In den 24 Jahren seit dem Erscheinen des Debütalbums von Spoon hat sich die Band zu einem der Eckpfeiler der modernen Alternativszene entwickelt. Als äußerst anpassungsfähige und mühelos kreative Gruppe haben Spoon in ihrer Diskografie alle möglichen Klänge, Themen und Stimmungen erkundet. Jetzt feiert Spoon diese Diskografie mit ihrer „Slay On Cue“-Wiederveröffentlichungsserie, bei der die ersten acht Platten der Band weltweit auf Vinyl und CD wiederveröffentlicht werden.
Wenn man auf ihre frühen Platten zurückblickt, kann man die Blaupause für Spoons Werdegang erkennen. Vom ersten Tag an zeigte die Band die ansteckende Energie und Einstellung, die jedes ihrer Alben auszeichnete. Frontmann und Songschreiber Britt Daniel ist sich dieses Geistes bewusst. Letzten Monat hat sich American Songwriter mit Daniel zusammengesetzt, um einen Blick auf die gesamte Karriere von Spoon zu werfen. Daniel ist kühl und gelassen, und mit jedem Wort, das er sagt, spürt man die echte Hingabe, mit der er sein Handwerk betreibt. Während unseres Gesprächs gab er faszinierende Einblicke in die Art und Weise, wie Spoon an die Herstellung von Platten herangegangen sind, wie sie sich im Laufe der Zeit entwickelt haben und was der Erfolg, den er errungen hat, für ihn bedeutet.
Was hat euch dazu bewogen, diese Wiederveröffentlichungsreihe zu machen? Warum gerade jetzt?
Wir haben eine Reihe von Platten herausgebracht, die auf verschiedene Plattenfirmen verstreut sind – vor allem außerhalb der Vereinigten Staaten. Es ist also langweiliges Zeug, einfach geschäftliches Zeug. Einige dieser Plattenfirmen sind pleite gegangen und in einigen Ländern sind diese Platten nie erschienen. Als wir anfingen, mit Matador zusammenzuarbeiten, und sie weltweit tätig waren, beschlossen wir, dass es an der Zeit war, sie alle an einem Ort zu vereinen und physisch zu veröffentlichen.
Hat die Wiederveröffentlichung dieser Platten zu viel Selbstreflexion über Ihre Karriere geführt?
Ich habe gelebt. Wir machen diese Platten eine nach der anderen, während das Leben weitergeht. Wir haben das große Glück, das zu tun. Ich denke, etwas, das wir generell zu schätzen wissen, ist die Fähigkeit, zu wissen, wann man es auf den Punkt bringen muss. Von Anfang an lag meine Stärke vielleicht darin, dass ich wusste, dass die Ramones die Art von Kreativität verkörperten, an der ich interessiert war – mehr als eine Gruppe wie, sagen wir, Steely Dan oder so (obwohl ich „Do It Again“ liebe). Bei der einen Band ging es um Weltklasse-Musik, bei der anderen kaum, aber die eine hat mich begeistert, und bei der anderen fand ich es wirklich schwierig, mir das anzusehen. Die Ramones haben in meinen Ohren immer etwas Interessanteres gemacht. Warum ist das so? Es geht nicht um technisches Können, es geht um den Geist. Das ist es, was ich versuche zu finden, wenn wir einen Song schreiben oder eine Platte machen.
Du erwähnst, dass deine Erfahrung so ähnlich ist, wie wenn du eine Platte nach der anderen machst, „so wie das Leben weitergeht.“ Würdest du sagen, dass sich das Musikmachen heute noch genauso anfühlt wie vor 20 Jahren? Hast du das Gefühl, dass du dieselbe kreative Energie anzapfst?
Ja, ich denke, ich kann etwas von dieser Energie anzapfen – es passiert, wenn du die Maschine einschaltest, das Mikrofon vor dir hast und es Zeit ist, aufzutreten. Es ist dasselbe, wenn man auf die Bühne geht und eine Show macht. Als wir uns das letzte Mal auf eine Tournee vorbereiteten, haben wir das sehr gut gelernt. Wir probten einige Tage lang allein in einem Studio, und es kam der Punkt, an dem wir dachten: „Igitt, wir haben noch 17 Songs, die wir fertig machen müssen.“ Aber dann begann Alex mit dem Livestreaming auf Instagram und plötzlich wussten wir, dass jemand zuschaut und zuhört. Danach war es eine ganz andere Sache, vor das Mikrofon zu treten. Da gibt es eine Art von Energie.
Aufbauend darauf – wie beeinflusst deine Beziehung zu deinem Publikum deine Arbeit?
Ich nehme das Beste vom Publikum an. Wenn man davon ausgeht, dass es weiß, was man vorher gemacht hat, und dass es bestimmte Erwartungen hat, dann will man ihm das Beste geben. Du willst sie überraschen. Man will eine Beziehung zu ihnen aufbauen. Ich glaube nicht, dass eine der beiden Parteien zufrieden wäre, wenn wir immer wieder das Gleiche tun würden. Damit sind wir beim Produzieren von Platten oft konfrontiert worden. Wir arbeiten an etwas Neuem, und wenn es uns an etwas erinnert, das wir schon einmal gemacht haben, dann neigen wir dazu, es noch weiter zu treiben als bisher. Wir versuchen vielleicht, die guten Teile davon beizubehalten und gleichzeitig einen Weg zu finden, eine neue Lesart, eine neue Dimension zu finden. Es geht darum, davon auszugehen, dass das Publikum klug ist und weiß, was es mag.
Es ist eine ziemlich vage Sache. Ich weiß nicht, ob das Publikum etwas Bestimmtes will oder einen bestimmten Stil, ich glaube, es wäre ungesund, das zu wissen. Es geht eher darum, dass man davon ausgeht, dass sie aufmerksam sind. Wenn man dieses Verständnis für sie hat, hilft es, das Beste herauszuholen.
Ihr seid 2017 zu Matador zurückgekehrt, nachdem ihr das Label fast 20 Jahre lang verlassen hattet – wie war es, wieder mit ihnen zu arbeiten?
Es ist cool. Es gab ein paar Platten – wie Telephono und Soft Effects – die wir ursprünglich mit Matador gemacht haben, bevor sie für eine Weile zu Merge gingen. Jetzt sind sie wieder bei Matador. Es ist schon komisch, wie diese Dinge passieren. Es fühlt sich an, als wäre es eine Ewigkeit her, dass diese Platten herauskamen, aber die wichtigsten Leute bei Matador sind dieselben. Ich mag sie sehr gerne. Als wir das erste Mal zusammenarbeiteten, haben wir geschäftlich nicht gerade gepunktet“, aber wir haben uns immer gemocht und sind in gutem Kontakt geblieben. Ich habe mit Gerard bei seinem europäischen Label gearbeitet. Also, ja, es war eine wirklich gute Sache. Ich fühle mich sehr wohl mit diesen Jungs.
Der Sound von euch hat sich im Laufe eurer Karriere erheblich weiterentwickelt – wenn ihr versuchen müsstet, ihn zu beschreiben, wie sieht diese Veränderung für euch aus? Lasst ihr euch jetzt von anderen Dingen inspirieren?
Ich würde sagen, als wir anfingen, stand ich sehr auf Bands wie Wire, Talking Heads, diese Art von Lyrik. Das war es zumindest, was ich anstrebte – ich war sehr jung und diese Jungs waren sehr inspirierend. Ich habe das Ziel nicht erreicht, aber ich wollte etwas Geheimnisvolles schaffen. Die Texte waren Poesie, aber sie waren auch, na ja, wie „was kann ich schnell vor der Show heute Abend schreiben, dass es mir nicht peinlich ist, auf der Bühne zu schreien?“ Davon gab es eine ganze Menge. Mit der Zeit – vor allem um die Zeit unserer dritten Platte herum – wurde das Ziel ein wenig anders. Es ging mehr darum, über mich selbst zu schreiben. Ich begann, Platten zu schätzen, auf denen der Autor eine gewisse Verletzlichkeit zum Ausdruck bringt – Zweifel aus dem wirklichen Leben oder Nostalgie oder Glück. Das wurde zu dieser Zeit mehr zu einem Ziel. Jetzt bin ich an einem Punkt angelangt, an dem es ein bisschen von beidem ist. Einige Songs sind freizügig und andere sind „lass uns das einfach rauslassen“
Wie war es, Momente der Verletzlichkeit einzustreuen, nachdem man eine gewisse Bekanntheit erlangt hatte? Hatte das auch eine therapeutische Seite?
Möglicherweise. Ich denke schon. Es war so eine Art „Hey, was weißt du schon? Ich kann über mich selbst schreiben und vielleicht sogar etwas über mich selbst lernen, indem ich diese Songs schreibe.“ Vorher war es mehr wie „lass uns einfach cool sein“. Ich mag immer noch beide Arten von Platten. Ich liebe immer noch diese Wire-Platten – gerade gestern habe ich eine dieser Platten nur zum Spaß gespielt, weil ich diesen Geist finden wollte.
Gibt es Dinge, die dir als Wegbereiter für die Entwicklung deines Sounds über die Jahre hinweg auffallen? Gibt es bestimmte Künstler/Produzenten/Geräte, die euch besonders inspiriert haben?
Ja, es gab einige bestimmte Instrumente. Als wir anfingen, dachte ich, akustisches Klavier sei uncool. Ich erkannte nicht, dass eine meiner Lieblingsplatten die Plastic Ono Band ist und ich hörte sie nicht richtig, zumindest nicht in diesem Monat. Also haben wir bei unseren ersten paar Platten das Klavier vermieden. Es waren im Wesentlichen nur Gitarre, Bass und Schlagzeug. Ich erinnere mich besonders daran, dass wir wollten, dass unsere zweite Platte die trockenste Gitarre, den trockensten Bass und das trockenste Schlagzeug hat. Wir konnten erkennen, wenn unser Produzent Hall oder Delay in den Mix einbrachte, denn wenn wir auf dem Tonbandgerät auf „Stop“ drückten, blieb die Verzögerung etwas länger. Wir haben das also gemacht und gesagt: „Ah, wir haben dich erwischt! Ihr macht es schon wieder!“ Wir waren sehr darauf bedacht, alles sehr trocken zu halten. Das war einfach der Punkt, an dem unsere Köpfe waren.
Als die Dinge weitergingen, wuchsen wir – ich bekam einen Reverb-Tank. Wir haben in den 2000er Jahren mit einem Typen namens Mike McCarthy an mehreren Platten gearbeitet. Wir haben an „I Turn My Camera On“ gearbeitet – ich wusste nicht, was für ein Song das werden würde. Ich mochte den Gesang, aber ich wusste nicht, dass es dieser minimale Dance-Track werden würde. Mike brachte diesen Fender-Halltank mit – ich hatte noch nie einen gesehen – und er fügte ihn der Gitarre hinzu und plötzlich hatten wir diesen Hit. In diesem Moment wussten wir es. Wir hatten ein Demo, das ganz okay war, aber als Jim sein Schlagzeug hinzufügte und Mike diese Idee mit dem Halltank einbrachte, fügte das ein Element hinzu, das ich aus meiner eigenen Tasche nie hätte hervorholen können. Es hat einfach funktioniert. Also, ja, Halltanks. Klavier. Dieses Delay-Pedal namens Memory Man, das wir immer noch oft benutzen. Es entwickelt sich immer weiter.
Sind dir noch andere Geschichten in den Sinn gekommen?
Ich wollte, dass der Anfang von „My Mathematical Mind“ wie ein Filmanfang klingt. Wie ein alter Film, damals, als es noch echte Filme auf den großen Rollen im hinteren Teil des Kinos gab. Also brachten wir einen davon mit, um den Anfang des Liedes aufzunehmen, was man auf der Platte hören kann.
Eine andere Sache, an die ich mich erinnere, ist der Klang von diesem Zeug, Emergen-C. Mir ist aufgefallen, dass, wenn man ein wenig Wasser in das Emergen-C gießt, es dieses wirklich fantastische Blubbern macht. Also haben wir das aufgenommen. Daraus ist nichts geworden… wir haben es nicht verwendet… aber es gibt eine Million solcher Dinge, die passieren. Im Studio passieren sie meistens spontan. Wenn du jeden Tag daran arbeitest, kommen dir diese Ideen einfach so. Manchmal funktionieren sie dann auch.
Würdest du deinen Prozess also eher als explorativ denn als deklarativ beschreiben?
Ja, ich denke, das ist eine gute Sache. Es macht nicht nur Spaß, sich dem Studio zu nähern, sondern es ist in gewisser Weise auch wichtig. Man muss in der Lage sein, da reinzugehen und im Moment zu sein, ohne nur eine Liste von Anweisungen zu befolgen. Man muss sich öffnen. Das hilft zumindest uns – mir hat es immer geholfen. Ich liebe es, dass jeder zu jedem Zeitpunkt alles sagen kann und wir 15 oder 20 Minuten damit verbringen können, es herauszufinden.
Würdest du also sagen, dass du immer nach einem gewissen Gefühl von Organizität strebst?
Ich weiß nicht, das klingt ziemlich tiefgründig. Ich versuche nur, etwas zum Funktionieren zu bringen. Ich versuche, etwas zu machen, das sich gut anfühlt, wenn man es wieder anhört. Ich erinnere mich an ein Zitat von Gaz von Supergrass, der etwas in der Art sagte: „Wenn die Leute ins Studio kommen und du spielst ihnen den Song vor – wenn du dich ein bisschen verlegen fühlst oder ihn nicht zu sehr aufdrehen willst, dann weißt du sofort, dass du nicht auf dem richtigen Weg bist. Wenn man ihn abspielt und vor Begeisterung explodieren möchte, dann weiß man, dass man etwas erreicht hat.“ Das bedeutet nicht, dass es ein feierlicher Song sein muss. Es kann auch ein düsteres Lied sein. Aber solange man dieses Gefühl hat… Ich weiß nicht, ich denke, das ist es, was einen Musiker oder einen Produzenten gut macht: die Fähigkeit zu wissen, wann es funktioniert.
An welchem Punkt im Schreibprozess fängst du an, über das Arrangement für die Aufnahme nachzudenken?
Ich habe das Gefühl, dass ich – vielleicht bis zu einem gewissen Grad – von Anfang an an die Aufnahme denke. Oder, zumindest, sehr früh. Die Art und Weise, wie ich schreibe, ist durch Demos, also setze ich den Text zusammen, während ich das eine Element des Songs herausfinde, das im Mittelpunkt stehen wird. Es kann fast ablenkend sein, sich in dieser Phase so sehr darauf zu konzentrieren. Am Ende geht es nur um das Gefühl, das man bei der Aufnahme hat. Und danach suche ich einfach. Vielleicht liegt es daran, dass ich schon so lange aufnehme, wie ich schreibe, ich weiß es nicht. Ich bin mir sicher, dass es Songwriter gibt, die sagen: „Ich schreibe diesen Song und es ist mir egal, wie er aufgenommen wird, weil das die Aufgabe von jemand anderem ist.“ Ich bin nicht so, ich denke immer über die Aufnahmen nach.
Ihr hattet die unglaubliche Gelegenheit, als Band zu reifen und zu wachsen, während die digitale Revolution der letzten 20 Jahre stattfand – wie war es, den Fortschritt der Technologie in eurer Karriere zu erleben? Habt ihr das Gefühl, dass sie eure künstlerische Arbeit beeinflusst hat?
Nun, ich habe gesehen, wie die Aufnahmen von Band auf digital umgestellt wurden. Das war ein ziemlich großer Schritt. Ich benutze immer noch gerne Tonbänder, wenn ich kann. Der Prozess der Verwendung von Tonbändern ist wahrscheinlich wichtiger, als die meisten Leute denken. Es geht nicht darum, dass es den Klang der Platten beeinflusst – darum geht es heute weniger – aber es beeinflusst wirklich die Beziehung zum Klang, während man ihn macht. Man kann den Klang nicht sehen, wenn man ein Tonband benutzt, man muss ihn einfach hören. Anstatt dieses Konzept zu haben, die Wellenformen zu sehen und zu wissen, wann er kommt, bist du einfach in einer völlig anderen Geisteshaltung.
Was die restlichen Innovationen angeht… ich bin eher ein Klassizist, wenn es darauf ankommt. Ich kannte die Platten von Led Zeppelin in- und auswendig, aber ich wusste sehr wenig über sie als Menschen. Oder ein Künstler wie Prince – ich wusste, wie Prince aussah, ich wusste, wie seine Stimme klang. Aber ich wusste nicht, wie sein Haus aussah, ich habe ihn nie wirklich in einem Gespräch erlebt. Ich kannte seine Platten in- und auswendig, aber ich wusste nie, was er zum Frühstück aß oder so. Letztendlich würde es das Konzept von Prince weniger interessant machen, wenn ich wüsste, was er zum Frühstück aß. Mir reicht der Prince, den ich von den Platten her kenne.
Fühlt sich die ganze Social-Media-Sache für dich ein bisschen fremd an?
Ja, so sehe ich das auch. Ich weiß, dass man im Jahr 2020 ein bisschen mitspielen muss, aber das ist meine Meinung. Ich höre einfach gerne die Musik. Das ist es, worum es mir geht, sowohl als Musiker als auch als Musikfan.
Wie fühlt es sich an, auf deine Karriere zurückzublicken? Hat der Prozess der Zusammenstellung dieser Wiederveröffentlichungen irgendwelche starken Emotionen bezüglich des Abenteuers als Ganzes ausgelöst?
Nun, es ist ein gutes Leben. Da gibt es keine zwei Wege drum herum. Ich bin glücklich darüber, wo ich bin und wie ich hierher gekommen bin. Das wollte ich eigentlich schon immer machen, seit ich 7 oder 8 Jahre alt war. Von dem Moment an, als ich die Nadel auf die Platte legen durfte, war Musik für mich das Mittel gegen die Langeweile. Lange Zeit habe ich mit Bands Songs geschrieben, die keinen Erfolg hatten, zumindest was die Suche nach einem Label für eine Plattenveröffentlichung oder eine Live-Show an einem Wochenende angeht. Wenn man mir als 22-Jährigem also gesagt hätte, dass ich viele Jahre später meine Platten in Frankreich neu herausbringen müsste, weil sie nicht mehr im Druck waren und es dort Leute gab, die sie hören wollten, wäre ich begeistert gewesen. Es ist immer noch aufregend für mich. Das ist etwas, das ich wirklich zu schätzen weiß.
Was denkst du, würde die jüngere Version von dir denken, wenn sie die Platten hören könnte, die du im Laufe deiner Karriere gemacht hast?
Ich habe darüber nachgedacht – was würde die kleine Britt von den Platten halten, die ich jetzt mache? Oder sogar, was würde die Britt aus der Telephono-Ära von ihnen halten? Wer weiß. Ich hoffe, es würde mir gefallen, aber alles ändert sich.
Es wird drei Teile der „Slay On Cue“-Wiederveröffentlichungsreihe geben. Schaut euch die Termine und die Alben unten an:
24. Juli:
Telephono / Soft Effects EP
Aug. 14
A Series Of Sneaks / Girls Can Tell / Kill The Moonlight
Sept. 11
Gimme Fiction / Ga Ga Ga Ga Ga Ga / Transference