis à un point où c’est un peu des deux. Certaines chansons sont révélatrices et d’autres sont « sortons tout ça ».
Comment était-ce de commencer à saupoudrer des moments de vulnérabilité après avoir acquis une certaine notoriété ? Y avait-il un côté thérapeutique à ça ? Peut-être. Je suppose que oui. C’était un peu comme « hey, que savez-vous ? Je peux écrire sur moi et peut-être même apprendre sur moi en écrivant ces chansons. » Avant, c’était plus du genre « soyons juste cool ». J’aime toujours les deux types de disques. J’aime toujours ces disques de Wire – en fait, pas plus tard qu’hier, je jouais un de ces disques juste pour le plaisir parce que je voulais retrouver cet esprit.
Y a-t-il des choses qui se détachent pour vous comme des informateurs de l’évolution de votre son au fil des ans ? Des artistes/producteurs/instruments spécifiques qui vous ont particulièrement inspirés ?
Oui, il y avait des instruments spécifiques. Quand on a commencé, je pensais que le piano acoustique n’était pas cool. Je ne reconnaissais pas qu’un de mes disques préférés est Plastic Ono Band et je ne l’écoutais pas correctement, du moins pas ce mois-là. Donc, pour nos deux premiers albums, on a évité le piano. Il n’y avait essentiellement que la guitare, la basse et la batterie. Plus précisément, je me souviens que nous voulions que notre deuxième album ait la guitare, la basse et la batterie la plus sèche. Nous pouvions savoir quand notre producteur ajoutait une réverbération ou un délai au mixage, car si nous appuyions sur la touche « stop » du magnétophone, le délai s’allongeait un peu. Donc, on faisait ça et on disait « ah, on t’a eu ! Vous le refaites ! » On tenait absolument à ce que tout soit très sec. C’est juste là où nous avions la tête.
Au fur et à mesure, nous avons grandi – j’ai obtenu un réservoir de réverbération. On a travaillé avec ce type qui s’appelle Mike McCarthy sur plusieurs disques tout au long des années 2000. On a travaillé sur « I Turn My Camera On » – je ne savais pas quel type de chanson ce serait. J’aimais bien la voix, mais je ne savais pas qu’elle allait devenir cette piste de danse minimale. Mike a apporté ce réservoir de réverbération Fender – je n’en avais jamais vu auparavant – et il l’a ajouté à la guitare et tout à coup, nous avions ce disque à succès. On l’a su à ce moment-là. Nous avions cette démo qui était juste correcte, mais lorsque Jim a ajouté sa batterie et que Mike a apporté cette idée de réservoir de réverbération, cela a ajouté cet élément que je n’aurais jamais été capable de sortir de ma propre poche. Ça a juste marché. Donc, ouais, des réservoirs de réverbération. Piano. Cette pédale de retard appelée Memory Man, que nous utilisons toujours beaucoup. Ça progresse toujours.
D’autres histoires vous viennent à l’esprit
Je voulais que le début de « My Mathematical Mind » sonne comme un film qui commence. Comme un vieux film, à l’époque où c’était du vrai film sur les grosses bobines au fond du cinéma. Donc, nous en avons apporté un pour l’enregistrer en train de démarrer au début de la chanson, ce que vous pouvez entendre sur le disque.
Une autre chose dont je me souviens que nous avons enregistré est le son de ce truc, Emergen-C. J’ai remarqué que lorsque vous versez un peu d’eau dans l’Emergen-C, ça fait ce bruit de bulles vraiment fantastique. Alors, on a enregistré ça. Ça n’a finalement mené nulle part… on ne l’a pas utilisé… mais, il y a un million de choses comme ça qui arrivent. En studio, elles arrivent le plus souvent spontanément. Quand tu travailles sur ce genre de choses tous les jours, ces idées commencent juste à te venir. Parfois, elles fonctionnent.
Donc, décririez-vous votre processus comme étant plus exploratoire que déclaratif ?
Oui, je pense que c’est une bonne chose. C’est non seulement une façon amusante d’aborder l’utilisation du studio, mais c’est aussi essentiel, d’une certaine façon. Vous devez être capable d’y aller et d’être dans le moment présent sans juste suivre une liste de directives. Il faut s’ouvrir. Ça nous aide, en tout cas – ça m’a toujours aidé. J’aime qu’à tout moment, n’importe qui puisse dire n’importe quoi et que nous puissions passer 15 ou 20 minutes à essayer de le comprendre.
Diriez-vous, alors, que vous vous efforcez toujours d’obtenir un certain sens de l’organique ?
Je ne sais pas, cela semble assez profond. J’essaie juste de faire fonctionner quelque chose. J’essaie de faire quelque chose qui fasse du bien quand on le réécoute. Je me souviens d’une citation de Gaz de Supergrass qui disait quelque chose comme « quand les gens viennent dans le studio et que vous leur faites écouter la chanson – si vous vous sentez un peu penaud ou que vous ne voulez pas trop la monter, alors vous saurez immédiatement que vous n’êtes pas sur la bonne voie. Si vous la rejouez et que vous avez envie d’exploser d’excitation, alors vous savez que vous avez quelque chose ». Cela ne veut pas dire qu’il faut que ce soit une chanson de fête. Ça peut être une chanson morose. Mais, tant que vous avez ce sentiment… Je ne sais pas, je pense que c’est ce qui fait qu’un musicien ou un producteur est bon : la capacité de savoir quand ça marche. C’est le test à passer, plutôt que de demander à quelqu’un d’autre.
À quel moment du processus d’écriture commencez-vous à penser à l’arrangement pour l’enregistrement ?
J’ai l’impression de penser – peut-être à tort – à l’enregistrement dès le début. Ou, du moins, très tôt. La façon dont j’écris, c’est par le biais de démos, donc j’assemble les mots en même temps que je détermine l’élément de la chanson qui va être le point central. Cela peut être presque distrayant d’être si concentré sur cet élément à ce stade. Au bout du compte, ce qui compte, c’est la sensation que l’on retire de l’enregistrement. Donc, c’est ce que je recherche. C’est peut-être parce que j’enregistre depuis aussi longtemps que j’écris, je ne sais pas. Je suis sûr qu’il y a des auteurs-compositeurs qui se disent « Je vais écrire cette chanson et je me fiche de la façon dont elle sera enregistrée parce que c’est le travail de quelqu’un d’autre ». Je ne suis pas comme ça, je pense toujours aux enregistrements.
Vous avez tous eu l’incroyable opportunité de mûrir et de grandir en tant que groupe en même temps que la révolution numérique de ces 20 dernières années – qu’est-ce que ça vous a fait de voir la technologie progresser au cours de votre carrière ? Pensez-vous que cela a influencé votre art ?
Eh bien, j’ai vu les enregistrements passer de la bande au numérique. C’est un changement assez important. J’aime toujours utiliser des bandes quand je le peux. Le processus d’utilisation de la bande est probablement plus important que ce que la plupart des gens réalisent. Ce n’est pas que cela affecte le son des disques – en fait, c’est moins le cas aujourd’hui – mais cela influence vraiment votre relation avec le son au moment où vous le faites. Vous ne pouvez pas voir le son lorsque vous utilisez une bande, vous devez simplement l’écouter. Au lieu d’avoir ce concept de voir les formes d’onde et de savoir quand ça arrive, vous êtes juste dans cet état d’esprit totalement différent.
Pour ce qui est du reste des innovations… Je suis plutôt un classiciste quand on en arrive là. Je connaissais les disques de Led Zeppelin sur le bout des doigts, mais j’en savais très peu sur eux en tant que personnes. Ou, un artiste comme Prince – je savais à quoi ressemblait Prince, je savais comment sonnait sa voix. Mais je ne savais pas à quoi ressemblait sa maison, je n’ai jamais vraiment pu l’entendre discuter. Je connaissais ses disques sur le bout des doigts, mais je n’ai jamais su ce qu’il mangeait au petit-déjeuner ou autre. En fin de compte, cela rendrait le concept de Prince moins intéressant si je savais ce qu’il mangeait au petit-déjeuner. Je suis bien avec le Prince que je connais grâce aux disques.
Donc, est-ce que tout le côté médias sociaux vous a semblé un peu étranger ?
Ouais, c’est mon point de vue. Je sais que tu dois jouer le jeu un peu en 2020, mais c’est là où j’ai la tête. J’aime juste écouter la musique. C’est de ça qu’il s’agit pour moi, à la fois en tant que musicien et en tant qu’amateur de musique.
Quel effet cela fait-il de regarder en arrière sur votre carrière ? Le processus de réalisation de ces rééditions a-t-il fait naître des émotions fortes sur l’aventure dans son ensemble ?
Eh bien, c’est une bonne vie. Il n’y a pas deux façons de le dire. Je suis heureux de l’endroit où je suis et de la façon dont je suis arrivé ici. C’est vraiment ce que j’ai toujours voulu faire depuis que j’ai 7 ou 8 ans. À partir du moment où j’ai été autorisé à poser l’aiguille sur un disque, la musique est devenue pour moi la chose qui atténuait l’ennui. Pendant longtemps, j’ai écrit des chansons avec des groupes qui n’avaient pas de succès, du moins pour ce qui est de trouver un label pour sortir un disque ou de jouer un spectacle live un soir de week-end. Donc, si vous m’aviez dit, à 22 ans, que plusieurs années plus tard, je devrais rééditer mes disques en France parce qu’ils étaient épuisés et qu’il y avait des gens qui voulaient les entendre, j’aurais eu des frissons. J’en suis encore tout excité. C’est quelque chose que j’apprécie vraiment.
Que pensez-vous que la version plus jeune de vous-même penserait si elle pouvait entendre les disques que vous avez réalisés tout au long de votre carrière ?
J’y ai pensé – que penserait le petit Britt des disques que je fais maintenant ? Ou même, qu’en penserait Britt de l’ère du Telephono ? Qui sait ? J’espère que j’aimerais ça, mais tout change.
Il y aura trois volets de la série de rééditions « Slay On Cue ». Consultez les dates et les albums ci-dessous :
24 juillet :
Telephono / Soft Effects EP
14 août
A Series Of Sneaks / Girls Can Tell / Kill The Moonlight
11 septembre
Gimme Fiction / Ga Ga Ga Ga / Transference
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