La Isla del Animador te trae actualizaciones semanales con formas de mejorar tu habilidad en la animación. Sin embargo, a veces es igual de importante saber lo que NO hay que hacer. ¿Cuál de estos fáciles errores de animación estás cometiendo?
25. No planificar
La planificación, como el thumbnail y el storyboard, puede ser a veces la diferencia entre una escena brillante y otra que se va a rehacer doce veces antes de llegar a la «media». Puede parecer más trabajo ahora, pero ese trabajo ahora significa menos trabajo después. Mucho menos. Así que si estás considerando saltarte las miniaturas e ir directamente a un animatic o a una animación completa, ¡repiénsalo!
24. Hacer demasiado y demasiado pronto
Todos queremos llegar a «lo divertido» en la animación. Efectos brillantes o interpretaciones conmovedoras de los personajes. Y con todas las herramientas que tenemos hoy en día, puede ser fácil adelantarse a esas cosas. También es una de las formas más rápidas de hacer una animación pésima. Los principios y los fundamentos son extremadamente importantes, y aunque hacer otra prueba de la pelota que rebota no siempre es emocionante, es la base que te atrapará cuando tus escenas complicadas empiecen a caerse. Tienes que centrar tu atención en los fundamentos antes de pasar a recrear el castillo de hielo de Frozen. (Este es el error número uno que cometen los animadores principiantes y por el que se patean años después.)
23. Ignorar los pequeños problemas al principio
Puedes ponerle carmín a un cerdo, pero sigue siendo un cerdo. En la animación, si tienes un estallido o una luz estroboscópica o algo que no se siente bien al principio, ninguna cantidad de «lápiz de labios» (detalle cosmético o encubrimiento artístico) lo arreglará. Así que aguántate y resuélvelo ahora antes de añadir más capas encima.
22. En la animación 3D podemos caer en la desagradable trampa de posponer la planificación de la composición y la colocación de la cámara hasta después de empezar con la animación real. La verdad es, sin embargo, que debería ser la primera cosa que clavar, porque todo su cambio de forma se basa en donde su cámara es. Usted no será capaz de engañar a cualquier cosa «a la cámara» si usted no sabe donde esa cámara será, y los tramposos RARA vez se ven bien desde todos los ángulos posibles. Coloca primero tu cámara y tu diseño.
21. Romper las reglas sin conocer las reglas
En la animación, romper las reglas o los modelos es algo normal. Es necesario si quieres conseguir la mayor cantidad de entretenimiento en tu escena. Sin embargo, al igual que el consejo 24, cuando no tienes un conocimiento firme de las reglas que estás rompiendo, no serás capaz de romperlas correctamente. Además, si algo sale mal, no tendrás ni idea de por qué. Así que aprende esas reglas y juega con ellas la mayor parte del tiempo. Entonces, cuando llegue ese momento mágico de hacer trampa en algo, entenderás por qué tienes que hacerlo.
20. Apúrate en los detalles
Los detalles, como los pequeños y sutiles movimientos y la acción secundaria, son los que elevan una buena animación a una gran animación. Sin embargo, es muy fácil apresurarse a planificar y animar esas partes antes de que el grueso de tu trabajo esté a la altura. Si el movimiento principal de tu escena es malo, no habrá pequeños movimientos de muñeca o rizos en cascada que lo mejoren.
19. Mover todo a la vez
Una y otra vez creamos poses fantásticas y luego ignoramos totalmente cómo se mueven las cosas de una a otra. Las poses doradas merecen una gran parte de tu tiempo a la hora de planificar, pero otro tanto de esfuerzo debe dedicarse a la forma de pasar de una pose a otraCuando se anima una pose a otra, el animador define primero las poses más importantes (por ejemplo, las poses clave), luego las … Más. Si todo se mueve exactamente al mismo tiempo, va a aburrir al público hasta las lágrimas y se sentirá sin vida en la pantalla.
18. Haz que un plano brille mientras otro cae en saco roto
El viejo adagio dice algo así como «Eres tan bueno como tu última escena». Al mismo tiempo, tu última escena o toma, fresca en la mente del público, influye en cómo el espectador recibe lo siguiente en la pantalla. Si te pasas tres semanas haciendo un plano brillante, pero el siguiente es un desastre apresurado, el plano pésimo arrastrará la brillantez del grande, y no al revés. Es mejor que te esfuerces en las dos, aunque la primera no alcance el nivel que podría tener si le dedicases todo el tiempo sólo a ella.
17. Como continuación del punto 18, si creas una demo reel y la mayor parte de ella es fantástica, pero una pequeña toma no es tan buena, esa toma va a hacer que todo se derrumbe. Es mejor recortarla y tener un reel más corto que incluirla y arruinar tus posibilidades de ese trabajo soñado que persigues.
16. Olvidar el porqué
Has planificado tu escena, hasta el más mínimo detalle, y estás listo para empezar a animar. Desgraciadamente, es fácil olvidar que sólo porque TÚ ya has pasado mucho tiempo en el momento que estás animando, ¡es totalmente nuevo para el personaje! No te olvides de recordar por qué el personaje está actuando de la manera que planeaste que actuara, o será obvio que la figura sólo está pasando por movimientos vacíos en lugar de vivir.
15. Mantener demasiadas partes
Cuando nos movemos, aunque sea algo tan sutil como escribir en un teclado, los músculos se crispan y los nervios se disparan por todo nuestro cuerpo. Hacemos pequeños y sutiles cambios en nuestro equilibrio e incluso la simple respiración altera todo, desde los hombros hasta las fosas nasales. Cuando estás moviendo el brazo de un personaje, puede ser tentador SOLO mover su brazo, pero es mejor hacer esos pequeños ajustes en cada parte de él para que no’ parezca una estatua que casualmente tiene una extremidad móvil.
14. No te tomes descansos
Cuando los plazos se acercan lo último que quieres hacer es dejar de trabajar furiosamente hacia tu objetivo. Sin embargo, los estudios han demostrado que los descansos rutinarios permiten a la mente (y al cuerpo -¡animar es duro para los ojos y las muñecas!) resetearse y trabajar de forma más productiva. Así que tómate un tiempo para relajarte y LUEGO vuelve a ello.
13. Complicar demasiado las cosas porque «quedaría bien»
Tu trabajo como animador es presentar las cosas de la forma más clara posible para el público, para que nada se interponga en su entretenimiento. Puede resultar muy interesante desde el punto de vista visual tener un movimiento de cámara extravagante mientras tu personaje se precipita por un pasillo hacia una muerte inminente, pero si pierde al público, la toma será un fracaso. Mantén la sencillez y la claridad. Seguirá pareciendo genial.
12. Siéntete orgulloso
Es genial sentir que has hecho lo mejor posible. Cuando te alejas de una animación que has creado y sonríes de placer, ese es un buen día. Sin embargo, ten cuidado. Unas cuantas rachas de éxitos moderados pueden elevar tus niveles de orgullo y, antes de que te des cuenta, pensarás que «no necesitas aprender eso» o que «ya sabes lo suficiente». Sigue mejorando y sé siempre consciente de lo mucho que NO sabes. Sigue avanzando, no mires las cosas como si estuvieran por debajo de ti.
11. Desechar las sugerencias
De la mano del #12, es muy, muy convincente mimar nuestras animaciones como si fueran nuestros bebés. Luego, cuando alguien saca a relucir una crítica constructiva, nos ponemos extremadamente a la defensiva y nos apresuramos a proteger a nuestros hijos a toda costa. La cuestión es que esa persona del otro lado puede tener razón. Puede que haya un problema que hayas pasado por alto porque estás muy involucrado. Así que respira hondo, da un paso atrás e intenta mirarlo con objetividad para ver si tal vez le vendría bien ese cambio de ángulo de cámara o, sí, PODRÍA ser un poco demasiado cliché.
10. Golpea tus tiempos tarde
Si hay un acento definido en tu audio (énfasis en una sílaba del diálogo, o efecto de sonido que aporta mucha energía a la toma) lo peor que puedes hacer es golpearlo tarde. Así que si vas a errar, peca de «un fotograma antes» en lugar de «un fotograma después».
Puedes ver el razonamiento completo de esto, junto con la ciencia que lo sustenta, en este vídeo sobre El sonido en la animación
9. Muévete durante un cambio de emoción
Si la emoción de un personaje está cambiando, quieres que ese cambio sea el centro de atención con el foco de atención brillando en ese momento. Durante esos momentos, mantén al personaje en una pose sin muchos otros movimientos, al menos durante la fracción de segundo en que se produce el cambio de expresión y actitud. Entonces puedes pasar a la siguiente pose basándote en ese cambio de emoción. No cambies la emoción DURANTE el movimiento a la siguiente pose emocional.
8. No le des a tu audiencia tiempo para absorber
Toma de 4 a 6 cuadros de tiempo en pantalla antes de que la persona promedio pueda absorber algo que está sucediendo. Si hay un corte de cámara y una acción tiene lugar inmediatamente, se sentirá como una sacudida. En su lugar, trabaja en una pose o pausa para «preparar la toma». Permitirá que el espectador tome nota mentalmente de lo que existe en la pantalla antes de que comience tu brillante actuación.
7. Gemelos por todas partes
El gemelo siempre se colará en tu trabajo, por mucho que intentes mantenerlo fuera. Puede que tampoco sea algo obvio. Pequeños detalles como que las cejas sean reflejadas pero idénticas simplemente tienden a suceder sin siquiera pensar. Recuerda que las partes emparejadas, incluidas las cejas, pueden trabajar juntas para contar una historia aunque estén haciendo cosas muy diferentes.
6. Poner la sincronización de los labios en primer lugar
Cuando un personaje está hablando, a veces la parte que más se mueve en todo el cuerpo es la boca. Así que puede ser razonable asumir que la mayor parte de su atención debe ir a la boca. Pero no es así. Es increíble lo que se puede conseguir con respecto a la sincronización de los labios. Lo más importante son las poses para reforzar la emoción que sale de la boca del personaje. Luego, cuando eso haga clic, puedes centrarte en las formas de los labios.
5. Animar uniformemente
Si todo se anima con el mismo timing, y el mismo patrón, y el mismo espaciadoEl espaciado es la distancia que recorre un elemento entre dos fotogramas de una animación. Al aumentar y disminuir los espaciamientos… más, las cosas se volverán muy aburridas muy rápidamente. Hay excepciones a esto, por supuesto (animar al ritmo constante de un video musical, tal vez) pero en su mayor parte quieres variar tus movimientos para acoplar lo rápido y lo lento, lo grande y lo pequeño, y cualquier contraste que puedas manejar. Al igual que una buena pieza musical tiene partes suaves y partes fuertes, tu animación debe ofrecer una variedad para que el público la disfrute.
4. No dejes tiempo para pensar
Sabes lo que va a pasar a continuación. Has planificado tu escena y has escuchado el audio que estás animando 10.000 veces. Porque sabes, puedes apresurar una reacción o movimiento antes de que el personaje reaccione o se mueva naturalmente. Esto es especialmente cierto en el caso de los diálogos. Los personajes necesitan tiempo para procesar lo que el otro está diciendo antes de reaccionar. Puede que sólo sean unos pocos fotogramas sutiles, pero es necesario que estén ahí. De lo contrario, la actuación parecerá inauténtica y forzada.
3. Ignora todo lo que está fuera de la pantalla
Especialmente en la animación 3D, puede ser fácil olvidar que hay un suelo abajo si estás animando un primer plano de la cara del personaje. Pero ese suelo, y las leyes de la gravedad, todavía se aplican. Así que si ella cambia su peso mientras habla, asegúrate de que tiene sentido hasta los dedos de los pies, o no parecerá equilibrado.
2. Sé un esclavo de la referencia
La referencia es genial. Animar su referencia es una cosa terrible, horrible. Por definición, la referencia sólo está ahí para ser REFERIDA. No está ahí para copiar. Tira de ella. Obsérvela. Toma algunas notas si quieres. A continuación, crea una representación utilizando esa información, no te limites a trasladar tu referencia directamente al personaje.
1. No explores
Cuando alcanzas un cierto nivel de comodidad con la animación, puedes caer en una pequeña y cómoda rutina y confiar en pequeños trucos y poses que sabes que funcionan. El peligro aquí es que dejas de experimentar, y al hacerlo dejas de crecer como artista. Aunque la gente llame a tu puerta para contratarte por tu «estilo» particular, no te conformes con dormirte en los laureles. Los mejores animadores siguen yendo más allá de lo que ya saben y empujando más y más alto.