In de 24 jaar sinds Spoon’s debuutplaat uitkwam, is de band uitgegroeid tot een van de hoekstenen van de moderne alternatieve scene. Een zeer flexibele en moeiteloos creatieve groep, Spoon heeft geëxploreerd allerlei geluiden, thema’s en stemmingen in hun discografie. Nu viert Spoon die discografie met hun “Slay On Cue” reissue serie, waarbij de eerste acht platen van de band wereldwijd opnieuw zullen worden uitgebracht op vinyl en CD.
Als je terug luistert naar hun vroege platen, zie je de blauwdruk voor het traject van Spoon. Vanaf dag 1 heeft de band de aanstekelijke energie en houding tentoongesteld die elke plaat die ze hebben uitgebracht heeft verlicht. Frontman en songwriter Britt Daniel is zich bewust van deze geest. Vorige maand ging American Songwriter met Daniel om de tafel zitten om een blik te werpen op de carrière van Spoon in zijn geheel. Daniel is koel en beheerst, en bij elk woord dat hij zei kon je de oprechte toewijding voelen die hij heeft voor zijn vak. Tijdens ons gesprek gaf hij een fascinerend inzicht in hoe Spoon het maken van platen benaderde, hoe ze zich in de loop der tijd ontwikkelden en wat het succes dat hij heeft behaald voor hem betekent.
Waarom wilden jullie deze heruitgave serie doen? Waarom nu?
We hebben een aantal platen uitgebracht en die zijn verspreid over verschillende platenmaatschappijen – vooral buiten de Verenigde Staten. Dus, het is saai spul, gewoon zakelijk spul. Sommige van die platenmaatschappijen zijn failliet gegaan en in sommige landen zijn die platen zelfs nooit uitgekomen. Toen we begonnen te werken met Matador en zij een wereldwijde operatie hadden, besloten we dat het tijd was om ze allemaal op één plaats te krijgen en ze allemaal fysiek uit te brengen.
Heeft het heruitgeven van deze platen veel zelfreflectie over je carrière aangewakkerd?
Ik heb geleefd. We maken deze platen de een na de ander terwijl het leven doorgaat. We hebben veel geluk dat te doen. Ik denk dat iets waar we over het algemeen waarde aan proberen te hechten het vermogen is om te weten wanneer je het visceraal moet houden. Vanaf het begin was mijn kracht misschien dat ik wist dat The Ramones het soort creativiteit in zich droegen waarin ik geïnteresseerd was – meer dan een groep als, laten we zeggen, Steely Dan of zoiets (hoewel ik “Do It Again” geweldig vind). Een van die bands ging over muzikaliteit van wereldklasse en de andere kon nauwelijks spelen, maar de ene versterkte me en de andere vond ik echt moeilijk om door te zitten. De Ramones deden altijd iets interessanters in mijn oren. Hoe komt dat? Het gaat niet om technische bekwaamheid, het gaat om de geest. Dat is wat ik probeer te vinden als we een liedje schrijven of een plaat maken.
Je zegt dat je ervaring zoiets is als platen maken “de een na de ander als het leven verder gaat.” Wat dat betreft, zou je zeggen dat muziek maken nu hetzelfde voelt als 20 jaar geleden? Heb je het gevoel dat je dezelfde creatieve energie aanboort?
Ja, ik denk dat ik iets van diezelfde energie kan aanboren – het gebeurt als je de machine aanzet, de microfoon voor je staat en het tijd is om op te treden. Het is hetzelfde om het podium op te gaan en een show te doen. De laatste keer dat we ons voorbereidden op een tour leerden we dit heel goed. We waren een aantal dagen alleen in een studio aan het repeteren en het kwam zo ver dat het was van “ugh, we hebben nog 17 nummers die we klaar moeten maken om te gaan.” Maar toen begon Alex te livestreamen op Instagram en opeens wisten we dat er iemand aan het kijken en luisteren was. Daarna was het een heel ander ding om voor de microfoon te staan. Er is een soort van energie daar.
Daarop voortbordurend – hoe beïnvloedt je relatie met je publiek je werk?
Ik ga uit van het beste van het publiek. Als je verwacht dat ze weten wat je eerder hebt gedaan en dat ze bepaalde verwachtingen hebben, dan wil je ze het beste geven. Je wilt ze verrassen. Je wilt een relatie met ze opbouwen. Ik denk niet dat een van beide partijen tevreden zou zijn als we steeds hetzelfde zouden doen. Daar zijn we vaak tegenaan gelopen bij het maken van platen. We werken aan iets nieuws en als het doet denken aan iets wat we eerder hebben gedaan, dan hebben we de neiging om het verder te duwen dan dat. We zullen misschien proberen om de goede dingen ervan te behouden, terwijl we een manier zoeken om er een nieuwe interpretatie aan te geven, een nieuwe dimensie. Het gaat erom dat we aannemen dat het publiek slim is en weet wat het leuk vindt.
Het is een beetje vaag. Ik weet niet of het publiek een bepaald ding of een bepaalde stijl wil, ik denk dat het ongezond zou zijn om dat te weten. Het gaat er meer om dat je aanneemt dat ze opletten. Als je dat begrip van hen hebt, helpt het om het beste naar boven te halen.
Y’all keerde terug naar Matador in 2017 na bijna 20 jaar weg te zijn geweest van het label – hoe was het om weer met hen te werken?
Het is cool. Er waren een paar platen – zoals Telephono en Soft Effects – die we oorspronkelijk met Matador deden voordat ze voor een tijdje naar Merge gingen. Nu zijn ze terug bij Matador. Het is grappig hoe deze dingen gebeuren. Het voelt als een leven geleden dat deze platen uitkwamen, maar de belangrijkste mensen bij Matador zijn dezelfde. Ik mag ze best wel. De eerste keer dat we samenwerkten, hebben we niet echt “gescoord” in de zin van zaken doen, maar we hebben elkaar altijd gemogen en hebben goed contact gehouden. Ik heb met Gerard gewerkt op zijn Europese label. Dus, ja, het is echt een goede zaak geweest. Ik voel me erg op mijn gemak bij die jongens.
Y’all’s sound is aanzienlijk geëvolueerd gedurende jullie carrière – als je het zou moeten proberen te omschrijven, hoe heeft die verandering er voor jou uitgezien? Worden jullie nu door andere dingen geïnspireerd?
Ik zou zeggen dat ik, toen we net begonnen, erg gecharmeerd was van bands als Wire, Talking Heads, dat soort teksten. Dat is waar ik naar streefde, tenminste – ik was erg jong en die jongens waren erg geïnspireerd. Ik kwam daar niet, maar ik wilde iets een beetje mysterieus. De teksten waren poëzie, maar ze waren ook, nou ja, zoals “wat kan ik snel schrijven voor de show vanavond dat ik me niet zal schamen om op het podium te schreeuwen?” Er was veel van dat. Naarmate ik verder kwam – vooral rond de tijd van onze derde plaat – werd het doel een beetje anders. Het werd meer over mezelf schrijven. Ik begon platen te waarderen waar de schrijver zich kwetsbaar opstelde – twijfels uit het echte leven of nostalgie of geluk. Dat werd meer een doel op dat moment. Nu ben ik op een punt waar het een beetje van beide is. Sommige nummers zijn onthullend en sommige nummers zijn “laten we dit er gewoon uithalen.”
Hoe was het om momenten van kwetsbaarheid in te bouwen nadat je een behoorlijke hoeveelheid bekendheid had gekregen? Was er een therapeutische kant aan?
Zou kunnen. Ik denk het wel. Het was een beetje als “hey, wat weet je? Ik kan over mezelf schrijven en misschien zelfs over mezelf leren door deze liedjes te schrijven.” Daarvoor was het meer van “laten we gewoon cool zijn.” Ik hou nog steeds van beide soorten platen. Ik hou nog steeds van die Wire-platen – sterker nog, gisteren nog draaide ik een van die platen gewoon voor de lol omdat ik die geest wilde terugvinden.
Zijn er dingen die je opvallen als informanten van de evolutie van je geluid door de jaren heen? Zijn er specifieke artiesten/producers/apparatuur die jullie hebben geïnspireerd?
Ja, er waren een paar specifieke instrumenten. Toen we begonnen, dacht ik dat akoestische piano niet cool was. Ik herkende niet dat een van mijn favoriete platen Plastic Ono Band is en ik luisterde er niet goed naar, althans niet die maand. Dus, voor onze eerste paar platen, vermeden we piano. Het was in wezen alleen gitaar, bas en drums. Ik herinner me specifiek dat we wilden dat onze tweede plaat de droogste gitaar, bas en drums zou hebben. We konden zien wanneer onze producer reverb of delay aan de mix toevoegde, want als we op “stop” van de bandrecorder drukten, bleef de delay een beetje langer hangen. Dus, we deden dat en zeiden “ah, we hebben je betrapt! Je doet het weer!” We waren zo onvermurwbaar om alles heel droog te houden. Dat is gewoon waar onze hoofden bij waren.
Naarmate de dingen vorderden, groeiden we – ik kreeg een reverb tank. We werkten met deze man genaamd Mike McCarthy op verschillende platen in de jaren 2000. We werkten aan “I Turn My Camera On” – ik wist niet wat voor soort nummer dat zou zijn. Ik hield van de zang, maar ik wist niet dat het zo’n minimale dancetrack zou worden. Mike bracht een Fender reverb tank mee – ik had er nog nooit een gezien – en hij voegde die toe aan de gitaar en plotseling hadden we deze hitplaat. We wisten het op dat moment. We hadden een demo die gewoon goed was, maar toen Jim zijn drums toevoegde en Mike met het idee van de galmtank kwam, voegde het een element toe dat ik nooit uit mijn eigen achterzak had kunnen halen. Het werkte gewoon. Dus, ja, galmtanks. Piano. Dit vertragingspedaal genaamd Memory Man, die we nog steeds veel gebruiken. It’s always progressing.
Any other stories stand out in your mind.
Ik wilde dat het begin van “My Mathematical Mind” zou klinken als een film die begint. Als een oude film, toen het nog echte film was op de grote rollen achter in de bioscoop. Dus brachten we zo’n ding mee om het te filmen aan het begin van het liedje, dat je kunt horen op de plaat.
Een ander ding dat ik me herinner is dat we het geluid opnamen van dat spul, Emergen-C. Ik merkte dat als je een beetje water in de Emergen-C giet, het maakt dit echt fantastisch borrelend geluid. Dus hebben we dat opgenomen. Dat ging uiteindelijk nergens heen… we hebben het niet gebruikt… maar, er zijn een miljoen van dat soort dingen die gebeuren. In de studio, gebeuren ze meestal spontaan. Als je elke dag met dat spul bezig bent, komen de ideeën gewoon naar je toe. Soms werken ze uit.
Dus, zou je jouw proces omschrijven als meer exploratief dan declaratief?
Ja, ik denk dat dat een goede zaak is. Het is niet alleen een leuke manier om het gebruik van de studio te benaderen, maar het is in zekere zin ook essentieel. Je moet in staat zijn om naar binnen te gaan en in het moment te zijn zonder alleen maar een lijst met aanwijzingen te volgen. Je moet jezelf openstellen. Dat helpt ons, in ieder geval – het heeft mij altijd geholpen. Ik hou ervan dat op elk moment iedereen iets kan zeggen en dat we 15 of 20 minuten kunnen spenderen om het uit te zoeken.
Zou je dan zeggen dat je altijd streeft naar een zeker gevoel van organischheid?
Ik weet het niet, dat klinkt nogal diepzinnig. Ik probeer gewoon iets te laten werken. Ik probeer iets te maken dat goed voelt als je het terug luistert. Ik herinner me een citaat van Gaz of Supergrass dat iets zei in de trant van “als mensen in de studio komen en je speelt ze het liedje – als je je een beetje schaapachtig voelt of het niet te hard wilt zetten, dan weet je meteen dat je niet op de goede weg bent. Als je het terugspeelt en je wilt ontploffen van opwinding, dan weet je dat je iets hebt.” Dat betekent niet dat het een feestelijk liedje moet zijn. Het kan een somber liedje zijn. Maar, zolang je dat gevoel hebt… Ik weet het niet, ik denk dat dat is wat een muzikant of een producer goed maakt: het vermogen om te weten wanneer het werkt. Dat is de test om het te testen, in plaats van het aan iemand anders te vragen.
Op welk punt in het schrijfproces begin je na te denken over het arrangement voor de opname?
Ik heb het gevoel dat ik – misschien tot op zekere hoogte – vanaf het begin nadenk over de opname. Of, in ieder geval, heel vroeg. De manier waarop ik schrijf is door middel van demo’s, dus ik ben het samenstellen van de woorden als ik het uitzoeken van het ene element van het lied dat gaat om de focus. Het kan bijna afleidend zijn om er in dat stadium zo gefocust op te zijn. Uiteindelijk gaat het allemaal om het gevoel dat je krijgt van de plaat. Dus, ik ben gewoon op zoek naar dat. Misschien komt het omdat ik al zo lang aan het opnemen ben als dat ik aan het schrijven ben, ik weet het niet. Ik weet zeker dat er songwriters zijn die zeggen: “Ik ga dit liedje schrijven en het kan me niet schelen hoe het wordt opgenomen, want dat is iemand anders zijn werk.” Ik ben niet zo, ik denk altijd aan de opnames.
Jullie hebben de geweldige kans gehad om als band gelijktijdig met de digitale revolutie van de afgelopen 20 jaar volwassen te worden en te groeien – hoe is het geweest om de technologie tijdens je carrière te zien evolueren? Heb je het gevoel dat het je kunstenaarschap heeft beïnvloed?
Wel, ik zag opnames van tape naar digitaal gaan. Dat was een vrij grote. Ik gebruik nog steeds graag band als ik kan. Het proces van het gebruik van tape is waarschijnlijk een groter probleem dan de meeste mensen beseffen. Het is niet zo dat het de klank van platen beïnvloedt – daar gaat het nu minder om – maar het beïnvloedt echt je relatie met het geluid terwijl je het maakt. Je kunt het geluid niet zien als je tape gebruikt, je moet er alleen naar luisteren. In plaats van dit concept van het zien van de golfvormen en te weten wanneer het opkomt, zit je gewoon in dit totaal andere denkkader.
In termen van de rest van de vernieuwingen… Ik ben meer een classicist als het erop aankomt. Ik kende de platen van Led Zeppelin van binnen en van buiten, maar ik wist heel weinig over hen als mensen. Of, een artiest als Prince – ik wist hoe Prince eruit zag, ik wist hoe zijn stem klonk. Maar, ik wist niet hoe zijn huis eruit zag, ik heb hem nooit echt een gesprek horen voeren. Ik kende zijn platen van binnen en buiten, maar ik wist nooit wat hij at voor ontbijt of wat dan ook. Uiteindelijk zou het het concept van Prince minder interessant maken als ik wist wat hij als ontbijt at. Ik ben goed met de Prince die ik ken van de platen.
Zo, heeft de hele sociale media-kant ervan een beetje vreemd voor je gevoeld?
Ja, dat is mijn opvatting. Ik weet dat je het spel een beetje moet meespelen in 2020, maar dat is waar mijn hoofd staat. Ik luister gewoon graag naar de muziek. Dat is waar het voor mij om draait, zowel als muzikant en als muziek-fan.
Hoe voelt het om terug te kijken op je carrière? Heeft het proces van het samenstellen van deze heruitgaven sterke emoties losgemaakt over het avontuur als geheel?
Wel, het is een goed leven. Daar kun je niet omheen. Ik ben blij met waar ik ben en hoe ik hier gekomen ben. Het is echt wat ik altijd al heb willen doen sinds ik 7 of 8 jaar oud was. Vanaf het moment dat ik de naald op de plaat mocht laten vallen, werd muziek het ding dat de verveling voor mij verzachtte. Lange tijd schreef ik liedjes met bands die geen succes hadden, althans niet wat betreft het vinden van een label om een plaat uit te brengen of het spelen van een live show op een weekendavond. Dus als je mij als 22-jarige had verteld dat ik over vele jaren mijn platen opnieuw zou moeten uitbrengen in Frankrijk omdat het uit de pers was en er daar mensen waren die het wilden horen, dan zou me dat een kick hebben gegeven. Het geeft me nog steeds een kick. Het is iets wat ik echt waardeer.
Wat denk je dat de jongere versie van jezelf zou denken als hij de platen kon horen die je tijdens je carrière hebt gemaakt?
Daar heb ik over nagedacht – wat zou kleine Britt denken van de platen die ik nu maak? Of zelfs, wat zou Telephono-era Britt ervan vinden? Wie weet. Ik hoop dat ik het leuk zou vinden, maar alles verandert.
Er zullen drie afleveringen zijn van de “Slay On Cue” reissue serie. Check de data en de albums hieronder:
Juli 24:
Telephono / Soft Effects EP
Aug. 14
A Series Of Sneaks / Girls Can Tell / Kill The Moonlight
Sept. 11
Gimme Fiction / Ga Ga Ga Ga / Transference