Under de 24 år som gått sedan Spoon släppte sin debutskiva har bandet blivit en av hörnstenarna i den moderna alternativa scenen. Spoon är en mycket anpassningsbar och lätt kreativ grupp som har utforskat alla slags ljud, teman och stämningar genom hela sin diskografi. Nu firar Spoon denna diskografi med sin ”Slay On Cue”-återutgivningsserie, där bandets åtta första skivor kommer att återutges över hela världen på vinyl och CD.
Om man lyssnar tillbaka på deras tidiga skivor kan man se blåkopian för Spoons bana. Från dag 1 uppvisade bandet den smittsamma energi och attityd som har belyst varje skiva de har släppt. Frontmannen och låtskrivaren Britt Daniel är medveten om denna anda. Förra månaden satte sig American Songwriter ner med Daniel för att ta en titt på Spoons karriär som helhet. Daniel är cool och samlad, och med varje ord, sa han, kunde man känna den genuina hängivenhet han har för sitt hantverk. Under hela vårt samtal erbjöd han fascinerande insikter om hur Spoon närmade sig att göra skivor, hur de utvecklades med tiden och vad den framgång han har fått betyder för honom.
Vad fick er att vilja göra den här återutgivningsserien? Varför just nu?
Vi har gett ut ett antal skivor och de är utspridda bland olika skivbolag – särskilt utanför USA. Så det är tråkiga saker, bara affärsmässiga saker. Några av dessa skivbolag gick i konkurs och i vissa länder kom skivorna aldrig ens ut. När vi började arbeta med Matador och de hade en världsomspännande verksamhet bestämde vi oss för att det var dags att samla dem alla på ett ställe och få ut dem alla, fysiskt.
Har återutgivningen av de här skivorna sporrat till mycket självreflektion om din karriär?
Jag har levt. Vi gör dessa skivor en efter en i takt med att livet går vidare. Vi är väldigt lyckligt lottade som får göra det. Jag tror att något som vi generellt försöker värdesätta är förmågan att veta när vi ska behålla det viscerala. Från början kan min styrka ha varit att jag visste att The Ramones bar på den typ av kreativitet som jag var intresserad av – mer än en grupp som till exempel Steely Dan eller liknande (även om jag älskar ”Do It Again”). Ett av dessa band handlade om musikalitet i världsklass och ett kunde knappt spela, men det ena gav mig energi och det andra tyckte jag var genuint svårt att sitta med. Ramones gjorde alltid något mer intressant för mitt öra. Varför är det så? Det handlar inte om teknisk skicklighet, det handlar om anda. Det är det jag försöker hitta när vi skriver en låt eller gör en skiva.
Du nämner att din erfarenhet har varit något som liknar att göra skivor ”den ena efter den andra när livet går vidare”. I det avseendet, skulle du säga att musikskapandet känns likadant nu som för 20 år sedan? Känns det som om du tar del av samma kreativa energi?
Ja, jag tror att jag kan ta del av samma energi – det händer när du sätter igång maskinen, mikrofonen står framför dig och det är dags att uppträda. Det är samma sak när man går upp på scenen och gör en show. Förra gången vi förberedde oss inför en turné lärde vi oss detta mycket väl. Vi repeterade ensamma i en studio i ett antal dagar och det gick så långt att det var som att ”usch, vi har 17 låtar till att göra oss redo för turné”. Men sedan började Alex livestreama på Instagram och helt plötsligt visste vi att någon tittade och lyssnade. Efter det var det en helt annan sak att stå framför mikrofonen. Det finns någon slags energi där.
Att bygga vidare på det – hur påverkar ditt förhållande till din publik ditt arbete?
Jag utgår från publikens bästa. När man förväntar sig att de vet vad man har gjort tidigare och att de har vissa förväntningar, vill man ge dem det bästa. Man vill överraska dem. Man vill bygga upp en relation med dem. Jag tror inte att någon av parterna skulle vara nöjd om vi gjorde samma sak om och om igen. Vi har stött på det ofta när vi gjort skivor. Vi arbetar med något nytt och om det för tankarna till något som vi har gjort tidigare tenderar vi att driva det längre än så. Vi kanske försöker behålla de bra bitarna från det samtidigt som vi hittar ett sätt att få en ny tolkning av det, en ny dimension. Det handlar om att utgå från att publiken är smart och att de vet vad de gillar.
Det är en ganska vag sak. Jag vet inte om publiken vill ha en viss sak eller en viss stil, jag tror att det skulle vara ohälsosamt att veta det. Det handlar mer om att anta att de är uppmärksamma. När man har den förståelsen för dem hjälper det till att ta fram det bästa.
Y’all återvände till Matador 2017 efter att ha varit borta från skivbolaget i nästan 20 år – hur var det att arbeta med dem igen?
Det är coolt. Det fanns ett par skivor – som Telephono och Soft Effects – som vi ursprungligen gjorde med Matador innan de gick till Merge ett tag. Nu är de tillbaka med Matador. Det är lustigt hur dessa saker händer. Det känns som om det är en livstid sedan dessa skivor kom ut, men de viktigaste personerna på Matador är desamma. Jag gillar dem ganska mycket. Första gången vi arbetade tillsammans gjorde vi inte direkt ”poäng” i affärssammanhang, men vi har alltid gillat varandra och har hållit god kontakt. Jag arbetade med Gerard på hans europeiska bolag. Så, ja, det har varit en riktigt bra sak. Jag känner mig väldigt bekväm med dessa killar.
Y’all’s sound har utvecklats avsevärt under er karriär – om du skulle försöka beskriva det, hur har den förändringen sett ut för dig? Inspireras ni av olika saker nu?
Jag skulle säga att när vi började skulle jag säga att jag var mycket intresserad av band som Wire, Talking Heads, den sortens lyrik. Det var vad jag siktade på, åtminstone – jag var väldigt ung och de killarna var väldigt inspirerade. Jag nådde inte dit, men jag siktade på något lite mystiskt. Texterna var poesi, men de var också, tja, som ”vad kan jag skriva snabbt innan showen ikväll som jag inte kommer att skämmas för att skrika på scenen?”. Det var mycket av det. Efterhand – särskilt runt tiden för vår tredje skiva – blev målet lite annorlunda. Det blev mer om att skriva om mig själv. Jag började uppskatta skivor där skribenten uttryckte en viss sårbarhet – en del tvivel eller nostalgi eller lycka från det verkliga livet. Det blev mer av ett mål vid den tiden. Nu har jag kommit till en punkt där det är lite av båda. Vissa låtar är avslöjande och vissa låtar är ”låt oss bara få ut det här.”
Hur var det att börja strö in stunder av sårbarhet efter att ha fått en hel del ryktbarhet? Fanns det en terapeutisk sida av det?
Möjligen. Jag antar det. Det var lite som ”Hej, vad vet du? Jag kan skriva om mig själv och kanske till och med lära mig om mig själv genom att skriva de här låtarna”. Tidigare var det mer som ”låt oss bara vara coola”. Jag gillar fortfarande båda typerna av skivor. Jag älskar fortfarande Wire-skivorna – faktum är att så sent som igår spelade jag en av de skivorna bara på skoj för att jag ville hitta den andan.
Är det några saker som sticker ut för dig som informatörer om hur ditt sound har utvecklats under åren? Några specifika artister/producenter/redskap som särskilt inspirerat dig?
Ja, det fanns några specifika instrument. När vi började tyckte jag att akustiskt piano var ocoolt. Jag insåg inte att en av mina favoritskivor är Plastic Ono Band och jag lyssnade inte på den rätt, åtminstone inte den månaden. Så för våra första par skivor undvek vi piano. Det var i huvudsak bara gitarr, bas och trummor. Jag minns särskilt att vi ville att vår andra skiva skulle ha den torraste gitarren, basen och trummorna. Vi kunde se när vår producent lade till något reverb eller delay i mixen eftersom om vi tryckte på ”stop” på bandspelaren så hängde delayet lite längre. Så vi gjorde det och sa ”ah, vi fångade dig! Ni gör det igen!” Vi var så orubbliga när det gällde att hålla allting väldigt torrt. Det var bara där våra huvuden befann sig.
När saker och ting fortsatte växte vi – jag fick en reverb tank. Vi jobbade med en kille som heter Mike McCarthy på flera skivor under 2000-talet. Vi arbetade med ”I Turn My Camera On” – jag visste inte vilken typ av låt det skulle bli. Jag gillade var sången var, men jag visste inte att det skulle bli det här minimala dansspåret. Mike kom in med en Fender reverb tank – jag hade aldrig sett en sådan förut – och han satte den på gitarren och helt plötsligt hade vi en hitskiva. Vi visste det i det ögonblicket. Vi hade en demo som bara var okej, men när Jim lade till sina trummor och Mike kom med idén om reverbtanken, så tillförde det ett element som jag aldrig skulle ha kunnat ta fram ur min egen bakficka. Det bara fungerade. Så, ja, reverbtankar. Piano. En delaypedal som heter Memory Man, som vi fortfarande använder mycket. Den utvecklas hela tiden.
Någon annan berättelse som sticker ut i ditt huvud
Jag ville att början av ”My Mathematical Mind” skulle låta som en film som startar. Som en gammal film, på den tiden då det var riktig film på de stora rullarna längst bak på biografen. Så vi tog in en sådan för att spela in den i början av låten, vilket du kan höra på skivan.
En annan sak som jag minns att vi spelade in är ljudet av den där saken, Emergen-C. Jag lade märke till att när man häller lite vatten i Emergen-C så ger det ett fantastiskt bubblande ljud. Så vi spelade in det. Det slutade inte med att det gick någonstans… vi använde det inte… men det finns en miljon sådana saker som händer. I studion sker de oftast spontant. När du arbetar med dessa saker varje dag börjar idéerna bara komma till dig. Ibland fungerar de.
Så, skulle du beskriva din process som mer utforskande än deklarativ?
Ja, jag tror att det är en bra sak. Det är inte bara ett roligt sätt att använda studion på, utan det är också viktigt på ett sätt. Man måste kunna gå in där och vara i ögonblicket utan att bara följa någon lista med anvisningar. Man måste öppna upp sig själv. Det hjälper åtminstone oss – det har alltid hjälpt mig. Jag älskar att vem som helst när som helst kan säga vad som helst och vi kan tillbringa 15 eller 20 minuter med att försöka lista ut det.
Skulle du då säga att du alltid strävar efter en viss känsla av organiskhet?
Jag vet inte, det låter ganska djupt. Jag försöker bara få något att fungera. Jag försöker göra något som känns bra när man lyssnar tillbaka på det. Jag minns något citat från Gaz från Supergrass som sa något i stil med ”när folk kommer in i studion och du spelar upp låten för dem – om du känner dig lite fåfäng eller inte vill skruva upp den för mycket, då vet du omedelbart att du inte är på rätt väg. Om du spelar upp den och du vill explodera av spänning, då vet du att du har något”. Det betyder inte att det måste vara en festlig låt. Det kan vara en morotslåt. Men så länge du har den känslan… Jag vet inte, jag tror att det är det som gör en musiker eller producent bra: förmågan att veta när det fungerar. Det är det testet man ska göra, snarare än att fråga någon annan.
Vid vilken tidpunkt i skrivprocessen börjar du tänka på arrangemanget för inspelningen?
Jag känner att jag – kanske till viss del – tänker på inspelningen från början. Eller åtminstone väldigt tidigt. Det sätt på vilket jag skriver är genom demos, så jag sätter ihop orden samtidigt som jag funderar ut det ena elementet i låten som kommer att vara i fokus. Det kan nästan vara distraherande att bli så fokuserad på det i det skedet. I slutändan handlar allt om känslan man får av skivan. Så jag letar bara efter den. Kanske beror det på att jag har spelat in lika länge som jag har skrivit, jag vet inte. Jag är säker på att det finns låtskrivare där ute som säger: ”Jag ska skriva den här låten och jag bryr mig inte om hur den spelas in, för det är någon annans jobb”. Jag är inte sån, jag tänker alltid på inspelningarna.
I har haft den fantastiska möjligheten att mogna och växa som band samtidigt med den digitala revolutionen de senaste 20 åren – hur har det varit att se tekniken utvecklas under din karriär? Känner du att det har påverkat ditt konstnärskap?
Ja, jag såg inspelningar gå från band till digitalt. Det var en ganska stor förändring. Jag gillar fortfarande att använda band när jag kan. Processen att använda band är förmodligen en större sak än vad de flesta människor inser. Det är inte så att det påverkar ljudet på skivorna – det handlar faktiskt mindre om det nu – men det påverkar verkligen ditt förhållande till ljudet när du gör det. Du kan inte se ljudet när du använder band, du måste bara lyssna på det. Istället för att ha det här konceptet att se vågformerna och veta när det kommer upp, är du bara i en helt annan sinnesstämning.
Inom resten av innovationerna… Jag är mer av en klassiker när det kommer till kritan. Jag kände till Led Zeppelins skivor utan och innan, men jag visste väldigt lite om dem som personer. Eller en artist som Prince – jag visste hur Prince såg ut, jag visste hur hans röst lät. Men jag visste inte hur hans hus såg ut, jag fick aldrig riktigt höra honom föra en konversation. Jag kände till hans skivor utan och innan, men jag visste aldrig vad han åt till frukost eller liknande. I slutändan skulle det göra konceptet Prince mindre intressant om jag visste vad han åt till frukost. Jag är nöjd med den Prince som jag känner till från skivorna.
Så, har hela den sociala mediesidan känts lite främmande för dig?
Ja, det är min uppfattning. Jag vet att man måste spela spelet lite i 2020, men det är där mitt huvud är. Jag gillar bara att lyssna på musiken. Det är vad det handlar om för mig, både som musiker och musikfantast.
Hur känns det att se tillbaka på din karriär? Har processen med att få ihop dessa återutgivningar sporrat några starka känslor om äventyret som helhet?
Ja, det är ett bra liv. Det finns inga andra sätt att komma runt det. Jag är glad över var jag är och hur jag kom hit. Det har verkligen varit det jag alltid velat göra sedan jag var sju eller åtta år gammal. Från det ögonblick jag fick lov att släppa nålen på skivan blev musiken det som lindrade tråkigheten för mig. Under lång tid skrev jag låtar med band som inte var framgångsrika, åtminstone när det gällde att hitta ett skivbolag som släppte en skiva eller att spela en livespelning på en helgkväll. Så om du hade berättat för mig som 22-åring att jag många år senare skulle behöva ge ut mina skivor på nytt i Frankrike för att de inte längre var tryckta och att det fanns folk där som ville höra dem, skulle det ha gett mig en kick. Det ger mig fortfarande en kick. Det är något som jag verkligen uppskattar.
Vad tror du att den yngre versionen av dig själv skulle tycka om han kunde höra de skivor du har gjort under hela din karriär?
Jag har tänkt på det – vad skulle lilla Britt tycka om de skivor jag gör nu? Eller till och med, vad skulle Britt från Telephono-eran tycka om dem? Vem vet? Jag hoppas att jag skulle gilla det, men allting förändras.
Det kommer att bli tre omgångar av ”Slay On Cue”-återutgivningsserien. Kolla in datumen och albumen nedan:
24 juli:
Telephono / Soft Effects EP
14 augusti
A Series Of Sneaks / Girls Can Tell / Kill The Moonlight
11 september
Gimme Fiction / Ga Ga Ga Ga Ga Ga Ga Ga / Transference