Diamond Dogs, David Bowies achtes Studioalbum aus dem Jahr 1974, war das erste Bowie-Album, das ich hörte. Ich war gerade 13 geworden.
Das Album stellt Bowies Versuch dar, seine eigene post-apokalyptische Klangwelt zu schaffen, nachdem ihm der Nachlass von George Orwell die Rechte an 1984 für ein TV-Musical verweigert hatte. Dennoch bezieht sich Bowie in Songs wie Big Brother, We Are the Dead und natürlich 1984 auf Orwell:
Sie werden dir deinen hübschen Schädel spalten und ihn mit Luft füllen und dir sagen, dass du 80 bist, aber Bruder, es wird dir egal sein, du wirst dir alles Mögliche reinschießen, das Morgen ist nie da.
Aber trotz seiner dystopischen Themen hat Diamond Dogs etwas wunderbar Hoffnungsvolles. Das Album folgte auf Aladdin Sane (1973) und Ziggy Stardust (1972), letzteres hatte Bowie als Star(man) etabliert, und war gekommen, um uns von der Leere, der Tristesse und den heteronormativen Fesseln des englischen Vorstadtlebens zu befreien. Wie diese Alben, nur noch mehr, war auch Diamond Dogs auf jene jenseitige Qualität ausgerichtet, die Bowie zu verkörpern und so erhaben auszudrücken schien.
Wie für Bowie typisch, ging dem Klang eine Vision voraus. Auf Diamond Dogs ist der außerirdische Messias, der Ziggy war, verschwunden und wir begegnen Bowie als halb Mensch, halb Hund. Vielleicht eher übernatürlich als übernatürlich (obwohl der Hund in früheren Zeiten in Europa den Teufel symbolisierte), ist das Bild fesselnd. Doch in Bowies Händen ist es irgendwie dringlich, notwendig. Durch das Bild scheint er Hybridität und Differenz zu umarmen und über unsere begrenzte Vorstellung davon, was es bedeutet, ein Mensch zu sein, hinauszugehen.
Und wie er sich daran erfreute! Er ging mit einer solchen Sicherheit und einem solchen Stil mit der Zweideutigkeit um, dass es nicht mehr angemessen schien, „normal“ zu sein, und das war für mich in Ordnung. Bowie schuf einen Raum für uns Freaks, und das war sowohl überwältigend als auch köstlich.
Als junge Trans-Person, lange bevor „trans“ eine echte kulturelle Bedeutung hatte, das heißt, bevor ich mich selbst benennen konnte, veränderte das Hören von Diamond Dogs alles. Wie Bowie hatte ich „eine Tür gefunden, die mich hinauslässt“ (When You Rock ’n‘ Roll With Me). Zuerst war ich semantisch schockiert („something kind of hit me today“ – We Are the Dead), dann war ich wie ausgewechselt. Es war gleichzeitig: Wiedererkennen, Verbundenheit und Hoffnung, dieser Moment, in dem wir etwas mehr, etwas anderes, etwas reicheres spüren.
Musikalisch erzeugt das Album eine Spannung zwischen Dunkelheit und Licht, düster und doch verführerisch. Irgendwo zwischen Glam Rock (oder in Bowies Fall Art Rock), Soul/Funk und dem bald aufkommenden Punk angesiedelt, ist Diamond Dogs ein Übergangsalbum. Bowie war immer in Bewegung.
Es ist kein Album für Puristen oder Genre-Junkies, aber das war auch nie Bowies Ding. Vielmehr ist Diamond Dogs eine Ansammlung von Stilen, eine Montage. Es ist Sinfonie und Kakophonie. Es beginnt mit gesprochenen Worten, die von Synthesizern begleitet werden (Future Legend), ist eine Hommage an die Stones (Diamond Dogs) und schließt mit dem hypnotischen Gesang der Ever Circling Skeletal Family. Dazwischen wechseln wir von Frank Sinatra-ähnlichen Gesängen zum deutschen Komponisten Karlheinz Stockhausen. Wenn du Diamond Dogs hörst, ist nicht nur deine Mutter im Taumel.
Der beste Teil von Diamond Dogs und das wohl großartigste Stück Musik, das Bowie je produziert hat, ist das neunminütige Triptychon, das in der Mitte der ersten Seite liegt: Sweet Thing, Candidate, Sweet Thing (Reprise). Diese Songs sind hochemotional. Sie handeln von Verletzlichkeit und Sehnsucht, aber sie transportieren auch und begeistern. Das ist Bowie in Bestform, begleitet von Mike Garsons erhabenem Klavier. „Wenn ihr es wollt, Jungs, dann holt es euch hier, Ding.“
Diamond Dogs erzeugt ein Gefühl des Schwindels, einen außer Kontrolle geratenen Zustand, durch den wir Zugang zu etwas Heiligem erhalten. Gesanglich schwingt sich Bowie von einer tiefen Stimmlage zu einem hohen Falsett auf.
Das Album ist lyrisch undurchsichtig. In der Vergangenheit hatte sich Bowie auf seine eigenen Träume verlassen, eine Praxis, die sowohl instinktiv war (siehe Hunky Dory 1971) als auch durch seine Vertrautheit mit den Schriften des Psychoanalytikers Carl Jung gefestigt wurde (siehe Memory, Dreams, Reflections 1965). Diamond Dogs markierte eine Veränderung in Bowies Herangehensweise an das Schreiben. Von nun an wandte er die von William Burroughs populär gemachte Cut-up-Technik (bei der ein vorheriger Text neu arrangiert wird) an.
Bowie ist der geschmackvolle Dieb und der studierte Fälscher, der sich über die Hybris der Hippies und der Prog-Rocker, über ihre Illusionen von „Authentizität“ lustig macht. Doch obwohl er die Oberfläche der Tiefe vorzieht, fängt er eine tiefere, verkörperte Wahrheit ein, die wir Riff für Riff spüren. Es fühlt sich einfach so richtig an. Die Fragmentierung seiner Musik und seiner Texte sind wir. Sie weisen auf die Vielfältigkeit dessen hin, was wir sind und was wir werden könnten. Sie rufen uns dazu auf, über uns selbst und unsere gewohnten Identitäten hinauszuwachsen. Dies gilt insbesondere für die Themen Geschlecht und Sexualität, die auf dem Album eine große Rolle spielen.
Für mich war Diamond Dogs eine Erfahrung wie ein Spiegel. Wenn ich es mir heute anhöre, bin ich wieder in Tränen aufgelöst“ (When You Rock ’n‘ Roll With Me).