Animator Island ti porta aggiornamenti settimanali con modi per migliorare la tua abilità di animazione. A volte, però, è altrettanto importante sapere cosa NON fare. Quali di questi facili errori di animazione stai facendo?
25. Non pianificare
La pianificazione, come la miniatura e lo storyboarding, a volte può essere la differenza tra una scena brillante e una che verrà rifatta dodici volte prima di raggiungere la “media”. Potrebbe sembrare più lavoro ora, ma quel lavoro ora significa meno lavoro dopo. Molto meno. Quindi se state pensando di saltare le miniature e andare direttamente a un’animazione o un’animazione completa, ripensateci!
24. Fare troppo e troppo presto
Tutti vogliamo arrivare alle “cose divertenti” nell’animazione. Effetti brillanti o performance dei personaggi con un’anima. E con tutti gli strumenti che abbiamo oggi, può essere facile saltare avanti a queste cose. È anche uno dei modi più veloci per fare un’animazione scadente. I principi e le fondamenta sono estremamente importanti, e anche se fare un’altra prova della palla che rimbalza non è sempre eccitante, è la base che ti prenderà quando le tue scene complicate inizieranno a cadere. Dovete concentrare la vostra attenzione sulle basi prima di passare a ricreare il castello di ghiaccio di Frozen. (Questo è l’errore numero uno che gli animatori principianti fanno e poi si prendono a calci per anni dopo.)
23. Ignorare i piccoli problemi all’inizio
Puoi mettere il rossetto su un maiale, ma è sempre un maiale. Nell’animazione se becchi uno schiocco o uno strobo o qualcosa che semplicemente non ti sembra giusto all’inizio, nessuna quantità di “rossetto” (dettaglio cosmetico o copertura artistica) lo sistemerà mai. Quindi ingoia il rospo e risolvilo ora prima di aggiungere altri strati in cima.
22. Capire la telecamera “dopo”
Nell’animazione 3D possiamo cadere nella brutta trappola di rimandare la pianificazione della composizione e il posizionamento della telecamera fino a dopo aver iniziato l’animazione vera e propria. La verità è, però, che dovrebbe essere la prima cosa da fare, perché tutti i vostri cambiamenti di forma sono basati su dove si trova la telecamera. Non sarete in grado di imbrogliare nulla “alla telecamera” se non sapete dove sarà la telecamera, e gli imbrogli raramente sembrano buoni da ogni possibile angolo. Posiziona prima la tua telecamera e il layout.
21. Rompere le regole senza conoscere le regole
Nell’animazione, rompere le regole o i modelli è normale. È necessario se vuoi ottenere il massimo del divertimento nella tua scena. Tuttavia, proprio come il suggerimento 24, quando non hai una solida conoscenza delle regole che stai infrangendo, non sarai in grado di infrangerle correttamente. Inoltre, se qualcosa va storto, non avrete idea del perché. Quindi impara queste regole, e gioca con loro la maggior parte del tempo! Poi, quando arriverà il momento magico di imbrogliare qualcosa, capirai perché devi farlo.
20. Affrettatevi nei dettagli
I dettagli, come i piccoli movimenti sottili e le azioni secondarie, sono ciò che eleva una buona animazione a una grande animazione. E’ molto facile, però, affrettarsi a pianificare e animare quei pezzi prima che la maggior parte del vostro lavoro sia all’altezza. Se il movimento principale della vostra scena è cattivo, nessun piccolo movimento di un polso o riccioli di capelli a cascata lo renderà migliore.
19. Muovi tutto insieme
Tante volte creiamo pose fantastiche e poi ignoriamo completamente come le cose si muovono da una all’altra. Le pose d’oro valgono un’enorme porzione del tuo tempo quando pianifichi, ma altrettanti sforzi devono essere fatti per il modo in cui passi da una posa all’altraQuando anima una posa all’altra, l’animatore definisce prima le pose più importanti (ad esempio le pose chiave), poi le seconde più … Di più. Se tutto si muove allo stesso tempo, il tuo pubblico si annoierà fino alle lacrime e sembrerà senza vita sullo schermo.
18. Fai brillare un’inquadratura mentre un’altra cade piatta
Il vecchio adagio dice qualcosa come “Sei bravo solo quanto la tua ultima scena”. Allo stesso tempo, la tua ultima scena o inquadratura, fresca nella mente del pubblico, influenza il modo in cui lo spettatore riceve la cosa successiva sullo schermo. Se passi tre settimane a fare brillare un’inquadratura, ma la successiva è un pasticcio frettoloso, l’inquadratura schifosa trascinerà giù la brillantezza di quella grande, non il contrario. È meglio per te mettere lo sforzo in entrambi, anche se il primo non raggiunge le vette che potrebbe raggiungere se tu dedicassi tutto il tuo tempo solo a quello.
17. Butta dentro quell’unico errore alla fine
Come seguito di #18, se crei una demo reel e la maggior parte di essa è fantastica, ma una piccola ripresa non è altrettanto buona, quell’unica ripresa farà crollare tutto. Meglio tagliarlo e avere una bobina più corta che includerlo e rovinare le tue possibilità di quel lavoro da sogno che stai cercando.
16. Dimentica il Perché
Hai pianificato la tua scena, fino al più piccolo dettaglio, e sei pronto per iniziare l’animazione. Purtroppo è facile dimenticare che proprio perché TU hai già passato molto tempo nel momento che stai animando, è totalmente nuovo per il personaggio! Non dimenticate di ricordare perché il personaggio si sta comportando nel modo in cui avete pianificato che si comporti, o sarà ovvio che la figura sta solo facendo dei movimenti vuoti invece di vivere.
15. Tenere troppe parti
Quando ci muoviamo, anche se è qualcosa di sottile come scrivere su una tastiera, i muscoli si contraggono e i nervi sparano in tutto il corpo. Abbiamo fatto minuscoli e sottili spostamenti del nostro equilibrio e anche solo respirare altera tutto, dalle spalle alle narici. Quando si muove il braccio di un personaggio, si può essere tentati di muovere SOLO il braccio, ma è meglio fare quei piccoli aggiustamenti in ogni parte di lui in modo che non appaia come una statua che ha un arto in movimento.
14. Non fare pause
Quando le scadenze incombono l’ultima cosa che vuoi fare è smettere di lavorare furiosamente verso il tuo obiettivo. Gli studi hanno dimostrato, però, che le pause di routine permettono alla mente (e al corpo – animare è duro per gli occhi e i polsi!) di resettare e lavorare in modo più produttivo. Quindi prenditi un po’ di tempo per rilassarti e poi riprenditi!
13. Complicare eccessivamente le cose perché “sembrerebbe figo”
Il tuo lavoro di animatore è di presentare le cose nel modo più chiaro possibile per il pubblico, in modo che nulla ostacoli il loro divertimento. Potrebbe essere visivamente molto interessante avere un movimento di camera fantasioso mentre il tuo personaggio sta correndo lungo un corridoio verso una morte imminente, ma se perde il pubblico, la ripresa sarà un fallimento. Tienilo semplice, tienilo chiaro. Sembrerà ancora cool.
12. Sii orgoglioso
È bello sentire che hai fatto del tuo meglio. Quando fai un passo indietro da un’animazione che hai realizzato e sorridi con piacere, quello è un buon giorno. Attenzione, però. Alcune serie di successi moderati possono elevare i vostri livelli di orgoglio e prima che sappiate cosa sta succedendo penserete che “non avete bisogno di imparare questo” o “sapete già abbastanza”. Continuate sempre a migliorare, e siate sempre consapevoli di quanto NON sapete. Continua ad andare avanti, non guardare le cose come se fossero al di sotto di te.
11. Scacciare i suggerimenti
Come il #12, è molto, molto convincente coccolare le nostre animazioni come se fossero i nostri bambini. Poi, quando qualcuno solleva una critica costruttiva, ci mettiamo estremamente sulla difensiva e corriamo a proteggere i nostri bambini a tutti i costi. Il fatto è che quella persona dall’altra parte potrebbe avere ragione. Potrebbe esserci un problema che hai trascurato perché sei così coinvolto. Quindi fai un respiro profondo, fai un passo indietro, e prova a guardarlo obiettivamente per vedere se forse potrebbe usare quel cambiamento nell’angolo della telecamera o sì, potrebbe essere un po’ troppo cliché.
10. Colpisci le tue battute in ritardo
Se c’è un accento definito nel tuo audio (enfasi su una sillaba di dialogo, o un effetto sonoro che porta molta energia alla ripresa) la cosa peggiore che puoi fare è colpirlo in ritardo. Quindi, se devi sbagliare, sbaglia sul lato di “un fotogramma in anticipo” piuttosto che “un fotogramma in ritardo”
Puoi vedere il ragionamento completo per questo, insieme alla scienza dietro, in questo video su Sound in Animation!
9. Muoviti durante un cambiamento di emozione
Se l’emozione di un personaggio sta cambiando, vuoi che questo cambiamento sia al centro della scena con i riflettori che brillano su quel momento. Durante questi momenti, mantenete il personaggio in una posa senza molti altri movimenti, almeno per la frazione di secondo in cui avviene il cambiamento di espressione e di atteggiamento. Poi si può passare alla posa successiva in base a quel cambiamento di emozione. Non cambiate l’emozione DURANTE il passaggio alla prossima posa emotiva.
8. Non date al vostro pubblico il tempo di assorbire
Ci vogliono 4-6 fotogrammi di schermo prima che la persona media possa assorbire qualcosa che sta succedendo. Se c’è un taglio della telecamera e un’azione avviene immediatamente, sarà stridente. Lavorate invece in una posa o in una pausa per “preparare l’inquadratura”. Permetterà allo spettatore di fare una nota mentale di ciò che esiste sullo schermo prima che inizi la tua brillante performance.
7. Gemelli dappertutto
La vittoria si insinuerà sempre nel tuo lavoro, non importa quanto duramente tu cerchi di tenerla fuori. Potrebbe anche non essere qualcosa di ovvio. Piccoli dettagli come le sopracciglia che sono speculari ma identiche tendono ad accadere senza nemmeno pensarci. Ricorda che le parti accoppiate, incluse le sopracciglia, possono lavorare insieme per raccontare una storia anche se stanno facendo cose molto diverse.
6. Metti il lip-sync prima
Quando un personaggio sta parlando, a volte la parte che si muove di più su tutto il corpo è la bocca. Quindi può essere ragionevole supporre che la maggior parte della vostra attenzione debba andare alla bocca. Non è così! È incredibile quello che si può fare per quanto riguarda il lip-sync! Ciò che è più importante sono le pose per rafforzare l’emozione che esce dalla bocca del personaggio. Poi, quando questa è scattata, ci si può concentrare sulle forme delle labbra.
5. Animare uniformemente
Se tutto è animato con lo stesso tempo, e lo stesso schema, e la stessa spaziaturaLa spaziatura è la distanza che un elemento percorre tra due fotogrammi di un’animazione. Aumentando e diminuendo le spaziature… di più, le cose diventeranno molto noiose molto rapidamente. Ci sono eccezioni a questo, naturalmente (animando al ritmo costante di un video musicale, forse) ma per la maggior parte si vuole variare i movimenti per accoppiare veloce e lento, grande e piccolo, e qualsiasi contrasto che si può gestire. Proprio come un buon pezzo di musica ha parti morbide e parti forti, la tua animazione dovrebbe offrire una varietà per il pubblico di godere.
4. Non lasciare tempo per pensare
Sai cosa sta per succedere. Hai pianificato la tua scena e hai ascoltato l’audio che stai animando 10.000 volte. Poiché lo sapete, potete affrettare una reazione o un movimento prima che il personaggio reagisca o si muova naturalmente. Questo è particolarmente vero per i dialoghi. I personaggi hanno bisogno di tempo per elaborare ciò che l’altro sta dicendo prima di reagire. Possono bastare pochi sottili fotogrammi, ma è NECESSARIO che ci sia. Altrimenti la performance sembrerà inautentica e forzata.
3. Ignora tutto ciò che è fuori dallo schermo
Soprattutto nell’animazione 3D, può essere facile dimenticare che c’è un terreno in basso se stai animando un primo piano del viso del personaggio. Ma quel terreno, e le leggi della gravità, si applicano ancora. Quindi se lei sposta il suo peso mentre parla, assicurati che abbia senso fino alle sue dita dei piedi, o non sembrerà equilibrato.
2. Essere schiavi del riferimento
Il riferimento è grande. Animare il riferimento è una cosa terribile, orribile da fare. Per definizione, il riferimento è lì solo per essere RIFERITO. Non è lì per copiare. Tirate da esso. Osservatela. Annotate qualche nota, se volete. Poi crea una performance usando queste informazioni, non tradurre semplicemente il tuo riferimento direttamente al personaggio.
1. Non esplorare
Quando si raggiunge un certo livello di comfort con l’animazione, si può cadere in una comoda routine e affidarsi a piccoli trucchi e pose che si sa che funzionano. Il pericolo qui è che si smette di sperimentare, e così facendo si smette di crescere come artista. Anche se la gente sta bussando alla tua porta per assumerti per il tuo particolare “stile”, non accontentarti di riposare sugli allori. I migliori animatori continuano ad andare oltre ciò che già conoscono e si spingono sempre più in alto.